«Ванвителлианская художественная галерея»

27 МАЯ ДЕНЬ ПЕТЕРБУРГА
в картинах художника Сергея Демиденко

Промозглый Питер легким и простым
Ему в ту пору показался.
Под солнцем сладостным, под небом голубым
Он весь в прозрачности купался.
И липкость воздуха и черные утра,
И фонари, стоящие, как слезы,
И липкотеплые ветра
Ему казались лепестками розы.
И он стоял, и в северный цветок,
Как соловей, все более влюблялся,
И воздух за глотком глоток
Он пил - и улыбался.
И думал: молодость пройдет,
Душа предстанет безобразной
И почернеет, как цветок,
Мир обведет потухшим глазом.
Холодный и язвительный стакан,
Быть может, выпить нам придется,
Но все же роза с стебелька
Нет-нет и улыбнется.
Увы, никак не истребить
Виденья юности беспечной.
И продолжает он любить
Цветок прекрасный бесконечно.

Константин Вагинов 1934

Празднично, легко, воздушно, прорисовано, разноцветно,
искромётно и притягательно!!

Демиденко Сергей Владимирович родился в г. Омске в 1970 году
1982-86г.г. – учеба в ДХШ №1 города Омска.
1991-96г.г. – окончил Омский Технологический Институт Бытового Обслуживания Населения, образование высшее.
Преподаватель рисунка и живописи в ОГИС. Стаж работы на кафедре дизайна, рисунка и живописи - 11 лет.
Демиденко С. В. ведёт учебную работу со студентами. Проводит практические занятия по предмету «Графика по специальности», у студентов I-V курса специализации «Дизайн трикотажных изделий», «Дизайн костюма».
В данное время живет и работает в Омске.
Работает в технике живопись. Тематика его работ – пейзаж, натюрморт, городские мотивы, авангард. Многие произведения художника хранятся в частных коллекциях г. Омска, других городах России и странах Англии, Польши, Германии.

Анета, дорогой Друг!
От всего сердца, спасибо тебе за этот прекрасный подарок, за твой красивейший и трогательный пост о Петербурге,
за твоё внимание, и просто за нашу Дружбу!

Моя благодарность безгранична!

Прекрасный город на планете
Затмил другие города,
Как бриллиант в любом букете,
Пленяет сразу, навсегда.

Его домов архитектура
Так завораживает взгляд,
Как будто фея от культуры
Их выставляет на парад.

Его соборов красота
Все привлекает к себе взоры,
Вид разведённого моста
Звучит невольно в разговорах.

Назвали северной Пальмирой
Великий город Петербург.
Не зря украсил карту мира
Шедевром зодческих структур.

Великий Пётр его отец,
Им прорубил окно в Европу,
Чтоб мир весь понял наконец.
России нужен был и богу.

1 июня 1844 года родился русский художник, мастер
исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог
Василий Дмитриевич Поленов.



Воскрешение дочери Иаира

В конкурсе Императорской Академии художеств на большую золотую медаль Поленов писал евангельский сюжет и получил награду и право на пенсионерскую поездку в Европу. Художник представил момент после свершения чуда, выстроил композицию на довольно активной жестикуляции. Критик Владимир Стасов в 1877 году в письме к Поленову, перечисляя его достоинства, не преминул сообщить, что в его «таланте две главных струны — колоритность и грация — и эти две симпатичные стороны поразили меня ещё в первой работе, мною виденной: "Дочери Иаировой". "В картине я не видел ровно ничего исторического, никакого выражения глубокого чувства, не было и тени чего-то, что вводило бы нас в комнату, где сию только минуту смерть царила».

Рыбацкая лодка. Этрета. Нормандия

В живописи местечко Этрета прославили реалист Гюстав Курбе и импрессионист Клод Моне. Поленов, в Европе осознавший, что ему нужно подтянуть технику, и увлёкшийся пленэром, тоже отправился в Нормандию на этюды. Но там, где Курбе и Моне смотрят на скалы, море, небо, Поленов переставляет акцент на будни рыбаков: вот вытащенные на берег лодки, а вот рядом сидят их хозяева, поскольку море волнуется. Всех троих художников интересует стихия природы (к которой, разумеется, относятся и взаимоотношения света, воздуха и цвета), только Поленов её раскрывает через людей. Он — недавний выпускник академии и в пейзаже себя ещё только ищет. Выбирая неприметные, но поэтичные моменты повседневности (эту свою привязанность к «обыденному» он сохранит и в будущем), пока что он строит этюд как академическую картину: с ясной центричностью композиции, помещением основного мотива на главном — втором плане её и связанную с этим известную замкнутость, „интерьерность“ пейзажа, позволяющую сосредоточить внимание на объекте изображения.

Московский дворик

Картиной, впоследствии ставшей «визитной карточкой» Поленова и вошедшей в золотой фонд отечественной живописи, сам художник остался недоволен. Однако именно после того, как она была показана на 6-й выставке передвижников, Поленова приняли в их Товарищество, а работу купил Павел Михайлович Третьяков. Вообще в выборе пейзажного жанра Поленову ещё в парижский период помог утвердиться Тургенев. Но всё-таки именно «Московский дворик», его лиризм будничности определил нишу Василия Дмитриевича в искусстве. В 1877 году художник поселился неподалёку от Арбата — в доме Н. Л. Баумгартена, где и написал «Дворик». Картина открывала своеобразный «триптих», продолженный «Бабушкиным садом» и «Заросшим прудом».

Бабушкин сад

Дом Баумгартена, утративший часть декора, но не обаяния, в поленовской картине-элегии выступает хранителем памяти о XIX веке, в первые десятилетия которого он был построен. Художник развивает свою живописную линию, соединяя в работе пейзажный и жанровый элементы, но на этот раз пишет пространство, где сменяют друг друга поколения, как вышедшие в сад пожилая женщина и её дочь Баумгартен (по другим сведениям, художник писал девушку со своей сестры-близнеца Веры Хрущовой, прожившей короткую жизнь: она умерла в 1881 году). Поленов визуализирует ход времени. Как и в «Московском дворике», здесь он разрабатывает «интерьерную», замкнутую композицию маленького мира, но (опять же как в «Дворике») выведенного на уровень обобщения. Созвучная произведениям Тургенева, которого очень чтил Поленов, эта картина об эпохе «дворянских гнёзд», уход которых станет одним из лейтмотивов живописи Виктора Борисова-Мусатова, Александра Головина и Станислава Жуковского. А Александр Бенуа напишет, что поленовские «милые, полные истинной поэзии картины.

Заросший пруд

Уже в 1878 году Поленов переехал из дома Баумгартена во флигель усадьбы Олсуфьева близ Девичьего поля. Там он написал «Заросший пруд», первые этюды к которому выполнил в 1877 году на родительской даче около деревни Петрушки под Киевом. Девушка в тени деревьев — его сестра Вера Хрущова. Решённый в градациях зелёного цвета, «Заросший пруд» — колористическое упражнение в живописи, приближенной к монохромной. Как и прежде, изображая природу, Поленов передаёт её настроение, звучащее в унисон с настроением человека. После 7-й выставки передвижников «поленовский» мотив старого пруда стал популярен: такие лирические картины писали Исаак Левитан, Валентин Серов, Константин Коровин и Илья Остроухов.

Греческие этюды

Греческие этюды Поленова — гимн вечной классике. Он пишет самые узнаваемые храмы афинского Акрополя — Парфенон и Эрехтейон, — выбирая, в общем, «открыточные» ракурсы. Но уже в самом этом решении чувствуется его восхищение памятниками, которые за столетия сильно пострадали, но не утратили ни красоты, ни величественности. Впечатления от увиденного нашли отражение в картине 1890-х «Эллада», а позднее — в театральных декорациях. В 1894 году Поленов оформлял живую картину «Афродита» для Первого съезда русских художников и любителей художеств: на берегу моря он представил храм со статуей Венеры, перед ней, по воспоминаниям Леонида Пастернака, стоял скульптор Агесандр (его сыграл Константин Станиславский). Впоследствии эту декорацию художник переработает для собственной оперы «Призраки Эллады», которая будет представлена в 1906 году в Большом зале Московской консерватории.

На Тивериадском (Генисаретском) озере

Вслед за картиной «Христос и грешница» Поленов решил создать цикл «Из жизни Христа». Написанные раньше «Христос и грешница», «На Тивериадском (Генисаретском) озере», «Мечты» и «Среди учителей» он повторил в меньшем масштабе и с небольшими изменениями, и они тоже вошли в этот цикл. «Из жизни Христа» был завершён в 1908 году и, по мнению Поленова, стал главным делом его жизни. На берегу Тивериадского (Генисаретского) озера, или Галилейского моря, Христос проповедовал и совершил многие чудеса. Поленов полагал, что в костюмах героев мало что поменялось с библейских времён, а потому Христос, как и в «Кто без греха?», облачён в одеяние конца XIX века. Художник снова и снова пытается привнести в евангельские сюжеты приёмы реалистической живописи вообще и пленэрной (пейзаж основан на этюдах) в частности. Главное для Поленова в этой работе, как и в камерных пейзажах, — эмоциональное единство природы и героя.

Поленов и «Титаник»

Василий Поленов собрался полотна
Библейские для галерей
Отправить надёжным путём судоходным
За тридевять дальних морей.

«Титаником» в Штаты доставить возможно.
Но только при сборе бумаг
Художник на строгой английской таможне
Не смог разобраться никак.

А без "декларейшен" нельзя на «Титаник»,
(Ах, черт бы побрал англичан!)
И тот без картин, погудев на прощанье,
Уплыл в мировой океан.

Что дальше случилось, и страшно и странно,
Утопших, Господь, упокой!
Картины остались на суше сохранны,
Корабль же в пучине морской.
02.06.2024

Cкрытый текст -

 

Серия библейских полотен Поленова была высталена на Васильевском острове в Санкт-Петербурге, а затем и в Москве. Выставки произвели фурор, их посетило все образованное общество двух столиц, а позже картины были отправлены в путешествие по Российским городам и весям. В конце концов, десятки работ Василия Поленова переехали в Европу. Они украшали стены выставочных залов Праги и дело шло к отправке в Соединенные Штаты, где уникальный цикл ждали с нетерпением.

Но вмешался случай. Оформление сопроводительных документов на библейскую коллекцию Поленова, которая должна была отправиться в Америку на знаменитом теперь «Титанике», затягивалось. Кончилось тем, что документы увязли в бюрократической машине и весной 1912 года корабль отплыл в Новый Альбион без шедевров Поленова.

Как же переживал художник! Целая группа его помощников уже подсчитывала убытки из-за сорванных сроков отправки картин, но 15 апреля мир облетела новость о крупнейшей катастрофе в истории. «Титаник» пошел ко дну, а картины с образами Христа, девы Марии, апостолов остались целыми и невредимыми.

4 июня 1856 гoдa купцoм Пaвлoм Тpeтьякoвым ocнoвaнa Тpeтьякoвcкaя гaлepeя

«Мне не нужно ни богатой природы, ни великолепной
композиции, ни эффектного освещения, никаких чудес,
дайте мне хоть лужу грязную, но чтобы в ней правда была,
поэзия, а поэзия во всем может быть, это дело художника».

П.М. Третьяков

Собирательская деятельность Павла Михайловича Третьякова



«Стычка с финляндскими контрабандистами» В. Худякова

Годом основания Третьяковской галереи принято считать 1856 год. Именно тогда Павел Михайлович приобрел первую картину русского художника «Стычка с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова. Ранее в 1854–1855 годах П.М. Третьяков купил 11 графических листов и 9 картин старых голландских мастеров.

Третьяков Павел Михайлович. 1884 год

В конце 1850-х годов в его собрании появляются полотна «Сбор вишен» И.И. Соколова, «Разносчик» В.И. Якоби, «Вид в окрестностях Ораниенбаума» А.К. Саврасова, «Больной музыкант» М.П. Клодта. Вероятно, уже тогда Третьяков замыслил создать музей, где будет представлена национальная русская школа живописи.

Иван Соколов. Сбор вишни в помещичьем саду. 1858 год. Холст масло.



Вид в окрестностях Ораниенбаума. 1854 год. А. К.Саврасов



«Разносчик» В.И. Якоби. 1858 год.



«Больной музыкант» М.П. Клодта.1859 год

В 1860 году, отправляясь за границу, Павел Михайлович пишет свое первое завещание («завещательное письмо»), где просит брата и сестер исполнить просьбу: «Сто пятьдесят тысяч рублей серебром я завещаю на устройство в Москве художественного музеума или общественной картинной галереи…». Свою художественную галерею Павлу Михайловичу пришлось собирать с нуля, зато он мог целиком положиться на свой вкус.

В 1864 году в собрании появляется первая картина, написанная на сюжет русской истории, – «Княжна Тараканова» К.Д. Флавицкого. В конце 1860-х годов Павел Михайлович заказывает Ф.А. Бронникову произведение, ставшее впоследствии любимой картиной Веры Николаевны Третьяковой, – «Гимн пифагорейцев восходящему солнцу».

«Княжна Тараканова» К.Д. Флавицкий. 1866 год



«Гимн пифагорейцев восходящему солнцу». Ф.А. Бронников. 1869 г.

Были приобретены картины В.И. Сурикова «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова»; произведения И.Е. Репина «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали», «Царь Иван Грозный и сын его Иван»; работы В.М. Васнецова «После побоища Игоря Святославовича с половцами», И.И. Шишкина «Утро в сосновом лесу», И.Н. Крамского «Неутешное горе», Н.А. Ярошенко «Всюду жизнь» и другие. В галерее появляются картины В.Д. Поленова, И.И. Левитана, А.М. Васнецова, И.С. Остроухова. В 1885 году к дому в Лаврушинском пристраивается еще 7 залов.

Павел Михайлович при выборе произведений уже полностью полагается на свой вкус, невзирая на возражения, а иногда и возмущение именитых художников. В 1888 году он покупает картину В.А. Серова «Девушка, освещенная солнцем», неоднозначно встреченную публикой. В конце 1880-х – начале 1890-х годов в галерею поступают также не оцененные некоторыми знатоками картины молодого М.В. Нестерова «Пустынник» и «Видение отроку Варфоломею», а также «После дождя. Плес» И.И. Левитана. Вновь приходится расширять экспозиционные площади, и в 1892 году прибавляется еще 6 залов.

«Девушка, освещенная солнцем». В.А. Серов. 1888 год



«После дождя. Плес» И.И. Левитан. 1889 год

1892 год стал для галереи знаменательным, в этом году
Павел Михайлович Третьяков передал ее в дар городу Москве.

6 июня 425 лет со дня рождения знаменитого испанского живописца Диего Веласкеса.
Придворный живописец короля Филиппа IV был одним из самых значительных
мастеров золотого века испанской живописи и оставил после себя
учеников, которые продолжили дело своего наставника.



Автопортрет

Веласкес принадлежит к величайшим мастерам XVII века, в творчестве которых лучшие качества художественной культуры этого времени нашли свое высшее воплощение. Диего получил звание мастера в 17 лет. Ведущим жанром в творчестве Веласкеса остается портрет. Художник создал превосходные портреты представителей испанской аристократии и мужественных голландцев – простых людей из народа: портрет Филиппа IV, портрет Хуана Матеоса, Оливареса, кардинала Камилло. Непосредственное впечатление от его портретов – поразительная достоверность внешнего облика человека.

«Портрет Филиппа IV в Коричневом с Серебром Костюме» 1635 год

Для Веласкеса чувственная, зрительная убедительность образа является необходимым условием раскрытия внутренней сущности личности. Как мастер психологического портрета Веласкес может быть поставлен в один ряд только с Рембрандтом.

«Менины» 1656 год

Эта картина, созданная в 1656 году, представляет собой одно из самых загадочных и многоуровневых произведений искусства эпохи барокко. Картина «Менины», также известная под названием «Фрейлины», изображает сцену в королевском дворце Испании, в которой художник, стоящий за мольбертом, рисует портрет маленькой инфанты Маргариты Терезы в окружении ее свиты. Однако простота сюжета обманчива: «Менины» – это сложная игра с пространством, отражением и зрительским восприятием.

Центральное место сюжета картины занимает инфанта Маргарита, окруженная своими фрейлинами, карликами и собакой. На заднем плане Веласкес изобразил себя самого за работой над портретом. Однако одна из самых интригующих деталей картины – это огромное зеркало на задней стене, в котором отражены образы короля Филиппа IV и королевы Марианны. Этот зеркальный эффект вызывает множество вопросов: кого именно рисует Веласкес? зрителя? королевскую пару, стоящую на месте зрителя, или саму сцену, которая разыгрывается перед ним?

Особая роль уделяется свету и композиции, которые подчеркивают глубину и многослойность сцены. Основной свет попадает с бокового окна, освещая инфанту Маргариту и фрейлин, создавая ощущение реальности и осязаемости. Контрасты света и тени добавляют драматизма и акцентируют внимание на ключевых фигурах. Само великолепие деталей: от тканей до выражений лиц персонажей – свидетельствует о высочайшем мастерстве Веласкеса.

«Портрет Хуана де Парехи» 1650 год

Он провел свои первые годы в Севилье, где разработал натуралистический стиль, основанный на светотени . В возрасте 24 лет он переехал в Мадрид, где был назначен художником королю Филиппу IV, а четыре года спустя он стал художником Королевской палаты , самой важной должности среди королевских художников. Как художник такого ранга, он в основном создавал портреты короля, его семьи и вельмож Испании, а также холсты, предназначенные для украшения королевских покоев. В качестве смотрителя королевских работ он приобрел в Италии множество произведений для королевских коллекций, старинные скульптуры и картины мастеров, а также организовал поездки короля Испании.

«Триумф Вакха» 1628-1629 годы



«Венера с Зеркалом» 1647-1651 годы

Его присутствие при дворе позволило ему изучить коллекции королевских картин. Изучение этих коллекций, добавленное к изучению итальянских художников во время его первой поездки в Италию, оказало решающее влияние на эволюцию его стиля, характеризующегося большой яркостью и быстрыми мазками. С 1631 года он достиг своей художественной зрелости и написал великие произведения, такие как Капитуляция Бреды .

В последние десять лет жизни его стиль стал более схематичным, достигнув заметного доминирования света. Этот период начался с портрета Папы Иннокентия X, написанного во время его второй поездки в Италию, и стал годом рождения двух его шедевров: «Менины» и «Прядильщицы» .

«Конный Портрет Принца Бальтазара Карлоса» 1635 год



«Портрет Папы Иннокентия X» 1650 год

В его каталоге от 120 до 125 живописных и рисованных работ . Известный спустя много времени после его смерти, репутация Веласкеса достигла пика с 1880 по 1920 год, когда совпали с французскими художниками- импрессионистами, для которых он был эталоном. Мане был поражен своей живописью и описал Веласкеса как «живописца художников», а затем «величайшего художника из когда-либо существовавших» .

Большинство его картин, которые были частью королевской коллекции, хранятся в музее Прадо в Мадриде.

При звуках, некогда подслушанных минувшим,
любовью молодой и счастьем обманувшим,
пред выцветшей давно, знакомою строкой,
с улыбкой начатой, дочитанной с тоской,
порой мы говорим: ужель все это было?
и удивляемся, что сердце позабыло;
какая чудная нам жизнь была дана...

Владимир Набоков

Поразительные работы Элеоноры излучают особое внутреннее волшебное тепло,
которое пронизывает душу и вспоминается счастливое детство.

Элеонора Альметьева (Xenia) родилась в Читинской области. "Детство моё прошло в Осташкове – маленьком провинциальном городе на Селигере, в неповторимой трогательной красоте, которая заложила во мне основы мировосприятия" – вспоминает в своей автобиографии художница.

С 1988 года Элеонора живет и работает в Санкт-Петербурге. Обучалась в Российском государственном университете имени А.И. Герцена, православном Институте религиоведения и церковных искусств при подворье Оптиной пустыни. За плечами Элеоноры длинный путь, способствующий духовному и профессиональному росту. Более двух десятков персональных выставок в России, Германии, Финляндии, участие в коллективных выставках в Санкт-Петербурге, Москве, Гамбурге, Страсбурге и других городах. Художницу любят и признают не только в России, но и за рубежом.

Счастливые мгновения

"Xenia (Альметьева Элеонора)"

Черно-серые оттенки часто символизируют мрак, страх,
тайну, суеверия, зло, смерть, тайну, печаль .
Источник света на большинстве религиозных картин
символизирует надежду , руководство или божественность.

Изображение ночи на картинах распространено в западном искусстве. Картины, в которых в качестве темы используется ночная сцена, могут быть религиозными или историческими картинами, жанровыми сценами, портретами, пейзажами или другими типами сюжетов. Некоторые произведения искусства затрагивают религиозные или фэнтезийные темы, используя тусклый ночной свет для создания загадочной атмосферы. Источник освещения в ночной сцене — будь то луна или искусственный источник света — может быть изображен непосредственно, а может подразумеваться характером и окраской света, отражающегося от изображаемых предметов.

Начиная с раннего Возрождения, такие художники, как Джотто, Босх, Уччелло и другие, рассказывали истории своими нарисованными работами, иногда вызывая религиозные темы, а иногда изображая сражения, мифы, истории и сцены из истории, используя ночное время в качестве декорации. К 16 и 17 векам художники позднего Возрождения, маньеристы и художники эпохи барокко, в том числе Эль Греко, Тициан, Джорджоне, Караваджо, Франс Хальс, Рембрандт, Веласкес, Хусепе де Рибера, часто изображали людей и сцены в ночное время. декорации, иллюстрирующие истории и изображения реальной жизни.

Джотто ди Бондоне - Рождение Богородицы



Иероним Босх - Ад



Паоло Уччелло - Битва святого Георгия с драконом

Художники восемнадцатого века в стиле рококо Антуан Ватто, Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар и другие использовали ночную тему для иллюстрации сцен воображения, часто с драматическим литературным подтекстом, включая сцены тайных связей и романтических отношений, напоминающие популярные 1782 года.

Антуан Ватто - Идеальное согласие



Франсуа Буше - Художник в своей мастерской



Жан-Оноре Фрагонар - Качели

Уилфред Босворт Дженкинс (1857—1936)

Томас Харт Бёнтон — американский художник. Наряду с Джоном Стюартом Кэрри и Грантом Вудом —
один из главных представителей американского риджионализма и мурализма.

Томас Харт Бентон американский художник, чьи картины, литографии и фрески внесли свой вклад в региональное движение. Вместе с Джоном Стюартом Карри и Грантом Вудом Бентон запечатлел сельскую американскую жизнь 1920-х и 1930-х годов. Его масштабные работы служили комментариями к социальной несправедливости. Отражая ценности рабочего класса, художник часто фокусировал свое внимание на тяжелом положении фермеров индустриальной эпохи. «У меня есть своего рода внутреннее убеждение, что, несмотря, на все возможные ограничения моего разума», — размышлял он. «Я пришел к чему-то, что соответствует образу Америки и американского народа моего времени». Бентон родился 15 апреля 1889 года в Неошо, штат Миссури. Он начал свою карьеру в качестве коммерческого иллюстратора, а затем поступил в Чикагский институт искусств в 1907 году. Год спустя он переехал в Париж и учился в Академии Жюлиана, где познакомился и попал под влияние влияние мексиканского художника Диего Риверы . Вернувшись в Соединенные Штаты во время. Первой мировой войны, к началу 1920-х годов он зарекомендовал себя как ярый противник абстракции. Это изменение отношения было вызвано переоценкой его корней на Среднем Западе и желанием делать работу, которую могли бы оценить обычные люди. Он продолжал преподавать в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, где одним из его учеников был молодой Джексон Поллок . Художник умер 19 января 1975 года в Канзас-Сити, штат Миссури, где его бывший дом и студия в настоящее время являются историческим местом и музеем, посвященным его наследию. Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.

Рабы



Колыбель пшеницы



Велосипедисты



Твист



Аарон



Ночь покера



Художник пустыни



Портрет музыканта



Персефона – Похищение Персефоны

Джон Уильям Уотерхаус, биография и картины

Родился: 6 апреля 1849
Дата смерти: 10 февраля 1917
Страна: Англия

Биография:

Английский художник Джон Уильям Уотерхаус родился 6 апреля 1849 года, в Риме. Он озарял мир светочем своего вдохновения, создавая уникальные полотна. Гениальный мастер кисти уходил от реальности, выражая творческую мысль в изображении библейских и мифологических сюжетов. Главные героини его картин – сильные, свободолюбивые, красивые женщины в образах божественных созданий. Загадочная и манящая Офелия, Психея, Пенелопа, Минерва, Клеопатра – волшебницы его грёз и мечтаний! Всю жизнь он посвятил художественному искусству, вкладывая в свой труд огромный запас энергии, колоссальную работоспособность, силу воли и терпение.

Джон вырос в семье художников. Его родители были интеллигентные и образованные люди. Они много работали, посвящая своё время творчеству. Родители организовывали в доме интересные встречи, приглашая своих друзей. С детства Джон был свидетелем богемной жизни художников и поэтов. Эта творческая атмосфера оказала большое влияние на становление характера мальчика, развитие его эстетического вкуса и любви к окружающему миру. Он интересовался многими науками, любил читать, рисовать, гулять на природе, любуясь её великолепной красотой. Ему нравились сказки, мифы, легенды, в которые он погружался целиком, каждый раз открывая для себя новое и неизведанное. В мифах будущий художник находил удивительные образы и представлял их нарисованными на бумаге. Картина «оживала» в его воображении!

Через несколько лет после рождения Джона семья переехала в Лондон. Они поселились недалеко от музея королевы Виктории и принца Альберта. Восхитительное место жительства манило красотой городских строений и гармонией природы. Джон Уотерхаус прожил здесь до конца своей жизни. Мальчик много работал в мастерской отца, делал эскизы и зарисовки с галерей и музейных экспонатов. Его завораживало художественное искусство! Отец с удовольствием давал сыну уроки живописи. Юный Джон твёрдо решил стать художником.

В 21 год юноша был зачислен в Королевскую Академию Художеств. Поступление в это учебное заведение было для него огромной радостью! Изучение скульптуры доставляло большое удовольствие. Живопись его пленила волшебством красок! Он учился отлично и успешно, блистая знаниями и талантом. Его интерес и любовь к искусству были духовным стимулом внутреннего мира. Лучшие работы молодого художника получили заслуженное признание и были высоко оценены преподавателями. В учебном заведении и музее Дадли проводились презентации его полотен.

Джон Уотерхаус стремился выработать свой индивидуальный творческий стиль. Он был художником-прерафаэлитом. Его духовное родство с итальянскими мастерами живописи создавало особое настроение. Уотерхаус писал картины, на которых изображал грациозных, длинноволосых богинь из мифологических сюжетов. Женщины служили ему богатой фантазией и вдохновением. Он рисовал их среди необычной местности: дикой растительности, заросших водоёмов, густых лесов и сказочных садов. В раннем творчестве у него сияли нотки ностальгии по незабываемой Италии - древние руины, многолюдные рынки, тихие дворики и улицы. Он часто писал дев на фоне итальянских пейзажей, придумывая им чудесные, античные наряды.

Первые художественные работы служили подражанием мастеру кисти Альма Тадеме, который любил изображать женщин в лёгких и тонких накидках, лежащих на мягких, звериных шкурах, осыпанных лепестками роз. Эти шедевральные творения были посвящены древнегреческой поэтессе Сапфо и наполнены сильными эротическими переживаниями. Другим его учителем и единомышленником был художник Фредерик Лейтон. Он создавал полотна на темы британской истории, рыцарства и прекрасных дам.

Джон Уотерхаус владел своим уникальным мастерством, используя штрихи академизма и импрессионизма. Огромное внимание он уделял широким, отрывистым мазкам, чтобы передать жизнь в движении. Художник использовал в работах яркие краски и тона с промежуточными оттенками, чёткие контуры изображений, светотени, контрасты красного и чёрного цвета. Эти художественные приёмы он сочетал с элементами пышной эротики, эклектики, интригующих игр и забав, а также готики, историзма и архитектуры. Уотерхаус любил виртуозность, лёгкость, изящество грации. Всё это художник гениально изображал на фоне салонных пейзажей и библейских сюжетов. Он предпочитал писать цветы и природу с натуры.

Самая известная работа Джона Уотерхауса «Леди из Шалот», созданная по мотивам кельтских легенд. Другие его знаменитые полотна – «Офелия» и «Святая Цецилия». Художник вёл спокойную, светскую жизнь, общаясь с коллегами по творчеству. Он не был замешан в публичных скандалах. Художник боготворил женщин, вежливо общался с натурщицами, никогда не занимался с ними флиртом, глубоко ценил и уважал. Им было написано много авторских работ и эскизов. Уотерхаус часто рисовал с натуры рыжеволосую красавицу – Мюриэл Фостер. Восхищение ей не знало границ, но это увлечение было чисто художественным и эстетичным.

В 1883 году Джон Уотерхаус женился на яркой и неординарной художнице Эстер Кенуорти. Их двое детей погибли в младенчестве, но трагическая утрата ещё сильней скрепила этот союз, в котором супруги были родственными душами и единомышленниками. Джон часто писал портреты жены и делал с ней бытовые зарисовки. Она была его музой. Рисуя свою сестру Мэри, художник воплотил в полотне образ Леди Шалот.

В 1885 году Уотерхаус был признан членом Королевской Академии, а в 1895 году – стал её академиком. На протяжении жизни он проводил выставки своих работ и занимался продажей картин. Художник достиг в обществе большой славы. Его жизненный успех был блистателен! Картины дарили ему общественное признание и отличный финансовый успех.

Джон Уотерхаус страдал тяжёлым онкологическим заболеванием. Он ушёл из жизни в возрасте 67 лет в феврале 1917 года. В 1992 году его портретный образ появился на британских почтовых марках. Память о художнике жива и в настоящее время! Его полотна покупают коллекционеры за большие деньги. Картины Джона Уотерхауса известны всему миру. Они хранятся в музеях и частных коллекциях Великобритании, Англии, Австралии, США и России.

"Жизнь так красива,
когда берешь полной горстью".

«185 лет со дня рождения Константина Егоровича Маковского»



«Автопортрет. 1905 год»

2 июля исполняется 185 лет со дня рождения Константина Егоровича Маковского — русского живописца и графика, члена Санкт-Петербургской артели художников и товарищества передвижников, профессора Императорской Академии художеств.

Маковский Константин Егорович родился в семье одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Здесь он и начал обучение, затем поступил в Академию художеств. Участник «бунта четырнадцати» – студентов, выступивших против консервативной системы преподавания. В 1863 г. покинул Академию художеств, стал членом знаменитой Артели художников, возглавляемой И. Крамским. В эти годы он в основном отдавал предпочтение жанровой живописи (лучший образец этой формы «Балаганы на Адмиралтейской площади»), писал сцены из крестьянского быта («Дети, бегущие от грозы»). Привлекал художника и исторический жанр. Еще будучи в Академии художеств, он удостаивается золотой медали за мелодраматическую картину «Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова». На Всемирной выставке 1889 года в Париже К. Маковский за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара» был удостоен золотой медали. Особое место в творчестве К. Маковского занимает портрет. Художник был мастером передачи прелести предметного мира, обстановки, нарядов. По выражению И. Н. Крамского, в этих портретах «цвета подобраны, как букет». Таковы известные портреты жены художника, графини В. С. Зубовой и многие другие.

«Балаганы на Адмиралтейской площади»



«Дети, бегущие от грозы»



«Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова»



«Смерть Ивана Грозного»



«Суд Париса»



«Демон и Тамара»



«Портрет графини Веры Сергеевны Зубовой»



К. Маковский. Туалет Венеры. Плафон. Sotheby's, Нью-Йорк, 2006.



К. Маковский. Счастливая Аркадия. Панно. Частное собрание.

'Шэдвелл' - 2019



Обложка BCA Эрик - 2004 г.

Оригинальные работы Кидби и лимитированные издания часто выставляются в Лондоне, Париже и по всей Великобритании. У него есть поклонники и коллекционеры по всему миру. Сегодня Пол старается найти оптимальный баланс между проектами Pratchett и его собственными творческими инициативами. Он работает из дома в Дорсете вместе со своей женой Ванессой.

Бременские музыканты - 2008 г.



«Морская ведьма» — 2007 г.

Пол Кидби — художник, которого Терри Пратчетт специально избрал для оформления своих книг в далеком 2002 году. С тех пор он работал с каждой книгой Пратчетта, полностью проиллюстрировал роман "Последний герой" и выпустил бестселлер "Искусство Плоского мира". В "Имаджинариуме" собрано более 200 иллюстраций и эскизов - портреты героев, интерьеры Незримого Университета и Псевдополис Ярда, пейзажи Анк-Морпорка и Убервальда. Терри Пратчетт подарил своим персонажам жизнь, а Пол Кидби позволил им жить в иллюстрациях, собранных в этой великолепной книге.

«Под жутким небом» — 1999 г.



«Трон Коэна»



«Слава смерти» — 2014 г.

Обложки для книг Терри Пратчетта


«Портрет Терри Пратчетта», 2008 г.

Cкрытый текст -

 

12 июля 140 лет со дня рождения итальянского художника Амедео Модильяни.

Амедео Модильяни родился 12 июля 1884 года итальянском городке Ливорно, недалеко от Пизы. Он был четвертым и самым младшим ребенком в семье Фламинио Модильяни, торговца углем и деревом. Будущему художнику не повезло сразу же - в год его рождения отец обанкротился. Амедео был болезненным и красивым мальчиком; мама и сестра переживали за него и очень баловали. Ещё в юности молодой живописец понял свое предназначение. В 1898 году Модильяни начинает посещать в Ливорно частную художественную студию. Он делает большие успехи. Весной 1902 года Модильяни поступает в Свободную школу живописи обнаженной натуры во Флоренции, где обучается у Джованни Фаттори. В этот период он начинает с интересом изучать искусство эпохи Возрождения. Рисовать Модильяни учился в родном Ливорно, во Флоренции и в венецианском Институте искусств.

«Приступы напряженнейшей энергии охватывают меня целиком, но потом проходят. Что-то плодоносное зарождается во мне и требует от меня усилий». Особенно полюбил он Венецию: «Покидаю Венецию более зрелым, чем был бы даже в результате большого творчества. Венеция - голова Медузы с бесчисленными синими змеями, аквамариновый гигантский глаз, в котором душа растворяется и возносится в бесконечность». Правда, талантливый юноша - не частый гость художественных школ. Рисовать он предпочитал в кофейнях.

Модильяни переехал в Париж в 1906 году, когда ему исполнилось двадцать два, и первые годы работал чуть ли не круглые сутки, рисовал до 150 эскизов в день. «Париж меня вдохновляет, - писал Модильяни, - в Париже я несчастлив, но уж что верно, то верно - работать я могу только тут».

«Модильяни, художник и еврей» - представился Амедео русской девушке Анне Ахматовой. Та говорила, что их первая встреча была словно «укус звенящей осы», а спустя много лет написала в эссе о художнике: «Я знала, что такой человек должен просиять». Они читали друг другу стихи французских поэтов, ходили в Лувр, гуляли по ночному Парижу. Модильяни рисовал карандашные портреты Анны Андреевны, а в стихотворениях Ахматовой годов появился сероглазый лирический герой. Есть версия, что ее «Сероглазый король» - не кто иной, как Модильяни.

Модильяни делал скульптуры - длинные головы в стиле африканских фигурок и масок. Головы вызывали у зрителей, да и у друзей-художников сплошное недоумение.

В 1917 году художник женится на очаровательной Жанне Эбютерн, которая через год родила ему дочь. Жена стала основной моделью Модильяни. Художник был счастлив в браке, однако его здоровье, которое никогда не было крепким, теперь ещё более ухудшается.

«Большая обнаженная»



Еврейка



«Виолончелист»

Его единственная выставка прошла в 1917 году в Париже, но не имела особого успеха. Полицейский комиссар потребовал закрытия выставки, увидев в витрине галереи картину Модильяни «Большая обнаженная». 24 января 1920 года в Париже талантливый художник Амедео Модильяни умирает. Его беременная жена, не вынеся разлуки с мужем, покончила с собой.

«Жанна Эбютерн в большой шляпе»

♫ Al Bano and Romina Power - Liberta - Modigliani ♫

Фильм, судьбу Модильяни пропустить через свои вены и остаться печальной
и счастливой на всю жизнь, так как сыграл его Энди Гарсия. Шедевр!!

Амедео Модильяни,
Исключительно по пьяни
(Хоть имел на то запрет),
На холсте из старой рвани,
В жирных пятнах от тарани,
Рисовал Жаннет портрет.

Шеи странная центровка,
В зренье расфокусировка,
Нос и губы - вовсе бред.
Виновата поллитровка,
И за то Жаннетой ловко
Модильяни был огрет.
12.07.2024

«Ребенок Воды» (A Water Baby),
Герберт Джеймс Дрейпер,
1900 г. Холст, масло.
Размер: 68,5 х 68,5 см.
Художественная Галерея в Манчестере, Англия

Любимая тема, которой Герберт Джеймс Дрейпер посвятил много картин. Её условно можно назвать "Женщина + водная стихия".

Да, одним из излюбленных сюжетов художника было изображение красивой женщины или купающейся, или стоящей в воде, или просто изображенной на фоне водного простора.

Герберт Джеймс Дрейпер был истинным (в самом лучшем смысле слова) викторианским художником. А одной из главных тем таких художников были сюжеты, заимствованные из мифологии и литературы.

В шотландской мифологии водяной дух, обитающий во многих реках и озёрах обычно является в облике пасущегося у воды коня, подставляющего путнику свою спину и затем увлекающего его в воду. А вот Дрейпер изобразил его в виде прекрасной девушки -- Калипсо. Прекрасная морская нимфа нежно смотрит на свое дитя, которое спит в постели из ракушки.