Балет, балет, балет...

Балет, балет, балет...
Пожалуй, это один из самых прекрасных и изящных видов искусства придуманными человеком.
Балет – это искусство одухотворенной пластики, мысли, воплощенной в движении, жизни, показанной средствами хореографии.
Балет – это искусство говорить телом, это изящество и гармония...

Люди танцуют во всех уголках земного шара десятки веков. Индейцы и египтяне стали изображать на стенах захоронений танцующих людей более пяти тысяч лет назад. Ученые утверждают, что человек начал танцевать гораздо раньше, чем говорить.
Древняя культура была синкретична: человек еще не отделял себя от общины, окружающий мир от личности; особенно тесно были связаны быт, религия и искусство. Именно поэтому древние ритуалы и церемонии наполнены обрядовыми движениями и пластикой.

Как бы удивительно это не звучало, но прототипом современного балета являлся образ смерти. Дело в том, что для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха перед концом земной жизни. Изображения смерти, как и дьявола, постоянно встречаются в средневековой символике. Образ танцующей смерти возник уже в глубокой древности, она появляется также в танцах многих первобытных обществ. Но именно в эпоху Средневековья образ смерти превращается в символ потрясающей силы. «Танец смерти» (danse macabre), особенно широко распространился в Европе в XIV в., в периоды эпидемии чумы. В социальном смысле этот танец, сродни смерти, уравнивал представителей разных сословий.

Сам балет, как вид сценического искусства, возник во времена эпохи Возрождения. Но вряд ли мастера танца, развлекавшие государей роскошными представлениями, могли предположить, что сеют семена искусства, которым в грядущие века будут наслаждаться миллионы людей во всем мире.

Первородные формы современного балета появились в конце XV века в Италии, где владетельные князья нанимали профессионалов для постановки пышных зрелищ, чтобы произвести впечатление на знатных гостей. Помимо элементов драмы, эти представления включали величавые танцы, шествия в исполнении придворных дам и кавалеров.

Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 году он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон неаполитанского королевства. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору.
Они не только обучали балету, но и являлись основоположниками моды в области этикета и манер и оказывали огромное влияние на атмосферу при дворе. Итальянец Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайe) ставил придворные представления, наиболее известное из которых носило название «Комедийный балет королевы» и обычно считается первым в истории музыкального театра балетным спектаклем.

-«Урок танцев» Эдгара Дега, 1874 год

Маскарады, постановки балета и карнавальные шествия устраивались в дворянских домах и по мере их усложнения превратились в дорогостоящие празднества. Больше всего в эпоху Ренессанса увлекались маскарадами. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств также скрывали свои лица под масками.

Термин "балет" появился в конце XVI века (от итальянского balletto - танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие "балеты" состояли обычно из мало связанных между собой "выходов" персонажей - чаще всего героев греческих мифов. После таких "выходов" начинался общий танец - "большой балет". Итак, Париж, XVI век. Осень 1581 года была очень праздничной. Полным ходом шли торжества по случаю свадьбы Маргариты Лотарингской, сестры королевы Луизы, и герцога де Жуайеза. Апофеозом стало грандиозное представление в Малом Бургундском дворце. Оно носило звучное название — «Цирцея, или Комедийный балет королевы».

-Обложка издания, 1582 г.

Перед зрителями была разыграна история, как прекрасные нимфы, превращённые волшебницей в каменные статуи, смогли сбросить с себя злые чары и вновь обрести свободу.
Были в спектакле и другие танцевальные эпизоды. Юпитер и Минерва посылали своих воинов на штурм дворца злой волшебницы. При помощи ритмичных движений изображался бой. Однако стоило Цирцее вновь взмахнуть жезлом, как все воины застывали на месте. Несколько раз волшебница отражала нападение. Но в итоге чары рассеивались. Нимфы оживали. Бальтазарини применил интересный эффект — танцовщицы выстраивались в геометрические фигуры: квадраты, круги, треугольники.
Оформление первого балета поражало роскошью и великолепием. На самой Цирцее было платье, затканное золотом. Головной убор украшали драгоценные камни. Наряд одной из главных нимф был настолько густо усеян бриллиантами, что их блеск слепил глаза. Вдоль стен зала размещались декорации — они изображали живописную рощу, таинственный грот и дворец волшебницы. Листья и цветы были сделаны руками искусных ювелиров. Поэтичность подобных зрелищ резко контрастировала с жестокими реалиями эпохи. Вражда между католиками и гугенотами делала обстановку во Франции крайне напряжённой. Екатерина Медичи надеялась, что распространение прекрасного поможет установлению мира в стране. В танцевальном искусстве она видела олицетворение той гармонии, которой так не хватало человеческим отношениям. К глубокому сожалению Екатерины, мир во Франции не восторжествовал. Однако родился новый вид искусства.Пять часов подряд гости с восторгом следили за изумительно красивым зрелищем. Именно благодаря ему та свадьба осталась в истории на века. 15 октября 1581 года стало днём рождения нового вида искусства. «Цирцею» по праву называют самым первым балетным спектаклем. Это была та отправная точка, от которой отталкивались последующие поколения хореографов.

-Людовик XIV

7 июня 1654 короновали нового монарха Франции — Людовика XIV. При нем балеты давались часто и обставлялись с невиданной пышностью. Примерно тогда же появилось разделение танцовщиков на любителей и профессионалов. В 1661 году Людовик учредил Королевскую академию танца «в целях совершенствования сего искусства», а спустя 10 лет — Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.
Именно в Парижской опере в 1681 году впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа, чтобы обеспечить постоянный приток молодых танцовщиков в ставшие особо популярными оперы-балеты. Для многих балет стал профессией. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.
Сам Людовик XIV с 12-летнего возраста танцевал в так называемых «балетах театра Пале-Рояль». Эти мероприятия были вполне в духе времени, ибо проводились во время карнавала. Карнавал эпохи барокко — это не просто праздник, это — перевёрнутый мир. Король на несколько часов мог превратиться в шута (как и шут вполне мог себе позволить предстать в роли короля). В этих балетах юному Людовику довелось сыграть роли Восходящего солнца (1653) и Аполлона — Солнечного бога (1654).
Существует и другое культурное событие эпохи барокко — так называемая «Карусель». Это празднично-карнавальная кавалькада, нечто среднее между спортивным праздником и маскарадом. В те времена «Карусель» называли просто «конным балетом». На «Карусели» Людовик XIV предстал перед народом в роли римского императора с огромным щитом в форме Солнца. Это символизировало то, что Солнце защищает короля и вместе с ним и всю Францию. Отсюда и произошло прозвище Людовика — Король-Солнце.К концу XVI века придворный балет достиг расцвета: он полностью финансировался французской монархией, которая использовала его для превозношения собственного величия. Балеты стали частью роскошных, огромных праздничных феерий, которые продолжались несколько дней кряду и включали в себя все виды развлечений.

В те времена танцевальная карьера начиналась с ранних лет и завершалась гораздо позже, чем сейчас. Балет и в малой доле не требовал такой отдачи сил, как в наши дни, а чтобы скрыть от публики свои стареющие лица, танцовщики выступали в масках. Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными — до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.

В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля «Тщетная предосторожность». Никаких речей, никаких сказок о похождениях богов и богинь, никаких масок, пения и корсетов. Зритель увидел незатейливую историю о полюбившей красивого молодого крестьянина деревенской девушке, которую мать хотела выдать за богатого, но глупого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.

В начале XIX века все виды искусства, в том числе и балет, оказались под мощным влиянием романтизма, как художественного течения. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли «Сильфида» и «Жизель». Примерно тогда же балерины начали танцевать на кончиках пальцев — встали на пуанты. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.

-Мария Тальони

Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 году «Сильфиду» на сцене Парижской оперы. В 1836 г. Огюст Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою «Сильфиду» по воспоминаниям от спектакля с участием Тальони. Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.

Теперь идеальная балерина в своих туфлях, казалось, едва касалась поверхности сцены и ее бесплотный дух словно не знал, что такое земля. В это время восходящие звезды женского танца полностью затмили присутствие бедных мужчин-танцоров, которых во множестве случаев окрестили просто двигающимися статуями, существующими только для того, чтобы балерины на них опирались. Эту ситуацию в начале двадцатого столетия немного подправило восхождение звезды Нижинского из Русского Балета. К этому времени уже развились традиционные для нас балетные костюмы, хореография, декорации, бутафория, словом, все стало почти таким, как есть сейчас. В конце концов, именно русский балет начал революцию в балетном искусстве.

© Shkolazhizni.ru, selfire.com, dozado.ru, wikipedia.org

Если бы сложить все мечты маленьких девочек
в одну большую пирамиду, то на её вершине,
несомненно, будет кружиться балерина.
Грезы о том, чтобы увидеть себя в белоснежной
балетной пачке, высоко на пуантах, хотя бы раз в жизни
посещали каждую девочку.

Образ действительно восхитительный - нежный, хрупкий, женственный, эталон безупречной красоты и изящества. Может ли он существовать без пуантов? Эти маленькие атласные туфельки – настоящий фетиш, символ принадлежности к сказочному миру балета. Именно они сделали классический танец неподражаемым.
Название пуанты произошло от французского слова pointe - острие, кончик.
Пуанты изобрели в начале 19-ого века в Италии. До этого, танцовщицы танцевали на пальцах, потом начали набивать в туфли различную ткань и становиться в этих туфлях на носочки.
Но балерины не выходили на сцену босыми. Они надевали туфли на каблуках. Чуть позже были сандалии, сделанные из плотной кожи, они обматывались вокруг ноги плотными ремешками.
История русского балета говорит о том, что позиция «на пальцах» появилась лет на 20 раньше, чем в балетный обиход вошли туфельки-пуанты. Впервые положение «на пальцах» ввел знаменитый балетмейстер Дидло в спектакле «Зефир и Флора», который он поставил в 1808 году, работая по приглашению в России. И очевидно, первой исполнительницей «танца на пуантах» можно считать Марию Данилову, игравшую партию в этом балете. Однако, сами туфельки-пуанты появились чуть позже и не в России.

-Филиппо Тальони

Впервые воспользовалась прототипом современной балетной обуви итальянская балерина Мария Тальони в 1830 г. Будучи дочерью знаменитого балетмейстера Филиппо Тальони, она стала ключевой фигурой эпохи балетного романтизма, основанной отцом.
Интересно, что Мария по оценкам критиков того времени практически не обладала данными для балета – была худощава, довольно высока, имела плоскую грудь и длинные конечности. Этому можно лишь удивляться, ведь сегодня именно такое телосложение считается идеальным для балерины.

Филиппо Тальони создавал балеты, в которых хотел добиться необычайной легкости и воздушности, и потому дочери пришлось отказаться от корсетов, украшений, тяжелых юбок и танцевать в невесомой пачке-шопенке. В стремление к летящему образу и высоким «полупальцам» и были созданы первые пуанты.

Они мало напоминали балетную обувь, которую используют сегодня: жесткая прокладка из пробки не позволяла в полном смысле танцевать на кончиках пальцев, и даже просто стоять на них было достаточно сложно. Но главная задача была выполнена, иллюзия отрыва от земли, невесомости танцовщицы, её «бесконечной ноги» - созданы. Мария Тальони и впредь стала использовать пальцевую технику, вместе с которой совершенствовалась и обувь.

-Кликабельно

Пуанты выполняют свои функции за счет многослойности жесткой носочной части – «коробочки», которая создает упор, позволяющий балерине стоять на пальцах.
Первые пуанты имели пробковую «коробочку», жесткую и неудобную. Сегодня она состоит из шести слоев текстиля и обычной мешковины, склеенных между собой по принципу папье-маше. Этот упор очень быстро «приформовывается», разнашивается, приобретая форму пальцев танцовщицы, и туфелька становится как бы продолжением ноги.
Иногда за один спектакль балерина может сменить несколько пар пуантов (ломаются стельки), все зависит от интенсивности танца. В месяц приме-балерине требуется не менее 30 пар. Впечатляет тот факт, что знаменитая Ольга Спесивцева, блиставшая в Мариинском театре еще до революции, «станцовывала» за сезон более 2 тысяч пар на репетициях и спектаклях.

Верх пуантов шьется из атласа и бязи телесного цвета, дабы создать иллюзию единства ноги и обуви. Атлас нежного персикового цвета не бликует под софитами, идеально выполняя свои функции. Бязь, как самая гигиеничная ткань, позволяет сохранять здоровье ног, предупреждая образование грибка. Это очень важно, т.к. ноги балерины после спектакля или интенсивных занятий становятся абсолютно мокрыми.
Подошва изготавливается из натуральной кожи. Жесткость же пуантов регулируют стельки различного типа: для классической техники и для переката на стопе. Выпускают пуанты нескольких моделей со стельками разной жесткости: мягкие (S), средние (М) и жесткие (Н), а также супермягкие (SS) и супержесткие (SH).
Ну и конечно, неотъемлемая часть пуантов – романтичные ленты-завязки, которые по традиции пришивает сама балерина.
Трудно поверить, но для изготовления одного пуанта требуется около 54 деталей и более 100 операций. Конструкция настолько совершенна, что хороший пуант, надетый на колодку, самостоятельно стоит на носке («пятачке»).

Внешне безобидные туфельки по признаниям балерин являются настоящим пыточным инструментом. Несмотря на то, что для изготовления современных пуантов используется специальный клей, позволяющий «коробочке» быстро принимать форму стопы, мозоли и стертые в кровь ноги – обычное явление.

Начинающие балерины встают на пуанты с 10-11 лет. Не без оснований считается, что более ранняя постановка на пуанты крайне небезопасна для детского скелета.
Чтобы начать танцевать простейшие па «на пальцах» приходится осваивать пуанты несколько месяцев и даже годы. За несколько лет общения с такой узкой и жесткой обувью стопа неизбежно деформируется, например, из греческого типа в римский.
Считается, что у солистки за месяц уходит около 25 пар пуантов, при этом, пуанты часто шьются на конкретную балерину, а капризничать и отказаться одевать на спектакль неугодную пару могут себе позволить и не только танцовщицы, исполняющие первые партии. Для разных по динамике партий используются разные пуанты, а производители утверждают, что учитывают при выполнении заказа даже то, в каком климате будут использоваться пуанты (в зависимости от влажности).
Рассказывают, что советские пуанты были настолько жесткими, что их перед использованием зажимали дверью, чтобы хоть немного размягчить основу.

Рассказывают, что в гримерных оперного после вечерних балетов остается много окровавленных бинтов и клочьев ваты. Рассказывают, что наши придумали особый "тихий узел", из-за которого российские балерины почти бесшумны, тогда как миланские танцовщицы грохочут как рота солдат.
Про этот самый "тихий узел" говорят представители ООО "Гришко" - одного из самых громких производителей пуантов в России, они же говорят, что уменьшили количество деталей пуантов до 50 и разработали особый клей, тайну которого держат в секрете, но говорят, что клей состоит из пищевых компонентов.Две самые известные фирмы, производящие пуанты – российская «Grishko» и американская «Gaynor Minden».
«Гришко» до сих пор изготавливаются на 80-90 % вручную и только из натуральных материалов.
В «Gaynor Minden» используется специальный пластик, делающий танцевальную обувь удобной и долговечной. Но, как оказалось, при всем удобстве американских пуантов они слишком широки, что постепенно приводит к неправильному формированию суставов пальцев и стопа в них не работает должным образом, отсутствует развитие подъема и силы стопы столь важные для балерины. Именно в этих моделях у многих танцовщиц происходит почернение ногтевой пластины и повреждения пальцев ног, стопы и ахиллова сухожилия.Российские пуанты считаются самыми-самыми во всем балетном мире. Во времена Советского Союза, отправляясь за границу на гастроли, артисты десятками вывозили их на продажу, наряду с икрой и водкой.
Сегодня пуанты «Гришко» по оценкам специалистов остаются вне конкуренции. Клей варится только из натуральных компонентов, ткани – натуральный атлас и бязь, подошва вырубается из натуральной кожи. Существует шутка, что пуанты от «Гришко» можно съесть без особого вреда для здоровья. Мастера, как и прежде, собирают туфельки на собственных коленях, чтобы лучше чувствовать ткань и колодку.

Пуант до сих пор состоит из 54 деталей. Но когда танцовщица покупает пуанты, начинается вечное, неизменное таинство - она доделывает их под себя:
- долго мнёт и лупит об стену, смягчая;
- стучит по подошве, а то и подрезает;
- вручную пришивает ленты;
- отрезает часть атласа на носке (иногда просто надрезают ножом, если не успевают), обшивает кромку под удобным углом, чтобы было устойчивее.
И это ещё не всё - в новых пуантах нельзя танцевать, их нужно "разносить", размять по ноге. И при всём при этом - ваши ноги будут разбиты в кровь, как у андерсоновской Русалочки.
Сейчас существует множество различных вкладышей в пуанты, они помогут во многом, но не защитят полностью.
За один спектакль солистка снашивает (снашивает, это делает больше непригодными) 3-6 пар, а за месяц в среднем 25 пар. Зависит от роли, покрытия пола, её ног и стиля (как с простой обувью - кто быстрее снашивает, кто медленнее)Нежно-персиковые туфельки за свою историю видели самые красивые стопы и самые стройные ножки, и конечно, самый восхитительный в мире танец.

© fashiony.ru, livejournal.com, elementdance.ru, youtube.com

Очаровывающая взгляд грация, великолепная пантомима, будоражащая до глубины души музыка - именно такие ощущения возникают при посещения балета. Балерины порхают словно бабочки, едва касаясь сцены.Каждое движение кажется легким и воздушным, а от изящных костюмов танцоров и вовсе не отвести глазИстория балета, а вместе с ним история балетного костюма насчитывают не одно столетие, и совсем немногим известно, что когда-то балерины исполняли свои партии затянувшись в корсеты на китовом усе, который мешал дышать, надевали тяжеленные кринолины из атласа, бархата и парчи таких объемов, что даже ходить в них было трудно, не то что порхать на сцене. Если добавить к этому обувь, которая была весьма далека от современных пуантов, то картина будет полной. В те времена, когда царствовал менуэт, костюмы шились из тяжелых дорогих тканей, которые также расшивались драгоценными камнями и золотыми или серебряными нитями, которые больше походили на тонкую проволоку. Представьте, что вам предложили вместо привычных современных нарядов облачиться в какую-нибудь робу с фижмами времен Петра I, если и рискнете надеть, то танцевать скорее всего нет.

-Сцена из балета "Спящая красавица" в исполнении артистов Мариинского театра. -
-1890

Когда на сцене главенствовали медленные менуэты, костюмы были длинными, тяжелыми, расшитыми драгоценными камнями, со множеством юбок и подъюбников. Спасибо Мари Камарго за то, что с ее легкой руки профессиональной танцовщицы, традиционная классическая тяжеловесность стала постепенно исчезать из балетных костюмов.
Она решилась на потрясающе смелый для того времени (1726г) эксперимент, укротив юбку до щиколоток и начав выступать не на каблуках, а в специальных тапочках, а также начав впоследствии использовать приталенные юбки, которые развились в современные пачки. Это вызвало страшный скандал, но подняло популярность Мари до небес.

-Мари-Анн де Кюпи де Камарго

Вместе с техникой танца, должен был меняться и костюм, поэтому то, что мы привыкли видеть на сцене сегодня, можно назвать результатом эволюции балета. Впрочем, только пачкой, наряды современных балерин не ограничиваются. Ведь балеты также отличаются друг от друга, как кинофильмы.

-Мария Тальони

Впервые в балетной пачке перед зрителями предстала Мария Тальони 12 марта 1839 года. В этот день была премьера «Сильфиды», в которой балерина исполняла главную партию сказочной феи. Для такой роли потребовался соответствующий наряд. Его придумал для дочери Филиппо Тальони. По одной из версий, толчком к созданию ставшей впоследствии классической балетной одежды стала нескладная фигура Марии. Чтобы скрыть недостатки, Тальони придумал такое платье, которое придавало всему облику героини воздушность и грациозность. Создавалось платье по эскизам Эжена Лами. Тогда юбку шили из фатина. Струящаяся по воздуху легкая туника, напоминающая форму цветка, помогла балерине выполнять сложную технику движений и излучать сказочный неземной свет.
Правда, в те времена балетная пачка была вовсе не такой короткой, как сейчас. Очередное «превращение» пачки случилось несколько позже. Но даже такое скромное одеяние балетный мир поначалу воспринял в штыки. Особенно не по вкусу пачка пришлась балеринам с не очень красивыми ногами. Но восторга зрителей и искусствоведов, восхищавшихся воздушностью танцовщиц, не было предела.
Не последнюю роль в этом сыграла пачка. Так этот костюм прижился, а потом стал классикой.Костюм в балете – вторая оболочка танцовщика, нечто неотделимое от его существа, видимый элемент его театрального образа, который должен цельно сливаться с ним. Костюм – это главное средство для обогащения выразительности мимики, жеста, и конечно же прежде всего движения, пластики артиста, это средство сделать всю фигуру исполнителя более понятной и звучащей сообразно творимому им балетному образу.

Хотя с начала XX века балетная пачка приобрела ту форму и вид, которые мы знаем и поныне, экспериментировали с ней всегда. В постановках, например Мариуса Петипа, балерина могла переодеваться в костюмы разных стилей. В одних сценах она появлялась в обычном «штатском» платье, а для сольных партий надевала пачку, чтобы продемонстрировать все свои умения и талант. Анна Павлова выступала в длинной и широкой юбке. В 30-40-х годах на сцену вернулась балетная пачка времен XIX века. Только называлась она теперь по-другому – «шопенка». А все потому, что так одел танцовщиц Михаил Фокин в своей «Шопениане». Другие постановщики в это же время использовали короткую и пышную пачку. А с 60-х годов она превратилась просто в плоский круг. Чем только ни украшают пачку: стразами, стеклярусом, перьями, драгоценными камнями.Классическая пачка многослойна, при ее изготовлении используется 10-15 слоев материала и жесткий обруч. Сначала дизайнеры создают эскиз. Конечно, учитываются особенности фигуры каждой балерины, а потому и эскиз платья для каждой танцовщицы свой. От роста балерины зависит ширина пачки. В среднем ее радиус – 48 см. Далее к делу приступают швеи. Это кропотливый труд, ведь мастерицам нужно закладывать складки ткани определенным образом. На одну пачку уходит больше 11 метров фатина. Изготовление одной пачки занимает около двух недель. При всем многообразии моделей, есть строгие правила пошива. Например, на пачки никогда не пришивают ни молнии, ни пуговицы, которые могут оторваться во время выступления. В качестве застежек используют только крючки, но в строгой последовательности, а точнее, в шахматном порядке. А иногда, если постановка особо сложная, пачки зашивают вручную на танцовщице перед выходом на сцену.А после изготовления, требуется еще и тщательный уход, чтобы юбка топорщилась в разные стороны и сохранила свой великолепный вид, ее хранят в подвешенном состоянии.У пачки есть много названий. Так что, если вы услышите где-нибудь слова «тюника» или «tutu», знайте: они обозначают все ту же пачку. Разберемся теперь, какие бывают разновидности пачек.
Классическая пачка представляет собой юбку в виде блина. Кстати, солистки принимают непосредственное участие в создании своего костюма. Они могут выбрать форму пачки, которые могут быть параллельны полу или с чуть опущенной юбкой.«Шопенку», длинную юбку, тоже шью из фатина. Такая форма юбки очень хороша для создания мифических персонажей или неживых существ. Плюс такого наряда в том, что он скрывает недостаточно подтянутые колени и прочие недостатки, зато привлекает внимание к стопам.
При изготовлении шопенки, используется несколько слоев фатина. В обруче юбка не нуждается, так как за счет множества слоев и жесткости материала она приобретает пышную форму.Еще один вид платья, которое не выходит из балетного обихода, – хитон. Его юбка однослойная, шьют ее чаще из шифона. В таком платье исполняется роль Джульетты.Для репетиций балетных постановок пачки шьют отдельно. Их проще надевать и снимать, чем те, в которых балерины выходят на сцену. Так, все части сценического костюма могут быть сшиты между собой, тогда как для репетиций лиф не нужен, а используют только юбку с трусиками. К тому же у репетиционных пачек не делают так много слоев. Пачка на репетиции просто необходима. Ведь танцовщики должны сразу видеть, где пачка будет мешать, где она может задраться или ее может задеть партнер. А постановщик сможет формировать рисунок танца.

© 7iskusstv.com, fashiony.ru, crealicum.ru, probalet.info, 4dancing.ru, youtube.com

Дианы грудь, ланиты Флоры
Прелестны, милые друзья,
Но, каюсь, ножка Терпсихоры
Прелестней чем-то для меня;
Она, пророчествуя взгляду
Неоцененную награду,
Влечет условною красой
Желаний своевольный рой...

© Пушкин

.

Обнаружила тему)
Балет обожаю. Итак))
Балет я любила всегда, равно, как и обожала бальные танцы, коими, к великому сожалению, никогда не занималась, но всегда хотела.
Я покорена была "Щелкунчиком" сразу и окончательно.
Мне кажется, что тогда я даже не знала, что это был Чайковский..... но эта музыка, да и всё, что происходило на сцене, повергало меня в офигенный эстетический шок, как в раннем детстве, так и по сей день.
Последний раз я ходила на "Щелкунчика" в постановке шведского режиссёра, но труппа была местная. И я, и моя дочь (которая, кстати, сказать, была на балете впервые в свои 8 лет! возможно я затянула с этим вопросом, хотя я так не считаю ;)))) пришли в полный восторг. За четверть века, которые мне пришлось наблюдать многочисленные изменения в постановке и художественных решениях, мне ещё ни разу не пришлось сожалеть о зря потраченном времени. А в современной интерпретации, этот балет вообще приобрёл море новых эмоций и заиграл ещё более сочными красками. И даже компьютерные технологии, использованные в декорациях, и для передачи волшебных моментов сюжета, столь органично вплелись в само действо, что я влюбилась в этот балет в очередной раз ещё раз.
Уж не знаю почему, но никакой другой балет на меня подобного впечатления пока не производил. Хотя просмотрен мною был весь репертуар нашего театра, да и не только.

Любимое адажио >>>

Мария Александрова

Большой театр одарил вниманием балерину Марию Александрову с первой встречи. Завоеванная в 1997 году первая премия в Международном конкурсе артистов балета в Москве стала билетом для тогда еще студентки МГАХ в главную труппу страны. В первом же сезоне работы в Большом, без долгого томления, балерина еще в ранге артистки кордебалета получила первую сольную партию. И репертуар рос и расширялся. Интересный факт: в 2010 году балерина стала первой женщиной в истории балета, исполнившей заглавную партию в «Петрушке» И. Стравинского. Сегодня Мария Александрова – прима-балерина Большого.

Светлана Захарова

Поворотным моментом в судьбе начинающей балерины Светланы Захаровой стало получение второго приза в конкурсе молодых танцовщиков Vaganova-Prix и последовавшее предложение стать студенткой выпускного курса Академии русского балета им. Вагановой. И Мариинский театр стал реальностью в судьбе балерины. Окончив академию, балерина поступила в труппу Мариинского театра, отработав сезон, получила предложение стать солисткой. История взаимоотношений с Большим для Захаровой началась в 2003-м с сольной партии в «Жизели» (редакция В. Васильева). В 2009 году Захарова удивила зрителей премьерой необычного балета Э. Пальмьери «Захарова. Суперигра». Большой не планировал, но Захарова организовала, а театр поддержал эксперимент. К слову, подобный опыт постановки в Большом балета для единственной балерины уже был, но лишь однажды: в 1967 году Майя Плисецкая блистала в «Кармен-сюите». Что сказать, кружится голова и точно появляется зависть у делающих первые шаги в балете от репертуара Захаровой. На сегодняшний день в ее послужном списке все сольные партии главных балетов – «Жизель», «Лебединое озеро», «Баядерка», «Кармен-сюита», «Бриллианты»…

Ульяна Лопаткина

Началом балетной карьеры Ульяны Лопаткиной стала партия Одетты в «Лебедином озере», конечно, в Мариинском театре. Исполнение было настолько искусным, что вскоре балерина получила премию «Золотой софит» за лучший дебют на петербуржской сцене. С 1995 года Лопаткина – прима-балерина Мариинки. В репертуаре снова знакомые названия – «Жизель», «Корсар», «Баядерка», «Спящая красавица», «Раймонда», «Бриллианты» и т. д. Но география не ограничивается работой на одной сцене. Лопаткиной покорились главные сцены мира: от Большого театра до NHK в Токио. В конце мая на сцене Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Лопаткина выступит в сотрудничестве со «Звездами русского балета» в честь юбилея Чайковского.

Диана Вишнева

В конце марта имя Дианы Вишневой, с 1996 года примы-балерины Мариинки, было на устах у каждого. В Большом состоялась премьера спектакля «Грани», номинанта премии «Золотая маска». Событие яркое, обсуждаемое. Балерина давала интервью, отшучивалась в ответ на вопросы о близком знакомстве с Абрамовичем и указывала на сопровождающего ее повсюду мужа. Но спектакль завершился, и был взят курс на Лондон, где 10 апреля Вишнева и Водянова провели благотворительный вечер фонда «Обнаженные сердца». Вишнева активно выступает на лучших сценах Европы, не отказывается от экспериментальных, неожиданных предложений.

Екатерина Шипулина

Упоминали выше о «Бриллиантах» Баланчина. Екатерина Шипулина же, выпускница МГАХ, блистает в «Изумрудах» и «Рубинах». И не только, конечно. В репертуаре балерины ведущие партии в таких балетах, как «Лебединое озеро», «Собор Парижской Богоматери», «Утраченные иллюзии», «Золушка», «Жизель», и сотрудничество с лучшими хореографами – Григоровичем, Эйфманом, Ратманским, Ноймайером, Роланом Пети…

Евгения Образцова

Евгения Образцова, выпускница Академии русского балета им. Вагановой, стала примой-балериной сначала Мариинки, где исполняла Сильфиду, Жизель, Баядерку, принцессу Аврору, Флору, Золушку, Ундину… В 2005 году балерина получила кинематографический опыт, сыграв в фильме Седрика Клапиша «Красотки». В 2012-м перешла в труппу Большого, где в статусе примы-балерины исполнила сольные партии в спектаклях «Дон Кихот», «Спящая красавица», «Сильфида», «Жизель», «Евгений Онегин», «Изумруды».

Полина Симеонова

Королева пуантов – именно так балерину Полину Семионову называют критики. История девушки, которая в 17 лет сумела стать примой европейской труппы, похожа на сказку. Но за успехом Семионовой стоит не какая-то магия или добрая фея-крестная, а невероятный труд, годы усиленной работы и, конечно, огромная любовь к балету. Сегодня в репертуаре этой невероятной балерины – практически весь золотой фонд хореографии – как классической, так и современной. А список новых партий регулярно пополняется.

Орели Дюпон

Легендарную французскую балерину в мае проводили «на пенсию», но мы не могли не упомянуть о ней в нашей подборке. Балерине исполнилось 42 года, но она по-прежнему очень хороша. Орели поступила в труппу Гранд Опера еще при Рудольфе Нурееве, в 16 лет, и продержалась в ней дольше всех балерин своего поколения. Поворотным моментом в ее карьера стала работа с легендарным немецким хореографом Пиноу Бауш, которая сказала ей: «Я выбрала тебя за твою слабость, а не за твою силу. В ней твоя красота». В дальнейшем именно на этой прекрасной слабости и делала акценты Орели.

Екатерина Кондаурова

Прима Мариинского театра. Балерина с характером, за что ее даже сравнивали с Майей Плисецкой. Екатерина будто создана для танца яркого, страстного, драматического. Невероятно гибкая и грациозная балерина. Часто исполняет работы современных хореографов. Так же как и Светлана Захарова, является обладательницей балетного «Оскара».

Алина Кожокару

Прима-балерина Королевского балета Великобритании. Родилась в Бухаресте, обучалась балету в Киеве. После победы в международном балетном конкурсе получила стипендию на обучение в школе Королевского балета, и позже стала его солисткой. Очень любит исполнять партию из «Жизели». Одна из интересных ролей — в балете «Евгений Онегин», где она исполняет роли и Татьяны, и Ольги.

Алина Сомова

Молодая прима Мариинки. В 18 лет танцевала партию Одетты-Одиллии на сцене Венской оперы. Через 6 лет - танцевала в этой же роли на сцене «Ла скала». Очень техничная, быстрая, гибкая балерина, в основном посвящает себя классическому балету.

Сергей Полунин

Премьер Московского музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко с 2012 года, приглашённый солист Баварского балета (Мюнхен) с 2016 года и постоянный приглашённый солист Новосибирского государственного академического театра оперы и балета с 2012 года. Премьер Королевского балета в Лондоне (2007-2012, в сезоне 2012-2013 года - приглашённый солист).

Иван Васильев

Премьер Михайловского театра. Заслуженный артист России (2014). С сентября 2012 года - также постоянный приглашённый премьер Американского театра балета. В 2014 году участвовал в картине «Первый бал Наташи Ростовой» на церемонии открытия Олимпиады в Сочи (хореограф-постановщик Раду Поклитару) и в проекте «Соло для двоих» c Натальей Осиповой, где впервые танцевал в постановках Сиди Ларби Шеркауи, Охада Наарина и Артура Пита. В 2015 году принял участие в обновленном проекте «Соло для двоих» и дебютировал как балетмейстер - на сцене Концертного зала «Барвиха Luxury Village» прошла премьера «Балета № 1» в его постановке.

Леонид Сарафанов

Премьер Мариинского театра в 2002-2010 годах, затем премьер Михайловского театра. Лауреат театральных премий «Бенуа танца» (2006), «Золотая маска» (2011), «Золотой софит» (2013). Супруг балерины Олеси Новиковой. Леонид Сарафанов родился в Киеве в 1982 году в семье танцовщиков Национального заслуженного академического ансамбля танца Украины имени Павла Вирского. Учился в Киевском хореографическом училище (педагоги - В. Парсегов, В. Денисенко), которое закончил в 2000 году. После окончания училища был принят в балетную труппу Национальной оперы Украины. В 2002 году Леонид переехал в Санкт-Петербург по приглашению Махара Вазиева, заведующего балетной труппой Мариинского театра. С 2002 по 2010 год Сарафанов был премьером Мариинского театра. В 2010 году перешел в труппу Михайловского театра, также на позицию премьера.

Дэвид Холберг

Премьер Американского театра балета и Большого театра. Первый в истории Большого театра американец, ставший премьером этой труппы. В 2008 и 2009 годы принимал участие в проекте «Короли танца» вместе с лучшими танцовщиками мира - Хоакином де Луцем, Хосе Мануэлем Карреньо, Марсело Гомесом, Гийомом Котэ, Дмитрием Гудановым, Николаем Цискаридзе, Денисом Матвиенко, Иваном Васильевым, Леонидом Сарафановым. В 2010 и 2011 году участвовал в Международном фестивале балета «Мариинский». Холберг был одним из авторов популярного блога о танце thewinger.com, получившего в 2009 году награду The Webby Awards. Также он учредил стипендию для молодых танцовщиков, обучающихся в школе Жаклин Кеннеди Онассис Американского театра балета.

Артем Овчаренко

Премьер Большого театра. С 2018 года - приглашённый солист Гамбургского балета. Репертуар Артема Овчаренко охватывает большинство романтических партий балетной классики, таких как Ромео, Джеймс, принц Щелкунчик, принц Дезире и принц Зигфрид, а также ведущие партии в неоклассических постановках, включая «Аполлона мусагета» и «Бриллианты» Дж. Баланчина, «Онегина» Дж. Кранко и «Даму с камелиями» Дж. Ноймайера. С успехом танцует и в современных балетах на сцене Большого театра - например, в «Хроме» У. Макгрегора, «Укрощении строптивой» Ж.-К. Майо (фр.)русск., «Нурееве» Ю. Посохова и др. В 2015 году исполнил заглавную роль в докудраме «Рудольф Нуреев – танец к свободе» производства компании BBC Two. Фильм номинирован на премию Британской академии кино и телевизионных искусств BAFTA.

Рудольф Нуриев

Советский, британский и французский артист балета и балетмейстер, солист Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова. В 1961 году после окончания гастролей труппы в Париже попросил политического убежища, став одним из самых известных «невозвращенцев» в СССР.
Известен дуэтом с английской балериной Марго Фонтейн, длившимся 17 лет. Руководил балетной труппой Парижской оперы в 1983-1989 годах, в конце жизни пробовал себя как дирижёр. Также был коллекционером живописи и предметов искусства, покупал недвижимость в разных частях света.

Джеймс Уайтсайд

Джеймс родом из Коннектикута, с девяти лет начал учиться балету в D’Valda & Sirico Dance and Music Centre, затем год стажировался в школе искусств Virginia School of the Arts, и только потом - в Бостонском балете. Кроме балета Джеймс изучал джазовое искусство, но в конечном результате остановился на танце, хотя его музыкальная карьера процветает – Джеймс широко известен в музыкальной среде под псевдонимом JbDubs.

Михаил Барышников

Советский и американский артист балета, балетмейстер, актёр, коллекционер и фотограф, «невозвращенец» в СССР, оставшийся в Канаде во время гастролей в 1974 году. Заслуженный артист РСФСР (29 ноября 1973 года), номинирован на премии «Оскар» (1978) и «Золотой глобус». В 2015 году он вернулся на родину, откликнувшись на предложение латвийского режиссёра Алвиса Херманиса поставить моноспектакль по поэзии Бродского, который стал сенсацией театрального сезона далеко за пределами Латвии.

Фарух Рузиматов

Премьер ведущий солист балета Мариинского театра в 1986-2007 годах. Заслуженный артист Таджикской ССР (1988); Лауреат премии «Золотая маска» (1998), Народный артист России (2000). Художественный руководитель балета Большого театра Узбекистана. С 2007 по 2009 год - художественный руководитель балета Михайловского театра. За время работы Рузиматова в этой должности труппа подготовила семь новых постановок, выступила в Лондоне, Венеции, Токио и других городах Японии; была номинирована на высшую британскую премию в области танцевального искусства - National Dance Awards. C 2009 года возобновил танцевальную карьеру, подготовив собственную программу, к которой привлёк артистов Мариинского, Большого и Михайловского театров. В 2014 - 2015 гг. возглавлял балетную труппу Ростовского государственного музыкального театра. С 2018 года - художественный руководитель балета Большого театра Узбекистана.

Бенжамен Мильпье

Франко-американский танцовщик, и хореограф, солист труппы «Нью-Йорк Сити балле» в 1998-2011 годах, с октября 2014 года - руководитель балетной труппы Парижской оперы, ушёл в отставку в 2016 году ; супруг актрисы Натали Портман. В 1995 году был принят в труппу «Нью-Йорк Сити балле», в 1998 году получил статус солиста, в 2002-м стал премьером этой труппы. Танцевал в постановках Джерома Роббинса, Джорджа Баланчина, Питера Мартинса[en]. Также участвовал в оригинальных постановках Джерома Роббинса («Брандербург[en]», 1997; «Свадебка[en]», 1998), Кристофера Уилдона («Славянские танцы», 1997), Анжелена Прельжокажа (La Stravaganza, 1997), Питера Мартинса, Хельги Томассена[en] («Призма», 2000), Бориса Эйфмана («Мусагет», 2004), и других хореографов. Участвовал в съёмках мультипликационных фильмов «Барби в Щелкунчике[en]» (2001) и «Барби в Лебедином озере[en]» (2003), где вместе с другими артистами NYCB став прототипом для движений танцующих персонажей. В октябре 2011 года объявил о завершении своей сценической карьеры.

Не далее, как в прошедшую пятницу, меня пригласили на открытие 150-го театрального сезона. Балет-фарс "Дон Жуан" я ещё не видела, а потому согласилась моментально и с радостью.



Теперь я видела всё.(с)
Если Дьявол, сверкающий своими оголёнными ягодицами удивил, но не шокировал меня.
Но всё остальное, даже моему креативному восприятию мира, показалось излишне переполненным эротичной физиологией, хотя, надо отметить, что пошлым ничего не выглядело.
Безупречные провокационные костюмы и декорации.
Изобретательные находки с огромными зеркалами на сцене привели меня в восторг. Живая скрипка, тенью сопровождавшая Сатану, где бы он не появлялся, приковывала не только взгляд, но и слух.
Но сам сюжет был скучен.
Не помогли и откровенные оснащения всей труппы.
Да , несомненно интерпретация наследия великого композитора XVIII века Кристофа Глюка , удалась и смотрелась утончённо и изысканно.

Процитирую, что об этом говорят СМИ:
"Мировая премьера постановки состоялась в Берлине в 2014 году и была посвящена 300-летнему юбилею со дня рождения Глюка. Современный хореограф Джорджо Мадиа обращается к идее трагикомедии, объединяя трагическое и комическое в фарсе, где нет правил и рамок, как нет их и в жизни самого Дон Жуана.
Экспрессивность и визуальная лёгкость замысла постановки прекрасно переданы молодой и талантливой труппой театра.
Отдельного внимания заслуживает эротическая утончённость действа, в которой сексуальность не переходит пошлостью,
а изысканно и совершенно естественно вписывается в происходящее на сцене. Балет-фарс «Дон Жуан» представляет собой скорее интердисциплинарное произведение, нежели просто танцевальную постановку. Цветовая гамма декораций, костюмов и света проработана столь искусно, что всё оформление спектакля достойно высочайшей оценки, поднимающей его на высоту подлинного искусства. Декорации и костюмы предлагают современное прочтение ключевых визуальных символов эпохи барокко, что прекрасно сочетается с хореографией, в которой блистательно сплавлены элементы классического балета и танца модерн.
Для многих балет представляется высоким, утончённым, даже элитарным видом искусства. Всё это есть и в постановке театра «Ванемуйне», но этим она не ограничивается. Лёгкость, увлекательность и игривость балета «Дон Жуан» превращают его в спектакль, доставляющий истинное театральное наслаждение.
С одной стороны, это глубокое и высокопрофессиональное произведение, созданное на основе музыкальной классики, с другой – представление для публики, которое должно быть ей понятно и приятно. Безусловно, это очень сложная задача: от авторов требуется не затушевать замысел, сохранить саму суть шедевра, и при этом привнести в него не глупость или бездумную наивность, а живость и актуальность. Со всеми этими задачами создатели и исполнители балета справляются прекрасно. Важно, что тема секса и эротики присутствует в балете естественно и при этом представлена утончённо, что бывает очень редко в наше время, когда эти темы или табуированы, или напрочь лишены всякой эстетики."

О потраченном времени не жалею нисколько.
Эстетическое наслаждение получила вместе с удивлением, что лишь усиливает эффект полученных впечатлений.
>>>

В этом году весь балетный мир отмечает 110-летие со дня рождения символа русского балета, легендарной русской балерины Галины Сергеевны Улановой.
Алексей Толстой назвал Уланову "обыкновенной богиней". И эта фраза стала крылатой. Ее потом называть так красиво будут часто. Обыкновенная богиня! Может быть потому, что в этом определении выразилась суть ее искусства: какая-то удивительная изысканность, гармония во всем, высочайшая одухотворенность ее существования на сцене и при этом удивительная непосредственность, которая дана лишь гениям.
Сама о себе, в конце своей жизни, в те годы, когда она остро будет переживать свое одиночество, скажет так:
«Мне с самой собой трудно. Ну что значит великая? Это что-то огромное, какой-то памятник. Сделали мне шлейф. Так с этим шлейфом и хожу. Друзей у меня нет, вечерами я совсем одна. Человек я замкнутый, необщительный. Может я и хотела, чтобы у меня была семья, дети, дом, чтобы я умела хорошо готовить и я попыталась это сделать, после того как закончила танцевать, но ничего из этого не вышло».
В этих скупых фразах можно почувствовать какой-то постоянно присутствующий в ее жизни второй план: что-то сокровенное, что всегда было в ее личности, о чем и писали во множестве монографий, о чем пытались показать в документальных фильмах - пытались заглянуть в мир абсолютно великой Улановой.
«Жизель» - совершенно особенный спектакль в творчестве Галины Улановой. Впервые она станцевала главную партию в 1932 году и даже трудно представить, что сначала эта роль ей не давалась никак. Галина Сергеевна искала образ мучительно, репетировала долго, всегда доверяя своей собственной интуиции. Однажды, после репетиции она поедет в Царское село и будет долго, до заката, гулять там в одиночестве размышляя о своей героине. А потом случится так: она, погрузившись в образ, сядет на скамейку, как Жизель, и начнет обрывать лепестки у ромашки также, как ее будущая героиня. А прохожие будут останавливаться и будут с недоумением наблюдать рождение образа. И когда вдруг молодая артистка придет в себя и увидит их всех и от смущения не будет знать куда бежать, где прятаться - раздадутся аплодисменты. Но, как ни странно, именно этот случай откроет ей подход к роли. Ту естественность и спонтанность, которой будет отмечена ее гениальное создание. Уланова полюбила свою Жизель. Этот спектакль, за исключением некоторых небольших перерывов, она танцевала на протяжении всей своей творческой жизни... «Не помню ни одного своего спектакля, где бы у меня все получилось. По-моему, так вообще не бывает» - будет вспоминать Галина Сергеевна.
Закончив танцевать Галина Уланова становится репетитором и целая плеяда балерин проходит через ее класс: Екатерина Максимова, Нина Тимофеева, Людмила Семеняка, Надежда Грачева - это балерины разных поколений. Галина Сергеевна будет входить в репетиционный зал всегда неизменно элегантная, ее вес никогда не превысит 45 килограмм - такой она была и на сцене и такой она осталась навсегда в жизни. Узнаваемость и почитание Улановой во всем мире будут беспрецедентными. В Ленинграде и Стокгольме при жизни поставят Улановой памятники. Она будет смущаться, говорить, что это не мне, это балету, но все равно ее слава и признание ее великих заслуг будут опережать ее. Она навсегда останется великой. Ее образ и ее имя стали символом возвышенной красоты, что еще встретится очень и очень не скоро. Именно ради этой красоты зрители и приходят на балет.

Ольга Орлова работает в театре оперы и балета и ведет инстаграм о том, как живется балеринам.
А также отвечает на вопросы пользователей: требует ли эта профессия отказа от материнства, какая у артистов зарплата и когда они выходят на пенсию.

Я артист балета. Да, это прям профессия, прям настоящая. Да, и зарплату я получаю. И трудовая книжка есть. Да, именно на это я специально училась 8 лет. Да, я сажусь на шпагат. Нет, я не буду этого делать в джинсах на улице. И нет, я не буду вставать на носочки в босоножках по вашей просьбе.
Я часто встречаю 2 крайние точки зрения на свою работу. Первая: «Это ненастоящая работа, вы там просто скачете». Вторая: «Это адская профессия, а все артисты балета — мазохисты». Правда, как всегда, посередине. Чтобы «просто скакать», мы годами ежедневно тренируемся. И да, бывают травмы, бывают натертые-намятые пальцы. Но это не значит, что мы терпим боль 24/7. Как и в любой другой профессии, у нас есть легкие и тяжелые дни. Если бы боль и усталость перекрывали все остальное, то в балете остались бы единицы. Мне нравится моя работа, я не хожу на нее как на каторгу. А ведь многие люди ходят на работу именно с таким чувством.
Чтобы стать артистом балета, нужно поступить в хореографическое училище, колледж или академию. Там преподают и общеобразовательные, и специальные дисциплины. Вроде военного училища, только на ночь домой отпускают. Это я, конечно, шучу, но переодеться мы тоже можем со скоростью горения спички. Учиться начинают после начальной школы, в 10–11 лет. Опоздали? Все, шансов у взрослых нет.
Отбор в хореографическое училище зависит от его известности и статуса. В академиях Москвы и Питера огромный конкурс, туда принимают только идеально подходящих учеников, и многих потом отчисляют. В провинции конкурс меньше, где-то просто достаточно быть не совсем деревянным. У детей проверяют гибкость спины, «мягкость» ног, выворотность и подъем стопы, пропорции тела (чтобы тело не было длиннее ног), музыкальность, координацию и т. д. Есть и медкомиссия.
Балерины не отказываются от материнства. Рожают, как и все, но обычно полный декрет дома не сидят: тяжело восстанавливаться после такого перерыва. Семьи внутри трупп не редкость, но если зарождается роман между членами разных трупп, то это сложно. Как правило, кто-то к кому-то переходит.
Пенсия полагается после 20 лет стажа, а дальше — на сколько здоровья хватит. Есть ведь танцы попроще, не в пуантах, а так называемые «ходячие» роли. Это массовка, дамы, матери, короли и королевы, герцоги и герцогини и т. д. Если театр готов вас держать только из-за них, то проработать можно долго.
Если выпуститься из училища в 18 лет, устроиться в театр и все 20 лет работать официально по трудовой, то в 38 у вас будет пенсия и время на покорение новых профессий. Много кто преподает, кто-то получает заочно второе образование, никак не связанное с балетом. Среди моих знакомых есть юрист и журналист.
Стандартный график работы в театре — с 10 до 14 часов и с 17 до 21 (в разных театрах часы могут отличаться). Но полностью заняты эти часы редко, обычно чередуются репетиции солистов и кордебалета. Если сезон еще не начался и спектаклей нет, вечером не вызывают. Иногда бывает, что ходишь на работу на пару часов, а иногда вообще из театра не вылезаешь, зависит от репертуара. Мой рекорд — 13 часов. Зарплата в течение года сильно меняется, так как складывается из ставки (обычно небольшой) и надбавок за спектакли.

Мне многие присылали ужасные фотографии стоп и ногтей балерины. Такое наверняка бывает, но это крайние случаи. Даже в разгар гастролей, когда ноги стерты и болят, они все-таки не такие жуткие. На фото мои ноги в разгар работы и в обычном состоянии. Ноги как ноги, ни воспалений, ни мозолей.
Стоять на носочках балеринам помогают пуанты. Это обувь с жестким стаканом и жесткой стелькой, которые поддерживают стопу и распределяют нагрузку. Нельзя просто купить пуанты, надеть и начать работать. Как минимум нужно пришить ленточки и резинки, а еще их нужно разносить. У меня 40-й размер ноги, поэтому обычно пуанты мне малы. Приходится распарывать на них пятку и расшивать (расширять).
Готовятся к спектаклю обычно так. Большинство артистов приходит за час до спектакля, если занят в первом акте, и за 15 минут, если во втором (этого требует устав). Мы красимся, делаем прическу, надеваем костюм, а потом «греемся» (разминаемся). Обычно все «греют» стопы, потому что оставлять ноги «холодными» чревато травмами. Если номер новый, повторяем порядок движений. А дальше — музыка, софиты, выход.
Есть балетные труппы без своего театра, они живут гастролями. Я работала в московской труппе, ездила с ней по миру. На гастролях вы можете танцевать много дней подряд, по 2 спектакля в день, плюс переезды. Но обычно это происходит в другой стране и оплачивается в валюте.
В театре так не напрягают, но выступать вы будете в основном у себя в городе, а зарплату получать в рублях. Хотя и в театрах бывает горячая пора, когда спектаклей много или новая постановка. Еще один плюс театра — это интересные и разнообразные постановки. На гастроли в основном с одним и тем же ездишь.
Если вы не любитель балета или еще не были на балете, не начинайте с «Лебединого озера», оно, скорее всего, покажется вам нудным. Или со «Спящей красавицы» — это красивый, но длинный спектакль. Выбирайте более красочные постановки — «Щелкунчик», «Ромео и Джульетта», яркий и веселый «Дон Кихот».
© adme.ru

Я, МАЙЯ ПЛИСЕЦКАЯ:

"Что тебе еще интересно узнать обо мне, читатель? Что я левша и все делаю левой рукой?.. Что я всю жизнь страдала бессонницей?.. Что я всегда была конфликтна? Лезла на рожон часто попусту ?
Что во мне совмещались полюса — я могла быть расточительной и жадной, смелой и трусихой, королевой и скромницей?..
Что была ярой футбольной болельщицей (за клуб ЦСКА)?..
Что любила селедку, нежно величая ее «селедой»?.

Что никогда не курила и не жаловала курящих, что от бокала вина у меня разболевалась голова?.. Что была до глупости легковерна и столь же — нетерпелива. Ждать не умела никогда… Была резка, порывиста…
Что всю, всю свою жизнь обожала, боготворила Щедрина?..

Или рассказать тебе, читатель, про свои балетные, профессиональные привычки?
Что перед каждым классом, каждым представлением я заливала в пятки балетных туфель теплую воду (чтобы крепче сидела ступня)…
Что более всего страшилась не забыть оглядеть себя перед выходом на сцену в зеркале — сочно ли намазан рот, хорошо ли подведены глаза, не то быть мне сегодня на людях бесцветной молью… Как все это — белиберда, пустяки? Или пустяки дописывают мой облик?

Что вынесла я за прожитую жизнь, какую философию? Самую простую. Простую — как кружка воды, как глоток воздуха. Люди не делятся на классы, расы, государственные системы. Люди делятся на плохих и хороших. На очень хороших и очень плохих. Только так. Плохих во все века было больше, много больше. Хорошие всегда исключение, подарок Неба. Человеческая биология такова. Зависть, алчность, вероломство, ложь, предательство, жестокость, неблагодарность…

Разве устоит против — отзывчивость, сердоболие, участливость, доброта, самопожертвование?.. Дудки. Неравный бой. Но в каждом поколении, в каждом уголке земли, в забытых Богом пространствах рождаются и несут свой крест Хорошие Люди. На них еще и покоится наша земл. Мешала мне и обыденная пошлая зависть, амбиции, надутые самомнения, клевета, нелепые слухи.

Труднее всего давалась мне независимость. Вот что уж роскошь. Суетные люди без конца стремились затиснуть меня в свои группировочки, группировки, загнать под ничтожные знамена, упечь в свои ряды. Чем и грешна была, но не этим. Произнесу: я была независима. Усердно старалась быть таковой. Никаких привилегий от власть имущих, ни пайков, государственных квартир, дач мы НИКОГДА не имели. Все заработали своим потом, своим трудом. Свои «кремлевские пайки» мы покупали на московских рынках… Свое живи!.. Я и жила. Себе говорю — честно. Ни детей, ни старцев, ни меньших братьев наших — зверье — не обижала. Друзей не предавала. Долги возвращала. Добро помнила и помню. Никому никогда не завидовала. Своим делом жила. Балетом жила. Другого ничего в жизни я делать толком и не умела. Мало только сделала. Куда больше могла. Но и на том спасибо. Спасибо природе своей, что выдюжила, не сломалась, не сдалась…"

Геометрия балетного полёта:
Мария Кочеткова в прыжке гранд жете.