Пляшущий город
 

Снова в Питере морозы!
Стужа сгорбила мосты,
И бесстыжие берёзы
Мёрзнут кутаясь в кусты.
Над Литейным воет вьюга,
А по Лиговке метель,
Будто пьяная подруга
Стелет милому постель.
Стелет нагло, стелет нежно
И летит на тротуар
Вдоль садовой, по Разъезжей
Белоснежный пеньюар.
И в простуженных кварталах,
Полусонные дома
Тихо шепчутся: «Ах, право,
Знать, опять пришла Зима».
А метель, позёмкой звонкой
Рассмеявшись над Невой,
Одинокою девчонкой
Побрела средь звёзд домой.
Шла по млечной по дороге
То ли в рай, а то ли в ад…
А внизу, седой и строгий,
Спал замёрзший Ленинград.

В.Колбасов

Пляшущий город

Посетителей «Ванвителлианской художественной галереи» я не раз знакомила с творчеством Владимира Колбасова. Сегодняшний выпуск, в преддверии Новогодних праздников, посвящается зимним видам города и Ленинградскому джазу. Наслаждайтесь!!

Владимир Николаевич родился в Ленинграде. Учился в Городской художественной школе, затем закончил Санкт-Петербургскую Академию художеств. Член Союза художников России, председатель Товарищества «Акварельный Класс». Участник многочисленных выставок в России и за рубежом. Основное направление творчества – акварель, графика.

Абстракционист Василий Кандинский
 

Синее поднялось, поднялось и упало.
Острое, тонкое свистнуло и вонзилось,
но не проткнуло. Ухнуло по всем концам.
Густокоричневое повисло будто навеки.
Будто навеки повисло. Будто, будто, будто...
Будто. Шире разведи руками. Пошире, пошире.
А красным платком закрой свое лицо.
А, может быть, оно вовсе еще не сдвинулось,
а сдвинулся только ты.
Белый скачок за белым скачком.
А за этим белым скачком еще один белый скачок.
Вот нехорошо, что ты не видишь мути:
в мути-то оно и есть. Отсюда все и начинается..........
Треснуло..........

Василий Кандинский

16 января 158 лет со дня рождения
Василия Кандинского,
выдающегося представителя абстракционизма.



Раскрашенная версия фотографии 1913 года

Василий Васильевич Кандинский родился 16 (4) декабря 1866 г. в Москве, в обеспеченной культурной семье коммерсанта. В 1871 году семья перебралась в Одессу, где его отец управлял чайной фабрикой. Там, наряду с посещением классической гимназии, мальчик учится игре на фортепиано и виолончели и занимается рисованием с частным преподавателем. "Помню, что рисование и несколько позже живопись вырывали меня из условий действительности", - писал он впоследствии. Уже в детских работах Кандинского встречались весьма нетрадиционные цветовые сочетания, которые он объяснял тем, что "каждый цвет живет своей таинственной жизнью".

В 1896 году он отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства, и записывается в престижную частную школу югославского художника Антона Ажбе, где получает первые навыки в построении композиции, в работе с линией и формой. Однако весьма скоро школа перестает удовлетворять его потребностям. Позднее художник напишет: "Нередко я уступал искушению "прогулять" занятие и отправиться с этюдником в Швабинг, Энглишер-Гартен или парки на Изаре". В 1900 г. после неудачной попытки предыдущего года, Кандинский поступает в Мюнхенскую академию художеств, в класс Ф. Штука, "первого немецкого рисовальщика". Мастер доволен своим учеником, но считает его палитру слишком яркой. Выполняя его требования, Кандинский целый год пишет исключительно в черно-белой гамме, "изучая форму как таковую".

Поселившись у подножия Альп, Кандинский начинает этап интенсивного и плодотворного поиска. Работы этих лет - в основном пейзажи, построенные на цветовых диссонансах. Игра цветовых пятен и линий постепенно вытесняет образы реальной действительности ("Ахтырка. Осень. Этюд", 1901; "Шлюз", 1901; "Старый город", 1902; "Синий всадник", 1903; "Берег залива в Голландии", 1904; "Мурнау. Двор замка", 1908). В эти же годы он обратился к русской сказочной, былинной старине, создав завораживающие образы ("Русский всадник", 1902; "Русская красавица в пейзаже", 1904), превратив в зримое таинственные предания о славянских деревянных городах ("Русская деревня на реке с ладьями", ок. 1902; "К городу",ок.1903).

Зимний пейзаж 1909 г.



Композиция IV 1911 г.

Активная творческая деятельность, организующее начало всегда делали Кандинского центром притяжения всего интеллектуального, неспокойного, ищущего, что было в мире искусства того времени. Так, уже в 1901 г. он основывает в Мюнхене художественное объединение "Фаланга" и организует при нем школу, в которой сам же и преподает. За четыре года Кандинский устраивает двенадцать выставок состоящих в "Фаланге" живописцев. В 1909 году он, вместе с Явленским, Канольдтом, Кубином, Мюнтер и другими, основывает "Новое объединение художников, Мюнхен" и берет на себя председательство. Кредо общества: "Каждый из участников не только знает, как сказать, но знает и что сказать". С 1900 г. Кандинский участвует в выставках Московского товарищества художников, а в 1910 и 1912 г. в выставках художественного объединения "Бубновый валет". Также, он публикует художественно-критические "Письма из Мюнхена" в журналах "Мир искусства" и "Аполлон" (1902, 1909). В1911 году Кандинский вместе со своим другом, художником Францем Марком, организовывает группу "Синий всадник". По словам самого художника, "акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, "югендстиль" и теософия Рудольфа Штайнера".

Москва. Красная площадь 1916 г.



Старый город II 1902 г.

В то же время Кандинский отдает дань литературной деятельности. В 1912 году выходит книга "О духовном в искусстве". Перевернувшая устоявшееся представление об искусстве вообще, эта книга стала первым теоретическим обоснованием абстракционизма. Придя к мысли, что "цели (а потому и средства) природы и искусства существенно, органически и мирозаконно различны - и одинаково велики... и одинаково сильны", художник провозгласил творческий процесс "самовыражением и саморазвитием духа". Также Кандинский пишет мемуары "Оглядываясь назад" (1913 год; в русском переводе - "Ступени"), сборник стихов "Звуки" (1913 год) с 55 черно-белыми и цветными литографиями.

Композиция VIII 1923 г.



На белом II

Живопись Кандинского последних лет Баухауса пронизана легкостью и странным юмором, которые вновь проявятся в его поздних парижских работах. К ним, например, можно отнести картину "Причудливое", 1930, навевающую космически - египетские ассоциации и наполненную сказочными символическими образами в духе Пауля Клее, художника, с которым Кандинский дружен в эти годы. Около 1931 года разворачивается масштабная кампания национал-социалистов против Баухауса, которая приводит к его закрытию в 1932 году. Кандинский с женой эмигрируют во Францию, где селятся в новом доме в парижском предместье Нейи-сюр-Сен. Между 1926 и 1933 годами Кандинский написал 159 картин маслом и 300 акварелей. Многие из них были, к сожалению, утрачены после того, как нацисты объявили живопись Кандинского и многих других художников "дегенеративной".

Кандинский до самого конца не усомнился в своем "внутреннем мире", мире образов, где абстракция не была самоцелью, а язык форм "мертворожденным"; они возникали из воли к содержательности и жизненности.

Источик: https://www.wassilykandinsky.ru/

Картины Триши Романс
 

Канадская художница американского происхождения, Триша Романс (Trisha Romance) — известный автор идиллических картин. Когда впервые видишь работы Триши, сразу чувствуешь необъяснимый покой и безмятежность, которые, кажется, пронизывают самую душу её искусства. Возможно, так действует её способность запечатлеть простоту повседневной жизни или нежные оттенки только что выпавшего снега. Благодаря таким картинам мы духовно восстанавливаемся и обновляемся. Мир, который рисует Триша — это её мир, её семья, дом, любимые пейзажи и здания.

Родившаяся в 1951 году и с раннего возраста наделённая узнаваемым талантом и страстным желанием заниматься искусством, Триша знала, что это «путь не к богатству, но к счастью». Девушка переехала в Канаду в 1969 году, чтобы поступить в Шеридан-колледж в Оквилле, где она получила степень в области дизайна и иллюстрации. Два года путешествий по Европе, посещения национальных музеев и знакомства с их чудесами мира искусства едва ли не превзошли образование полученное в Шериданском колледже.

Художники, очарованные зимой

Зима — самое сказочное время года.
Все вокруг покрывается белым мерцающим одеялом, и остается только чистота и тайна.
В такую красоту невозможно не влюбиться.

ADME предлагает насладиться творчеством талантливых художников,
в чьих работах все очарование этого времени года.

Городская зима Евгения Лушпина

Родные пейзажи на картинах Дмитрия Колпашникова

Заснеженные поля, водяные мельницы, солнечные поляны — все это есть
на полотнах Дмитрия Колпашникова.
Его пейзажи очень спокойные и величественные, глубокие и живые.
Работы этого известного и всемирно признанного художника
находятся в частных коллекциях Германии, Франции, Бельгии и Китая.

******

Поль Сезанн
 

«КАМУ Сергей и Ольга»
 

«КАМУ Сергей и Ольга» - творчество супружеской пары Сергея и Ольги уже более 15 лет. Сергей родился в Украине в семье художников и учился в Художественной школе Академии Искусств. Ольга родом из России и состоит в Союзе художников Украины. В настоящее время пара живет и работает недалеко от Парижа. Оба - Лауреаты Премии Кандинского (Москва), Члены Союза Художников Франции. Они сотрудничают с художественными галереями Франции (Париж, Онфлер, Куршевель, Сен-Поль-де-Ванс), Великобритании и США. Награждены Медалью города Парижа за вклад в культуру Франции.


Сергей занимается в основном рисунком, а Ольга отвечает за цвета. Несмотря на такое распределение работ, картины Каму однородны и имеют последовательность мотивов, что является результатом хорошего взаимопонимания и разделения одного и того же видения искусства у двух художников.
Подобно Инь и Ян, Каму сочетают в себе противоположные влияния, они смешивают в своем творчестве женственность и мужественность, деликатность и брутальность. Взаимодополняемость художников обогащает их работы.


Искусство КАМУ – инь и ян, соединяет тонкий женский образ с жестокими сценами сражений или охоты. Инь – пассивный, восприимчивый, сохраняющий, женский мир. Ян – это прежде всего активный, проходной, преобразующий, мужской мир. Инь и Ян вполне естественно дополняют друг друга, хотя и в некотором смысле противостоят друг другу. Через средневековую тему КАМУ отвела женщинам важнейшую роль. Мечтательница, она переходит из настоящего мужского мира в мир своей мечты. Контраст рисунков и нежного женского тела подчеркивает уязвимость и хрупкость модели.


Во все времена художники вдохновлялись искусством, созданным в предыдущую эпоху. Римское искусство впитало в себя эстетику, приемы, образы искусства Античной Греции. Искусство Возрождения создавалось под влиянием Греции и Рима, Византии и Раннего Возрождения. Густав Климт и Ван Гог впитали и переосмыслили японскую гравюру.Пикассо создавал произведения под влиянием африканской скульптуры и русских икон.Сильное влияние на импрессионистов оказало появление фотографии.

Картины, которые созданы художниками, также богаты культурой и искусством великих эпох. Работы КАМУ передают нам образ женщины, погруженной в свои мечты. Особенностью техники художников является уникальная технология подготовки холста с нанесением нескольких слоев красок и воска, использованием сусального золота и сочетанием акриловой и масляной живописи.

Страничка позитива
 

ПАМЯТКА для тех, кто хочет разбираться в искусстве:

1. Если видишь на картине темный фон и всяческие страдания на лицах – это Тициан.
2. Если на картине вот такенные попы и целлюлит даже у мужиков, не сомневайтесь – это Рубенс.
3. Если на картине мужики похожи на волооких кучерявых баб – это Караваджо.
4. Если на картине много маленьких людишек – Брейгель.
5. Много маленьких людишек + маленькой непонятной фигни – Босх.
6. Если к картине можно запросто пририсовать пару толстых амуров и овечек (или они уже там есть в различной
комплектации), не нарушив композиции, это могут быть:
а) Буше
б) Ватто.
7. Красиво, все голые и фигуры как у культуристов – Микеланджело.
8. Видишь балерину – говоришь Дега. Говоришь Дега – видишь
балерину.
9. Контрастно, резковато и у всех вот такие тощие бородатые
лица – Эль Греко.
10. Ярко-ярко, цветасто-цветасто – Ван Гог.
Всё.
P.S.: Моне – пятна, Мане – люди!
Самая популярная фраза в Лувре: «О! Это же это!»

:rolleyes

Василий Иванович Суриков
 

24 января 2024 года исполняется 176 лет со дня рождения великого русского художника, мастера исторического полотна Василия Ивановича Сурикова.

Художник родился 24 января 1848 года в Красноярске в семье потомственных казаков; его предки пришли с Дона на Енисей ещё в XVI веке с дружиной Ермака. Отец – коллежский регистратор Иван Васильевич Суриков – великолепно играл на гитаре и пел. Мать – Прасковья Федоровна Торгошина – была искусной вышивальщицей.

В 1856-1861 гг. Василий Суриков учился в Красноярском уездном училище, где получил первые художественные познания от учителя рисования Н. В. Гребнева. В 1859 году умер отец. В 1862 году Василий Суриков устраивается в Енисейское общее губернское управление канцелярским писцом. Подрабатывает, расписывая пасхальные яйца, пишет иконы на заказ.

В 1867 году на глаза красноярскому губернатору П. Н. Замятину попались рисунки Сурикова. Он решил послать прошение о приёме Сурикова учеником в Петербургскую Академию художеств. Все расходы взял на себя золотопромышленник, городской глава Красноярска П. И. Кузнецов.

Поступить в Академию Сурикову не удалось. Его зачисляют в школу Общества поощрения художников к Дьяконову, где он за 3 месяца проходит 3-х годичный курс обучения. В августе 1869 года Суриков принят в Академию вольнослушателем.

Лето 1873 года художник проводит в Сибири, в имении своего мецената П. И. Кузнецова. В 1875 году пишет дипломную работу (на христианскую тему), за которую награждают заграничной командировкой. Художник предпочёл поездке заказ на роспись храма Христа Спасителя в Москве (окончены работы летом 1878 года).

25 января 1878 года Суриков женится на внучке декабриста П. П. Свистунова Елизавете Августовне Шарэ. Счастливая семейная жизнь и относительная материальная обеспеченность позволили художнику обратиться к образам русской истории.

Первым историческим полотном, принёсшим славу Сурикову, стало «Утро стрелецкой казни». 1 марта 1881 года картина была выставлена на IX Выставке Товарищества передвижников в Санкт- Петербурге.


На XI Выставке передвижников в 1883 году другая картина В. И. Сурикова «Меньшиков в Берёзове» была также приобретена купцом П. М. Третьяковым. Средства от продажи картин позволили Сурикову с семьей совершить путешествие в Европу (Берлин, Дрезден, Париж, Рим). Художник создает картины: «Собор святого Петра в Риме», «Две итальянки», «Римский карнавал», «Колизей» и др.


Вернувшись в Россию, Суриков приступает к созданию «Боярыни Морозовой» (1887г.) Ещё в детстве он слышал от своей тётки рассказы о неистовой раскольнице. Для Сурикова важен именно этот образ стойкости в вере и духовной свободы, которую нельзя заковать в цепи.


По приглашению матери и брата художник с двумя дочерями посещает Красноярск. Картина «Взятие снежного городка» стал своеобразным исцелением художника, после смерти жены. В Сибири зарождается замысел картины «Покорение Сибири Ермаком» (1895).


В 1895 году художнику присвоено звание академика советом Академии художеств. Последняя работа Сурикова – картина «Степан Разин» (1906 г.).


Умер художник 6 марта 1916 года в Москве от болезни сердца. Похоронен на Ваганьковском кладбище.

Забытый художник Василий Максимов
 

Среди художников, писавших на тему крестьянской жизни, Василий Максимович Максимов занимает особое место.

29 января исполняется 180 лет со дня рождения этого художника-передвижника. Содержание картин Василия Максимова понятно и без лишних пояснений. Он сам вырос в деревне, поэтому знал о сельской жизни не понаслышке. Художник очень ярко и живо описывает все до мелочей, погружая зрителя в атмосферу ушедшей эпохи. Образы Василия Максимова отличает трепетная и взволнованная душевность, глубокая человеческая сердечность живет в его лучших картинах. Еще пронзительнее и тревожнее делают сюжеты названия картин.

Василий Максимович родился в январе 1844 года в деревне Лопино, в окрестностях Новой Ладоги, в крестьянской семье. В раннем детстве будущий художник лишился родителей и был определен учеником иконописца местного монастыря. Врожденный талант и трудолюбие позволили молодому церковному иконописцу поступить (в возрасте 18 лет) в Императорскую Академию живописи. В 1866 году получив звание классного художника 3-й степени, Максимов отправился в деревню Шубино Тверской губернии, в имение Голенищевых-Кутузовых, на должность домашнего учителя рисования. Летом этого же года художник совершил путешествие по Волге. Эта поездка была очень познавательной и плодотворной.

В 1878 году Василию Максимовичу Максимову было присвоено звание академика. Последние двадцать лет жизни художника были полны лишений и горькой нужды. Передвижники с их горькой правдой жизни вышли из моды, деньги кончились, а новых заказчиков практически не было. В декабре 1911 года художника не стало.

В ризе снежной старый лес
 

Художник Charles Vickery
 

Полдень. Знойным переливом,
Бархатисто-золотой
По ленивым тихим нивам
Солнца луч бежит живой.

Все, как сон, — и лес и поле
В этот час полдневных чар, —
В час, когда на светлой воле
Зреет нивы тучный дар.

Жизни нет как будто в мире,
Жизнь ушла в прохладу, в тень,
Лишь все ярче, жгуче, шире
Праздник свой справляет день.

Он наполнил все ущелья,
В рощи темные проник
И с улыбкою веселья
На листве берез поник,

И в истоме благодатной
Землю теплую обняв,
Трепет силы необъятной
Дремлет меж зеленых трав.

Алексей Каменский (Липецкий) 1914 год

Выбирая художника для следующего ознакомления в «Ванвителлианской художественной галерее», я замерла над картиной Олега Арадушкина (1951) «Веранда осенью». Воспоминания ярко вспыхнули, затеснились в душе и запросились быть опубликованными.

Лето. Мне семь лет, братику четыре года. Папина двоюродная сестра с мужем пригласили нашу семью - Москву посмотреть, а затем провести несколько дней на их подмосковной даче. Что подарить москвичам, где муж заместитель министра, чем удивить? Папа решил, что нет ничего вкуснее прибалтийской «Антоновки» и купил пять килограмм пахучих, крепких, блестящих яблок. Двое детей, багаж, яблоки, посадка на поезд, отдельное купе. Отдышались, поужинали снедью, приготовленной мамой, а утром на вокзале нас встретила чёрная «Волга» с водителем и мужем папиной сестры.

Москва открылась для меня в восемнадцать лет, когда я гостила у тётушки на Гоголевском бульваре. А в семь лет в памяти остался длинный полутёмный коммунальный коридор, заставленный старыми шкафами, комодами, велосипедами, лыжами и изувеченные ступни ног шаркающей по коридору невесомой старушки. Я вбежала в комнату и спросила, кто она, что с её ногами. Балерина Большого театра на пенсии, ответили мне. Я вспомнила этот эпизод, многими годами позже, когда смотрела документальный фильм о Нуриеве, его ступни ног обезображенные нечеловеческими нагрузками во имя красоты танца.

Через два дня мы приехали на дачу, и папа водрузил сетку с яблоками на стол. Помню зной дня, бескрайнее золотое поле, аромат сена, море васильков и ромашек среди колосьев пшеницы. Пишу эти строки и ясно вижу колосящееся поле и себя очарованную деревенской красотой. Помню на даче кусты роз всех цветов и вишнёвое дерево. Его низкие ветви были полны ягод и я, наверное, съела все. В утро отъезда с дачи, я проснулась рано, в доме ещё спали и вышла в гостиную. Меня заинтересовала дверь, куда она вела. Я открыла и вот что я увидела. Не развязанная сетка с яблоками, привезённая папой, лежала на полу среди груд дачных яблок…


Арадушкин Олег Афанасьевич родился 26 июля 1951 г. в Подольске. Член-корреспондент Российской академии художеств (Отделение графики, с 2002г.) Заслуженный художник Российской Федерации (1998г.) Член Союза художников СССР, России (с 1977г.).

Cкрытый текст -

28 февраля Дeнь уxoдa зимы
 

В городе съехавших крыш беспросветные сумерки...
липким туманом зашторены окна домов...
Солнце, похоже, уснуло... и, кажется, умерли
звёзды, упавшие утром в колодцы дворов...
..но..
Кутаясь в тёплое прошлое, верим по-прежнему
в то, что мы всё же любимы, но,.. просто пока –
Время карманных фонариков... И под одеждами
спрятана нежность...
...до новой весны...
...до звонка...

© Copyright: Кот На Крыше


Алексей Бутырский родился в Москве в 1974г. Окончил с отличием Московский Художественный Колледж. В 1998г. он стал студентом Российской Академии Художеств. Начиная с 1996 года, Бутырский участвовал более чем в 10 выставках, в том числе персональных, и аукционах в России и Англии, и в 25 выставках, проводимых в Соединенных Штатах.
Его работы имеют огромный успех, их можно увидеть в самых престижных галереях и частных коллекциях Франции, Англии, Австрии, Германии, Швейцарии, России и США.

Венгерский художник Эндре Сас
 

Поднимись, душа, и отыщи мой край!
Не домишко, целый городок
ждет тебя скопленьем островов
в море из акаций и дубов.
Ты взлети, душа, и отыщи мой край!
Виноградник у приземистой давильни.

Выдающийся венгерский поэт Михай Бабич (1883-1941)

Эндре Ласло Сас («Валлон» ) (7 января 1926 г. - 18 августа 2003 г.) был венгерским художником, иллюстратором, графиком , гравером, художником-монументалистом, художником-постановщиком и декоратором керамики (живописцем по фарфору). Себя он называл народным сюрреалистом.
Он был прирожденным художником и рисовал с детства, в работе использовал масло, акрил, темпера, карандаш, тушь, уголь, монотипию, сухую иглу, литографию, травление и акватинту, а также рисовал на нескольких материалах, таких как плакаты и фарфор.
С конца 1940-х до конца 1960-х Сас работал иллюстратором. За это время он проиллюстрировал несколько сотен книг. В 1959 году он выиграл приз иллюстратора на Лейпцигской ярмарке. В 1964 году в Великобритании он представил свои работы по книге Омара Хайяма Рубайят . У него было несколько выставок по всему миру, включая Музей современного искусства (Мехико ), Музей Освенцима (Польша ), Венгерскую национальную галерею (Будапешт ), а также выставлялись в Мадриде , Копенгагене , Брюсселе , Берлине , Риме , Осло , Йоханнесбург , Новый Орлеан , Лос-Анджелес , Сан-Франциско , Будапешт, Амман (Иордания ) и Токио . Оригинал Саса также висит в одном из домов известного чилийского поэта и дипломата Пабло Неруды .
Сас жил в Торонто , Канаде 1970–1974, затем в Лос-Анджелес , Калифорния до 1982 года, когда он вернулся в Венгрию.

Ганс Гофман. Заяц в лесу. Около 1585

Cкрытый текст -

22 марта 425 лет живописцу Антонису Ван Дайку
 

Художник Роберт Файнэл
 

Художник Robert Finale (Роберт Файнэл) – американский художник кубинского происхождения. Когда мальчику было 2 года семья покинула Кубу и перебралась в США. Потом было много лет буквально нищего детства, которое было украшено только рисунками маленького Роберта. Мальчик давно вырос, а мечта, желание красивой сказки – они остались. Просто теперь это уже не мечты простым карандашом, а такими желанными в детстве яркими красками, ну и немного романтического импрессионизма, который так нравится публике. Роберт рисует удивительные романтические городские ландшафты, которые никогда не существовали или остались в далеком прошлом: старую, еще дореволюционную, Кубу, Париж конца позапрошлого века, прекрасные места, в которых ему хотелось бы побывать и в которые он путешествует в своих мечтах.

Людовик Орлеанский хвастается своей любовницей
 

Эжен Делакруа
“Людовик Орлеанский хвастается своей любовницей”.
1826 г.



Вероятно, ни одна нация в мире не писала так много обнаженных сюжетов, как французы. Чувственность и бесстыдство образов у них удивительным образом сочетаются с художественностью.

Ну а некоторое бесстыдство в искусстве проявляется не на пустой почве, и порой берет начало из реальных случаев. Но реальна данная присказка или нет – не нам судить, ведь в первую очередь нас интересует воплощение идеи путем художественных форм.

В основу произведения лег эпизод, описанный в "Истории герцогов Бургундских из дома Валуа" Проспера де Баранта. Помимо прочего, так рассказывалась следующая скабрезная история: герцог Луи Орлеанский или просто Людовик I был большим охотником до красивых женщин.

Разумеется, при дворе у него было огромное количество любовниц, не гнушался он и женами своих приближенных. К примеру, его очень заинтересовала Мариетта д'Энгиен, супруга Альберта Ле Фламенка, собственного камергера.

Герцог сделал ее своей любовницей, весело проводил с ней время, а однажды сразу после утех в спальне появился муж, пожелать герцогу доброго утра и засвидетельствовать свое почтение. В ответ, герцог предложил камергеру оценить свою любовницу, прикрыв озадаченной Мариетте лицо простыней, чтобы муж ее не узнал.

Неизвестно, как такое возможно, но муж действительно не узнал тела, не увидев лица. А вечером сообщил Мариетте, что новая любовница герцога обладает таким прекрасным телом, каково он еще не видывал.

Эмоции героев картин переданы художником недостаточно четко. Мы не можем понять, смущается ли Мариетта за завесой простыни или же ее это забавляет. Мы не понимаем камергера – он восхищается или анализирует то, что видит. Более-менее понятен лишь герцог – он доволен собой и совершенно спокоен.

Несмотря на пикантную тонкость сюжета, в нем присутствует большое количество красочных деталей: игры со светом и полутонами, блеск стекла на заднем фоне, почти осязаемая мягкость фактур ткани и гладкости кожи, и многое другое.

Польская художница Юстина Копания
 

15 апреля Всемирный день искусства (World Art Day)
 

«Винчи» означает место, где художник родился. Винчи — это маленький горный городок в центре Италии, тогда его считали частью Флорентийской республики. Он находился под властью Дома Медичи.
Наставником Леонардо да Винчи был Андреа дель Верроккьо — известный художник и скульптор Флоренции. В 17 лет Леонардо повысили из подмастерья в «студийного парня». Это значит, что он стал учеником Верроккьо. У него учились многие известные художники, в том числе Сандро Боттичелли.

В Милане Леонардо да Винчи создал две самые известные картины наряду с портретом «Мона Лиза». Одна из них — это «Мадонна в Скалах». Есть две версии этой картины: нереставрированная находится в Лувре в Париже, а отреставрированная в Национальной Галерее Лондона в Англии. Другое произведение — «Тайная Вечеря». Она хранится в монастыре Санта-Мария-делле-Грация в Милане.


Художника можно назвать экспериментатором. Он часто создавал новые техники и изобрел сфумато. Она заключалась в том, что объект лишался четких границ и за счет этого появлялся эффект дымки. Преимуществом этой техники были объем, мягкий переход между светлыми и темными участками.

Леонардо да Винчи писал справа налево. Причем он переворачивал буквы, чтобы можно было прочитать текст, используя зеркало. Неизвестно, почему художник так писал. Есть только версия, что он боялся смазать чернила и таким образом защищал идеи. Еще Леонардо да Винчи писал хорошо и левой, и правой рукой, а также мог делать это одновременно.
Леонардо да Винчи занимался не только живописью, но и гидромеханикой, физической географией, химией, математикой, астрологией. По эскизам художника был создан первый воздушный шар. А еще он создал дизайн первого автомобиля. Кроме того, художник первым сказал, что лунный свет — это отраженный свет солнца.

Живописец был настоящим изобретателем. После смерти он оставил набросок парашюта, который, по мнению ученых, не будет работать. Однако в 2000 году британский воздухоплаватель Адриан Николас сделал парашют по этому наброску. Он совершил успешный полет. Также Леонардо да Винчи делал проекты подводной лодки, танка, летающих машин, ткацкого станка и даже прибора для подводного погружения.ive Фреска Леонардо да Винчи "Тайная вечеря"


«Тайная вечеря» или реже «Тайная вечеря» - фреска Леонардо да Винчи, стенопись которой создан в период 1495-1497 годов в монастыре доминиканцев Санта-Мария-делле-Грацие в Милане. Шедевр, который в истории живописи открывает эпоху Возрождения, изображает Иисуса Христа с апостолами и скорбное с ними застолье в вечер перед самым распятием. По заказу Лодовико Мария Сфорца - герцога Миланского герцогства из династии Сфорца.

15 апреля! Всемирный день искусства (World Art Day)
 

Искусство — ноша на плечах,
Зато как мы, поэты, ценим
Жизнь в мимолетных мелочах!
Как сладостно предаться лени,
Почувствовать, как в жилах кровь
Переливается певуче,
Бросающую в жар любовь
Поймать за тучкою летучей,
И грезить, будто жизнь сама
Встает во всем шампанском блеске
В мурлыкающем нежно треске
Мигающего cinema!
А через год — в чужой стране:
Усталость, город неизвестный,
Толпа, — и вновь на полотне
Черты француженки прелестной!..

Александр Блок

***

Акварели
 

Акварель — вид изобразительного искусства, сочетающий свойства живописи и графики. От живописи она взяла богатство цвета и его широкие художественные возможности для моделирования форм. А от графики — тонкослойное наложение краски (без рельефности) и использование бумаги не просто как материала, но и как изобразительного элемента: фон становится пространством, «воздухом».

«Портрет Натальи Гончаровой (Пушкиной)»
Александр Брюллов, 1831-1832

Акварельные работы более объёмны, чем графические, но более воздушны, чем живописные картины. Возникла эта техника в древнем Китае, во II веке, с изобретением бумаги. Классическая европейская акварель появилась в XV—XVI столетиях, а расцвела в Англии на рубеже XVIII-XIX веков.
Акварель позволила художникам выразительно передавать эффекты воздушности и влажности. Долгое время живописцы бились над проблемой отображения на произведениях дождя, и эту задачу с успехом решили именно акварелисты. Эта техника идеально подошла для пейзажистов, работающих на пленэре.

Дата недели
2.05 – Чистый четверг.
За три дня до Воскресения Господне (христианской Пасхи) произошло ещё одно новозаветное событие – Тайная вечеря.
Самое известное изображение этого события - монументальная роспись работы Леонардо да Винчи (1495—1498).



1) Тайная вечеря
Тайная вечеря – трапеза Христа со своими учениками-апостолами в Иерусалиме, приуроченная им к празднованию иудейской Пасхи.
На языке оригинала (итальянском) картина называется Ultima cena – последний ужин.
Вечеря – это и есть вечерняя трапеза (ужин).
Ужин проходил в четверг, скрыто от иудеев, желавших расправиться с Христом, и потому вечеря называется тайной.
На следующий день, в пятницу, Иисус Христос будет распят.
Это был его последний ужин.

2) Три Пасхи
Пасха является одним из самых главных праздников христиан.
Это праздник воскрешения Христа, случившегося в 30-х годах нашей эры, победа жизни над смертью.
В 2024 году католики отпраздновали её 31 марта, у православных Пасха - 5 мая.
Пасха (Песах) у иудеев – это намного более древний праздник,
связанный с Исходом евреев из Египта – событием, случившемся в 13 веке до нашей эры.
В 2024 году она праздновалась 24 апреля.
Именно в день иудейской Пасхи и состоялась трапеза, называемая Тайная вечеря.

3) Омовение ног
Во время тайной вечери произошло несколько важных событий.
Первое из них – омовение ног.
По восточному обычаю, при входе гостей в дом, слуги или рабы домохозяина омывали их запыленные ноги.
Но в этот визит Иисусу с Апостолами никто не омыл им ног, вероятно, потому - что они лишь заняли,
с дозволения домохозяина, одну из комнат его дома, но гостями его не были.
Иисус не придавал значения обряду омовения, требуя от Своих последователей чистоты помыслов более, чем чистоты тела.
А вот Апостолы обычай соблюсти хотели. Но никого из слуг тут не было;
а эта услуга считалась особенно унизительной, несоответствующей достоинству свободных евреев.
И тогда им ноги омыл сам Иисус: быть не должно места ни властолюбию, ни гордости.
От этого события и четверг перед Пасхой получил название Чистый.

4) Фраза Иисуса
Важным событием в этот день стали слова, произнесённые Иисусом - «Один из вас предаст меня».
Картина Леонарда да Винчи запечатлела застолье через миг после произнесения этой фразы.

5) Первое причастие
Второе событие – священнодействие. Именно его называют главным из состоявшихся в этот вечер событий.
Христос взял хлеб и, благословив, преломил его. И раздал ученикам со словами:
— Возьмите, ешьте, это тело Моё, которое за вас преломлено во оставление грехов!
А после взял чашу с вином и, благословив, подал им. И сказал:
— Пейте от неё все; потому что это — кровь Моя Нового Завета, которая изливается для оставления грехов.
Хлеб и вино стали «При-частием» — от слова часть.
Они перестали быть хлебом и вином: вкушая их, человек становится частью самого Христа, единым целым с Ним.
И через Причастие Иисус не в воображении, а по-настоящему соединяется с верующими в Него,
помогает, даёт силы преодолевать испытания, просвещает их Своим светом изнутри.

6) Фраза, обращённая к Петру
Третье событие – слова, обращённые к Петру.
Не успеет ещё пропеть петух как ты трижды отречёшься от Меня.
После ареста Христа Петр трижды отвечал людям на вопрос был ли он с Христом отрицательно.

7) Местонахождение
Картина (фреска) Леонардо да Винчи находится на стене в доминиканском монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.



8) Трапезная монастыря
Фреска находится на одной из стен в трапезной монастыря, где служители принимали пищу.
Стол, за которым сидят Иисус и апостолы, посуда и льняная скатерть написаны по образцу предметов в трапезной Санта-Мария-делле-Грацие.
На самом деле, люди во времена Иисуса не сидели, а лежали на тюфяках за низенькими столами.
Согласно традиции католических религиозных орденов, включая орден Святого Доминика,
место совместной трапезы монахов должно быть, расписано фресками с изображением Распятия и Тайной вечери;
в момент принятия пищи, и как следствие покоя и удовольствия, монахи всегда помнят о жертве Христовой.

9) Заказчик
Заказ на написание произведения живописец получил от своего патрона - миланского герцога Людовико Сфорца в 1495 году.
После скоропостижной кончины своей супруги скорбь мужчины была столь велика, что он 15 дней не покидал своей комнаты.
А когда вышел, то первым делом заказал Леонардо да Винчи фреску,
о которой некогда просила его покойная супруга, и навсегда прекратил все развлечения при дворе.
К этому времени Леонардо уже написал "Мадонну Бенуа" (1480) и "Мадонну Литта" (1491),
которые вы, полагаю, видели в Эрмитаже, но ещё не написал "Мону Лизу" (1503-1519).

10) Дверь
Через полтора века, в 1650-х годах в трапезной понадобилась новая дверь,
её спокойно вырезали под работой. В итоге дверной проем лишил Христа ног.



11) Размеры
Размеры картины составляют 880 на 460 см.
Лучше всего «Тайную вечерю» можно рассмотреть, если отойти на 9 метров в сторону и приподняться 3,5 метров вверх.

12) Иисус и Иуда
Согласно легенде, Леонардо да Винчи нашел подходящую модель для Иисуса в церковном хоре. Им стал юный певчий.
Модель для Иуды художник нашёл только через 3 года.
Это был абсолютно опустившийся человек в состоянии сильного алкогольного опьянения.
Что поразительно - тот же самый.
Согласно мнению историков, Иисус и Иуда были списаны с одного и того же человека в разные периоды его жизни.

13) Апостолы
Вспомним апостолов по именам (по головам слева – направо):
Варфоломей, Иаков Алфеев, Андрей Первозванный, Иуда, Пётр (первый Папа Римский, казнён в 67 году), Иоанн Богослов.



Пётр держит в руке нож – отсылка к эпизоду из Евангелия, в котором апостол отсекает ухо Малху,
слуге первосвященника Каифы, в защиту Иисуса, арестованного в Гефсиманском саду.
Иоанн Богослов выглядит на картине женственно, что дало основание для предположения, что это Мария Магдалина.
По левую руку от Христа: Фома (тот самый, неверующий – в Воскресение Господне),
Иаков Зеведеев, Филипп, Матфей (автор первого Евангелия – от Матфея, казнён в 60-х годах), Фаддей, Симон.



Фома изображён с поднятым пальцем не случайно.
Именно ему Воскресший Иисус предложит вложить перст в раны после своего Воскресения.
Существует мнение, что в лице апостола Фаддея Леонардо изобразил себя.
Он находится спиной к Иисусу, ибо сам Леонардо придерживался атеистических взглядов.

14) Иуда
Возле Иуды Леонардо да Винчи изобразил опрокинутую солонку (которая во все времена считалась плохой приметой), а также пустую тарелку.
В Нагорной проповеди Иисус называет апостолов солью земли, ссылаясь на их миссию в качестве вестников Его Слова:
таким образом, Иуда показан не только как предавший Мессию, но также как тот, кто упустил возможность распространять Слово Божье.
Иуда держит в руках мешочек с 30 серебряниками – четырехмесячный заработок среднего работника на винограднике.
Иисус и Иуда одновременно тянутся рукой к тарелке. Согласно Евангелию от Иоанна, Иисус предсказывает, что предатель протянет руку к еде вместе с ним.
В африканской живописи середины 20 века (в разгар крушения колониальной системы)
Иуда нередко оказывался единственным белым среди темнокожих участников действа (к коим относился и Спаситель).

15) Расположение апостолов
С геометрической точки зрения в области переносицы Христа расположена точка схода в линейной перспективе пространства горницы.
Имея большой стол, толпиться всем 13 сидящим за ним людям с одной стороны - не рационально.
Зачастую художники размещали Иуду отдельно от остальных апостолов.


Картина Доменико Гирланлайо (1480)

16) Рыба с апельсинами
Рыба, а не пасхальный ягненок, больше подходила к пищевым привычкам доминиканцев,
для которых она была по преимуществу покаянной пищей.
По-гречески первые буквы слов Jesus Christos Theou Uios Soter (Иисус Христос — Божий Сын Спаситель) составляют слово ichthus — «рыба».
Современники до сих пор не могут сойтись во мнении, что нарисовано на фреске - сельдь или угорь.
На итальянском языке угорь переводится как аринга, что также означает воспитание.
А сельдь на итальянском диалекте называется ренга, что также может описывать человека, отрицающего религию.
После реставрации приверженцам угря на столе удалось рассмотреть ещё и ломтики апельсина.

17) Святой Грааль
Святым Граалем называют чашу, из которой Иисус Христос вкушал на Тайной вечере
и в которую Иосиф Аримафейский собрал кровь из ран распятого на кресте Спасителя.
Легендарные рыцари Круглого стола проводили свою жизнь в бесплодных поисках Святого Грааля,
который (вместе с копьём, пронзившим тело Христа), якобы сохранил и привёз в Британию Иосиф Аримафейский.
Испивший из чаши Грааля получает прощение грехов, вечную жизнь и много других приятных бонусов.
В наши дни на звание подлинного Священного Грааля претендуют пять предметов.
Ватикан официально признает Граалем чашу, выставленную в кафедральном соборе Валенсии.
Если смотреть прямо, то кажется, что перед Иисусом стоит обычный сосуд.
Но если взглянуть в зеркальном отражении, то очень похоже на Чашу Грааля.

18) Реставрации
Это «печальнейшее произведение искусства в мире, трудолюбивая калека,
к которому заходят посмотреть, как там у него дела, а удаляются со вздохами,
будто отходят на цыпочках от смертного ложа» (Генри Джеймс).

Ущерб картине был нанесен уже в 1500 году – в церкви случился потоп.
В конце 17 века из трапезной сделали конюшню. И без того полуразрушенная фреска покрылась навозом.
В 1796 г. французские войска под командованием Наполеона вторглась в Италию.
В Санта-Мария-делле-Грацие французы соревновались друг с другом:
кто попадет кирпичом в голову одного из апостолов.
В 1800 году трапезная была затоплена на полметра в результате наводнения.
За две недели вода впиталась в стены, а роспись покрылась плесенью.
В 1821 году очередной реставратор, думая, что перед ним фреска в истинном понимании слова, пытался перевести живопись на холст.
Когда идея потерпела крах, ему оставалось лишь попытаться приклеить краску обратно на стену.
В результате другой реставрации нога апостола Варфоломея сделалась ножкой стула,
а рука Фомы превратилась в булку хлеба.
В 1977 году началась последняя реставрация длиной в 22 года.
В ней участвовали самые современные технологии.
Были оставлены лишь краски, нанесенные самим да Винчи и его помощниками,
утраченные фрагменты заполнили акварелью нейтрального оттенка.

19) Вторая мировая война
Во время второй мировой войны Италия входила в состав гитлеровской коалиции.
15 августа 1943 года Британские королевские ВВС подвергли Санта-Мария-делле-Грацие бомбардировке.
Благодаря ранее построенному защитному сооружению "Тайной вечере" удалось сохраниться,
в то время как остальная часть монастырского комплекса в значительной степени была превращена в руины.
На протяжении нескольких месяцев фреска оставалась под открытым небом.


Фреска – за защитной конструкцией справа

20) Копии
Сегодня есть 3 копии с оригинальной картины Тайной вечери.
В начале 16 века трое учеников Леонардо да Винчи сделали копии картины.
Ученик да Винчи Джампьетрино сделал первую полномасштабную копию,
которую сейчас можно найти в Лондонской Королевской Академии художеств.
Вторая, от Андреа Солари, сейчас находится в бельгийском музее Леонардо да Винчи.
Наконец, третий экземпляр, Чезаре да Сесто, находится в церкви Святого Амброджо в Швейцарии.

21) Сионская горница
Комнату, где происходила Тайная вечеря называют Сионская горница
(в моем рассказе мы временно перебрались из Милана в Иерусалим).
Она считается первой христианской церковью.
За прошедшие века здание разрушалось и перестраивалось.
Нынешнее помещение Сионской горницы возведено францисканцами в XIV веке в готическом стиле,
это второй этаж здания (по аналогии с первоначальной Сионской горницей),
на первом этаже сегодня находится синагога с гробницей царя Давида
(возможно, кенотафом, т.е. без Давидовых останков) –
жившим и правившим народом Израиля за 1000 лет до рождения Иисуса Христа.
Давида считают прямым предком Иисуса.
Полагаю, вы читали первые строки Евангелия от Матфея
Книга о рождении Иисуса Христа, сына Давидова, сына Авраамова.
... всех родов от Авраама до Давида четырнадцать родов: и от Давида до переселения в Вавилон четырнадцать родов;
и от переселения в Вавилон до Христа четырнадцать родов.
На крыше здания находится минарет от бывшей в ней мечети (1524—1948 гг.)

22) Посмотреть
На протяжении трех веков после смерти художника –
до начала 19 века, когда из спальни Наполеона Мона Лиза попала в Лувр,
лишь «Тайная вечеря», по сути, была единственным общедоступным свидетельством таланта Леонардо да Винчи.
Сейчас увидеть "живьём" "Тайную вечерю" (мы снова возвратились в Милан) очень непросто.
Посетителей (не более 25 человек) заводят в помещение трапезной лишь на 15 минут.
Чтобы посмотреть картину «Тайная вечеря», необходимо купить билет за четыре месяца вперед.
Но можно сотворить её самому.

Иван Крамской

Христос в пустыне
1872


Cкрытый текст -

Гимн красоте
 

Слава, Киприда, тебе, --
Нам -- в беспощадной борьбе
Жизнь красотой озарившая,
Пеной рожденная,
Мир победившая,
Непобежденная!

11 мая 120 лет Сальвадору Дали
 

"Увидел — и запало в душу, и через кисть
проявилось на холст. Это живопись.
И то же самое — любовь."


«Загадочный», «мистический», «фантастический», «таинственный» – так чаще всего называют этого художника, бросившего вызов общепринятым социальным и эстетическим нормам. Он говорил о себе: «Сюрреализм – это я». «Параноидально-критическим» называет художник свой творческий метод. Его картины очень выразительны, красивы по цвету. Дали – великолепный рисовальщик и блистательный конструктор. Он создает обобщенные художественные образы, выстраивает сложные, строго продуманные композиции «хаоса» и «болезненных» видений. В его полотнах всегда есть строгая архитектоника, внутреннее равновесие частей – это «Постоянство памяти», «Пылающий жираф», «Испания», «Сон, вызванный полетом пчелы около граната за секунду до пробуждения».


В огромном наследии Дали не более десяти картин, в числе которых прежде всего «Искушение св. Антония», «Мадонна», «Распятие», «Тайная вечеря» полны такой духовной глубины и такого художественного совершенства, что могут противостоять как утверждение светлого начала в мире всем работам Дали, где воссоздаются образы темных сил и зла.


Сальвадор Дали был одним из главных чудаков своего времени и считал это своим достоинством. За свою жизнь он совершил немало эксцентричных выходок, которые до сих пор обсуждаются ценителями искусства.

• Предел тупости — рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее.

• Меня завораживает всё непонятное. В частности, книги по ядерной физике — умопомрачительный текст.

• Я восхищаюсь Кантом. Из него я не понял ровным счётом ничего. Человек, написавший такие важные и бесполезные книги, был не иначе как ангелом.

• Я за монархию, ибо такова моя королевская воля.

• Произведение искусства не пробуждает во мне никаких чувств. Глядя на шедевр, я прихожу в экстаз от того, чему могу научиться. Мне и в голову не приходит растекаться в умилении. Простейший способ освободиться от власти золота — это иметь его в избытке.

Город и художник
 

Что можно назвать своим районом — место проживания, место гуляния, место работы? У меня на улице, которая раньше называлась улица Богдана Хмельницкого (нынешняя ул. Маросейка) мастерская была ещё в середине 1970-х годов. В 1972–1975 годах. В этих домиках двухэтажных, где кинотеатр Новороссийск, сейчас его нет. Поэтому это, в общем-то, тоже мой район вполне.


Район чудесный, хороший. Это один из немногих районов, где старой архитектуры немножко осталось… Один из не сломанных, не исковерканных райончиков. Это пример Старой Москвы — той Москвы, которую я начал писать еще в 60-е годы. Здесь осталась Москва моей молодости. Вся Москва уже не такая, все сломали, все искорежили, а там еще это осталось.


У меня любимая техника — маслом на картоне, этюдные вещи. Я когда их писал, я не думал, что потом уничтожат Москву, и это будет только на моих картинах. А потом оказалось, что это действительно документы той уходящей эпохи, и таких документов мало. Сейчас много художников пишет Москву, но они начали писать недавно — лет 10–20 назад, а у меня вот лет 50-ти работы есть. Так что я архей такой, который сохраняет старину.

Я ходил по улицам и рисовал. Сам для себя в большей степени, потому что в те времена, лет 40–50 назад, дворики особым интересом не пользовались, покупали что-то другое. А сегодня вдруг такая ностальгия у народа проснулась. Начали лет 10–20 назад Москву ломать, и старые москвичи начали вспоминать, как было здорово. Начали сопротивляться тому, что строят высотные дома в центре Москвы. А мои картинки показывают, какая она была, Москва.


У меня сложные отношения с городом… Но обычно об этом не думаешь. Ищешь просто красивое место и пишешь. Я просто хожу на пленэр и пишу то, что вижу, не придумываю какие-то образы. Я стараюсь находить среди той архитектуры, которую вижу то, что красиво, что привлекает. В разных состояниях — вечер, солнце, закат, дождик. Глаз художника ищет свое, и у каждого художника свой глаз. Увидел, этюдник с красками разложил — и пишу быстренько.

18 мая Международный день музеев
 

Музей (от гр. museion – храм муз) – культурная «платформа», исторически созданная человечеством для сохранения, изучения, представления последующим поколениям ценностей культурного и природного наследия. Другими словами, своего рода, «институт социальной памяти». За два с лишним тысячелетия существования музея в процессе исторического развития изменилось его понимание и использование. Музеи будут «сохранять, презентовать и транслировать из прошлого в будущее музейные ценности», в том числе, в форматах технологий XXI-го века.


Первый Мусейон, как учебное заведение основал в Александрии правитель Египта Птолемей I (Ptolemaios I) в 290 году до н.э. Существует одна из версий, что в 48-47 годах до нашей эры, библиотека сгорела по вине древнеримского полководца, диктатора Юлия Цезаря. Несмотря на отсутствие достоверной информации об Александрийской библиотеке, с течением веков она стала архетипическим символом хранилища знания и культуры. В античной Греции в «храмах богов и муз» традиционно находились скульптуры, фрески, сосуды, посвященные им.


Уже в раннее Средневековье, скульптуры, росписи, иконы, ювелирные изделия, манускрипты иногда представляли в монастырях и церквях. Их дополняли трофеи, захваченные в войнах. Но музеев, ни в Европе, ни в России, еще не было.


Благодаря Лоренцо Медичи (Lorenzo di Piero de Medici), меценату, покровителю искусства и науки эпохи Возрождения, во Флоренции возник Сад Скульптур. Правитель Флорентийской республики покровительствовал художникам – гениям эпохи Возрождения: Боттичелли (Sandro Botticelli), Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Buonarroti), Леонардо да Винчи (Leonardo di ser Piero da Vinci), Андреа дель Верроккьо (Andrea del Verrocchio), Гирландайо (Domenico Ghirlandaio. Их работы находятся в коллекции всемирно известной галереи Уффици (Galleria degli Uffizi).


В XVI веке начали размещать скульптуры и картины в длинных коридорах дворцов. В XVII веке при строительстве дворцов уже предусматривали специальные помещения для собраний произведений искусства и книг. В это же время стали «проектировать» помещения для произведений искусства: их назвали кабинетами (фр. «cabinet»). Вначале кабинетом был большой шкаф для хранения предметов искусства, затем – отдельные комнаты. Такой «формат экспонирования» появился в Европе уже в XVI веке. В Германии, наряду с предметами искусства, возникли коллекции «Wunderkammer». Они включали естественно-научные экспонаты, древние, редкие, курьезные предметы: природные и рукотворные. Их собирали аристократы, ученые натуралисты, медики, аптекари. Это инициировало создание тематических музеев.


В XVIII-м столетии во многих европейских странах музеи стали важной составляющей общественной жизни. Первым таким музеем стал лондонский Британский музей (British Museum), открытый в 1753 году – один из крупнейших историко-археологических музеев в мире. Там находится крупнейшее за пределами Египта, собрание мумий и саркофагов, Розеттский камень, знаменитое собрание рисунков и гравюр Дюрера, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля, Рембрандта. С 1750 года парижский Palais du Luxembourg, знаменитый дворец Марии Медичи, разрешили посещать два раза в неделю. В La Galerie Medicis находились 24 полотна, которые королева Мария заказала великому фламандскому художнику Рубенсу. С 1993 года они экспонируются в Лувре.


Более двухсот лет назад, в 1714 году Петр I основал первый в России государственный общедоступный музей, Кунсткамеру императорской Академии наук. По распоряжению царя в Россию из Амстердама начали отправлять научную литературу, приборы и инструменты, необычные предметы и препараты. В 1728 году музей и библиотека разместились в специально построенном здании на Стрелке Васильевского острова.

К Международному Дню музеев
 

Экзотические музеи мира, которые предлагают как информацию, так и интересные факты на различные удивительные темы.
Давайте посмотрим на некоторые из самых странных музеев мира.

Музей плохого искусства, США




Cкрытый текст -

Музей плохого искусства, расположенный в городе Массачусетс, США, был основан в 1994 году.
Он посвящен творчеству тех художников, чьи работы никогда не были оценены по достоинству. В этом музее представлены работы знаменитых художников, у которых все пошло наперекосяк, а также странные копии картин других художников.

Подводный музей Канкуна, Мексика



Подводный музей Канкуна, Мексика, — это прекрасный способ получить впечатления под водой.
В музее представлена ​​коллекция из около 500 скульптур в трех различных галереях,
погруженных в воду на глубину от 3 до 6 метров. Скульптуры в музее изготовлены из морских материалов с нейтральным pH.

Мини-галерея бутылок, Норвегия



В музее Mini Bottle Galley, расположенном в Осло, Норвегия, представлен самый большой выбор миниатюрных бутылок в мире.
Всего этих бутылок 53 000, и 12 500 выставлены в более чем 50 исключительных инсталляциях.
Музей представлен в разнообразных формах, размерах и цветах.

Музей кошек Кучинга, Малайзия



Этот музей, расположенный в городе Кучинг в Малайзии. В музее представлено более 2000 экспонатов,
в том числе кот из Египта, которому 5000 лет. Нет нужды говорить, что музей действительно популярен.

Международный музей туалетов Сулаб, Индия



Международный музей туалетов Сулаб, расположенный в столице Индии – Нью-Дели.
Для создания этого музея есть веская причина. Музей намерен настаивать на улучшении
гигиены в странах третьего мира для улучшения общего состояния здоровья.

Музеи Краснодара :

Музей Фелицына

Краснодарский государственный историко-археологический музей-заповедник им. Е.Д.Фелицына – старейшее учреждение культуры и один из первых музеев на Северном Кавказе. В 1879 г. Музей берет начало от Кубанского Войскового этнографического и естественно-исторического музея. В 1931 г. Музей стал Краснодарским историко-краеведческим музеем. В 1961 г. Музей обрел новое здание – памятник архитектуры начала XX в. – особняк купцов Богарсуковых.

У нас в городе, Санкт-Петербурге, очень много музеев (возможно, даже больше чем где-либо ещё).
В своё время я побывал практически во всех.
Поэтому смело могу сказать: обязательно ходите в музеи, расширяйте познания и кругозор,
становитесь эрудированнее и мудрее.
Ведь это всегда очень интересно! :smile:
С Праздником!

Мастер городского пейзажа Сергей Боев
 

Какие точные мазки
Из глубины картины смотрят…
Как будто Бог, сквозь вечность, добрый
Рисует людям их грехи.

Сергей Боев знаком, прежде всего, именно своими картинами улиц, старинных бульваров, колоритных мостовых. Сергей Юрьевич – художник молодой, но уже состоявшийся. Родился в Курске в 1973 году, там же окончил художественно-графический факультет КГПУ. Талант начинающего автора был замечен рано, и уже в 1986 году он стал лауреатом конкурса детских рисунков в Штутгарте (Германия).

Высокая оценка работ Сергея Боева – результат не только трудолюбия, но и необыкновенного природного таланта видеть и отражать на холсте мир в неповторимых образах. Картины Боева фактурны, имеют насыщенную разнообразную палитру, при этом не уходящую в разноголосицу.

Москва. Старая Басманная

На узких улочках
Бьётся сердце города…
Летят века по серой мостовой.
И то, что старикам казалось молодо
Сегодня сеет вечность за собой…

А в этих стенах
Бьётся сердце улицы
И пропадают с возрастом следы
Стоит домишко…
Всё сильней сутулится,
Но окна, как глаза твои, чисты.

Сергей Мырдин

Великолепные игры света и тени, сочетания оттенков создают у зрителя глубокое впечатление насыщенности и объема. Строгие архитектурные формы преобразуются живописцем в особенный мир, в который зритель погружается с непроизвольным восторгом. Особенно удачно художник передает текстуры, воссоздает «мокрый» эффект. Например, картина «Басманная. Москва» (холст, масло, 2013г.) – яркий пример того, как мастерски он обыгран. Зеркальная гладь уличной мостовой «раздвигает» пространство картины, придает сюжету объем, а выбранная цветовая гамма определяет производимое впечатление. Завершают его густые слои краски, четко выраженные фигуры, насыщенные благородные тона – и картина остается в памяти надолго.

Но не только городской пейзаж «фишка» автора: ему блестяще удаются натюрморты, картины цветов. Отдельная тема – клоуны. В этих работах Сергей Боев воплощает замкнутый и неповторимый мир лицедейства с присущим автору колоритом, прочувствованной глубокой красотой.

Посвящаю моему Другу Дмитрию
 

Промозглый Питер легким и простым
Ему в ту пору показался.
Под солнцем сладостным, под небом голубым
Он весь в прозрачности купался.
И липкость воздуха и черные утра,
И фонари, стоящие, как слезы,
И липкотеплые ветра
Ему казались лепестками розы.
И он стоял, и в северный цветок,
Как соловей, все более влюблялся,
И воздух за глотком глоток
Он пил - и улыбался.
И думал: молодость пройдет,
Душа предстанет безобразной
И почернеет, как цветок,
Мир обведет потухшим глазом.
Холодный и язвительный стакан,
Быть может, выпить нам придется,
Но все же роза с стебелька
Нет-нет и улыбнется.
Увы, никак не истребить
Виденья юности беспечной.
И продолжает он любить
Цветок прекрасный бесконечно.

Константин Вагинов 1934

Празднично, легко, воздушно, прорисовано, разноцветно,
искромётно и притягательно!!

Демиденко Сергей Владимирович родился в г. Омске в 1970 году
1982-86г.г. – учеба в ДХШ №1 города Омска.
1991-96г.г. – окончил Омский Технологический Институт Бытового Обслуживания Населения, образование высшее.
Преподаватель рисунка и живописи в ОГИС. Стаж работы на кафедре дизайна, рисунка и живописи - 11 лет.
Демиденко С. В. ведёт учебную работу со студентами. Проводит практические занятия по предмету «Графика по специальности», у студентов I-V курса специализации «Дизайн трикотажных изделий», «Дизайн костюма».
В данное время живет и работает в Омске.
Работает в технике живопись. Тематика его работ – пейзаж, натюрморт, городские мотивы, авангард. Многие произведения художника хранятся в частных коллекциях г. Омска, других городах России и странах Англии, Польши, Германии.

Моему близкому Другу Анете с безграничной благодарностью!
 

Анета, дорогой Друг! :love:
От всего сердца, спасибо тебе за этот прекрасный подарок, за твой красивейший и трогательный пост о Петербурге,
за твоё внимание, и просто за нашу Дружбу!

Моя благодарность безгранична!