Умиление природой -
Признак чувственной души;
Забывая все заботы,
Я тону в её глуши.
Мать - природа, ты прекрасна
И весною и зимой:
Даль твоя порой неясна,
Затуманен горизонт,
И в туманной дымке тает
Зыбкой лентою река;
Уплывая, изчезает
С неба полная луна.
Тих, недвижен воздух чистый
И слышна лишь птичья трель,
Ей откликнется чуть слышно
Одинокая свирель.
День туманы над рекою
Топит солнечным лучом.
Меж лугов бреду тропою,
Забывая обо всём.
Аромат цветов так сладок,
Так дурманит и пьянит,
Что любой души осадок
Он в мгновенье растворит.
А вечернею порою,
В мир неся покой и сон,
Увлекает за собою
Ночь невидимым крылом.

А зимою опьяняет
Свежесть раннего утра
И, алмазами сияя,
На холмах лежат снега.
Воздух чист, как луч надежды,
И прозрачен небосвод;
Лишь в дали - седой, безбрежной,
Тихо облачко плывёт.
День морозен, чист и ясен,
Только слышен звон вдали -
Лихо катит тройка сани,
Отрываясь от земли.
И беспечно вслед за нею,
Искромётна и легка,
Разливается весельем
Песня русская моя.
И в груди защимит сердце -
Так и хочется взлететь
Птицей вольной вслед за песней,
В небесах её допеть.

Даль тиха, леса уснули,
И уж сумерки легли
На поля, и вновь коснулись
Сном окутаной земли.
Спит природа, как младенец,
Только звёздный хоровод
В небе водит юный месяц
И с собой меня зовёт.

Американский иллюстратор Стефани Пуи-Мун Ло
 

Уют домашний и очаг
бросай
Палитру, кисть держи в руках -
дерзай...
Излей на холст мечты и грусть
и цвет...
Не продается? - ну и пусть! -
в ответ...
Край грез, что ты всю жизнь искал
вкушай -
Как бледно-дымчатый опал,
свой рай...

На грани фантастики

Стефани Пуи-Мун Лоу (Stephanie Pui-Mun Law) — громкое имя в мире современного книжного дизайна. Она создает работы по заказу крупнейших издателей, выпускающих книги в жанре фэнтези, а также рисует и разрабатывает оформление для различных настольных игровых систем, связанных с этой тематикой. Кроме того, она нередко выполняет работы по графическому дизайну.

Однажды увидев работы Стефани Лоу, позабыть их невозможно: нежные, романтичные образы и легкие, воздушные сюжеты запоминаются каждому. Ее стиль — очень женственный, загадочный и вместе с тем трогательный и подетски наивный — невозможно перепутать с чьим*либо еще. В какой бы технике она ни рисовала, будь то акварель, карандашный набросок или цифровая иллюстрация, ее работы поражают удивительным ощущением гармонии образов и мастерски сбалансированными композиционными решениями. В своих акварельных иллюстрациях Лоу использует невесомые пастельные тона и тонкие контурные линии, тогда как в ее цифровых работах более насыщенная цветовая гамма, а линии отчетливее и ярче. Сама художница считает, что у обоих методов есть особые свойства и свои достоинства.

Главная тема работ Лоу — фэнтези. Вдохновение художница черпает из мифологии и легенд самых разных культур: греческой, римской, кельтской, индийской и, конечно, китай*ской, поскольку сама Лоу — американка китайского происхождения. По словам Стефани, в своих работах она стремится не просто передать вымышленные образы, но и раскрыть всю их таинственную сущность, погрузить в нее зрителя. «Мифология и фольклор берут свое начало из эмоций, желаний, надежд и веры — чувств, которые оставались неизменными на протяжении тысячелетий во множестве культур и народов, — говорит Лоу. — Есть нечто в мифологических сказаниях, что заставляет людей помнить эти легенды и передавать из поколения в поколение. И я тоже стараюсь отобразить в своих картинах суть этих посланий». Но помимо мифологии художницу вдохновляет и сам процесс создания картин. «Иногда я отключаюсь от всего: от легенд, мифов, скрытых значений, символов и просто работаю, чувствуя в себе огромную потребность рисовать и созидать», — говорит она.

Как рассказывает Стефани, работу над любой картиной она начинает с быстрого карандашного наброска. Это помогает художнице лучше представить себе общую композицию и детали будущей работы. Когда Лоу решает, как примерно будет выглядеть конечный рисунок, она сканирует карандашный набросок, а потом в программе Adobe Photoshop более детально прорабатывает детали и фон изображения. На этом же этапе определяется формат будущей картины. Затем Стефани повышает контрастность изображения, чтобы контуры рисунка сделались едва заметного светло*серого оттенка, и отпечатывает «полуфабрикат» на кальке. Иногда, если Лоу решает сделать картину большой, она отпечатывает работу по отдельным сегментам. Беря за основу тонкие отпечатанные линии рисунка, художница продолжает совершенствовать набросок с помощью простого карандаша, добавляя в картину детали, а порой затеняя отдельные ее участки. к огда набросок окончательно готов, Стефани кладет его лицевой стороной вниз на рисовальную доску и аккуратно проводит по всей поверхности бумажного листа ногтем. Таким образом, под давлением нарисованные карандашом линии переходят на акварельную бумагу, создавая контуры для будущей картины. После этого Лоу начинает рисовать акварелью.

Марго Григорян

Художник Юрий Редозубов
 

Приморский художник Редозубов Юрий Юрьевич с 1987 по 1991 годы учился в известном Владивостокском художественном училище. Далее продолжил свое образование, поступив и закончив Дальневосточный государственный институт искусств.



В процессе обучения живописи в учебных заведениях Юрий Редозубов обратил особое внимание на работы известного французского художника Камиля Коро. Коро считается создателем так называемого "пейзажа настроения". В некотором смысле он предшественник импрессионизма. Сам Юрий говорит об этом следующее: «Мне близок этот взгляд на живопись, когда скупыми средствами он передает всю богатую палитру человеческого настроения и эмоций».



Но при этом Юрию удалось выработать свой узнаваемый стиль. На его картинах мы видим Незатейливые уголки парка, дома и скверы, одинокие деревья, огни и мосты, иногда очертания фигурки человека на пейзаже… Все это просеянное через внутренний мир художника, создает тонкую гармонию настроения, которой проникнута каждая его автора. Он старается с помощью простого сочетания 2-х, 3-х красок создать яркую феерию чувств и эмоций. Чаще осеннюю и немного грустную, но проникнутую глубиной и романтикой.



Ну и, конечно, основная тема его работ - его город Владивосток.
Многие картины автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Julia Velichko - художник с Украины
 

Порой, так хочется поверить в сказку,
забыть реальность, суету и ложь,
и жить иллюзией, которая рисует образ,
тот туманный - мою прекрасную мечту.
Возможно, легче мне так жить,
во что-то верить и кого-то ждать,
и знать, что где-то за туманом…
есть то, что хочется познать.


Попробуем зажмуриться, вдохнуть и ощутить сказочное настроение, что витает в воздухе. Волшебство, оно ведь может состоять и из несбывшейся мечты, робких чувств и надежд. Жизнь здесь и сейчас, в это мгновение прекрасна. Не теряйте её яркости и сочности. Оставайтесь в душе детьми, и мир щедро вознаградит вас красотой.

Художник Елена Королюк
 

Благослови меня на тишину,
завьюженность сердец приняв, как данность.
И в нашу сумасшедшую весну
вплетая кружевную первозданность
порочных снов, дотронься до души,
на поднебесной тверди присягая
её теплу, когда лежит нагая
перед тобой, в обласканной тиши...

Благослови меня на простоту,
бездушность слов, сменяя на объятья.
Аккордами, заполнив пустоту
судьбы моей, забытой у распятья
чужих крестов, колена преклони.
Сними ограниченья и запреты
с любимых губ, когда найдёшь ответы,
вплетая ночь в потерянные дни...

Благослови меня на нелюбовь
забытых фраз прощенья и прощанья.
В затёртость душ укутывая вновь
минутами прошитое молчанье сплетённых рук...
Дыханьем обниму, в твоё «хочу», как в истину поверю!
В заплатах памяти найди свою потерю...
Благослови... меня... на тишину...

Оленька Лазарева

Художник из Полтавы Елена Королюк занимается росписью по шелку. По образованию Елена архитектор, член союза архитекторов Украины. Батиком увлеклась более десяти лет назад. Сначала это было хобби, в свободное от основной работы время, а затем уже профессия. Первая персональная выставка «Танго моего города» состоялась осенью 2011 года.
Елена Королюк отдает предпочтение технике "горячего" батика. Но чаще использует сочетание разных техник. Её работы удивительно эмоциональны, романтичны и нежны. Коснитесь глазами картин и непременно почувствуете душевное равновесие и хорошее настроение.

Художник Яна Фефелова
 

"Смотрит на художника модель,
и во взгляде - торжество, нет грусти,
легкомысленности канитель
иль оттенок подлинного чувства.
Как она юна и хороша
в бальном декольте! И шелк струится,
голубые складки, а душа,
любит и смеется, и стремится.
Сколько можно взглядом передать!
Миллион оттенков и нюансов!
Кисть вздохнула: "Очень молода!
И достойна стансов и романсов!"

Амалия де Льяно-и-Дотрес, графиня Вилчес, кисти испанского художника Федерико де Мадрасо (Federico de Madrazo). Музей Прадо.

Cекретные послания всемирно известных картин (Часть 1)
 

Что на самом деле скрывают всемирно известные картины, или секретные послания, о которых никто не подозревал

Одна из великих вещей в искусстве - это то, что оно всегда открыто для интерпретации. Некоторые из самых известных художников мира намеренно вкладывают в свои картины тайные послания, чтобы подорвать авторитет, бросить вызов аудитории или раскрыть что-то о себе. Сотни лет спустя, благодаря достижениям в области технологий, многие из этих секретных сообщений были впервые обнаружены и выставлены на всеобщее обозрение и обсуждение.

«Тайная вечеря» — картина Леонардо да Винчи.

Если вы читали «Код да Винчи» Дэна Брауна, то знаете, что эта фреска конца XV века работы Леонардо да Винчи была предметом многочисленных спекуляций.
Браун предположил, что ученица справа от Иисуса на самом деле Мария Магдалина, замаскированная под апостола Иоанна. Он также предполагает, что форма «V», которая образуется между Иисусом и Иоанном, представляет собой женскую утробу, а это говорит о том, что у Иисус и Мария Магдалина на самом деле зачали ребёнка естественным путём.
Однако искусствоведы настроены скептически. Многие предполагают, что внешность Иоанна женственна просто потому, что именно так его часто изображали. Именно поэтому, по версии эксперта Марио Таддеи, Леонардо пришлось переписывать «Тайную вечерю», дабы передать максимально точно женственность Иоанна.
Но гораздо более убедительное секретное сообщение было обнаружено итальянским компьютерным техником Джованни Мария Пала. Он утверждает, что да Винчи спрятал музыкальные ноты в «Тайной вечере», которые при чтении слева направо соответствуют сорокасекундному гимну, звучащему как реквием.

«Ночная терраса кафе» — картина нидерландского живописца Винсента ван Гога.

На первый взгляд картина «Ночная терраса кафе» Винсента ван Гога, написанная маслом в 1888 году, выглядит так, как будто это просто то, что описывает название: причудливая терраса кафе в красочном французском городе. Но в 2015 году эксперт по Ван Гогу Джаред Бакстер выдвинул теорию, что картина на самом деле является собственной версией художника «Тайной Вечери».
После тщательного исследования, эксперты акцентировали внимание на центральной фигуре с длинными волосами в окружении двенадцати людей, один из которых, кажется, скользит в тени, как Иуда. Помимо всего этого, специалисты в области истории и искусствоведения, обнаружили на картине странные символы, так похожие на маленькие распятия, одно из которых находится над центральной фигурой, отдалённо напоминающей Иисуса.

3. Пророк Захария

«Пророк Захария» — картина Микеланджело.

Некоторые работы Микеланджело в Сикстинской капелле могли иметь довольно дерзкие скрытые секреты. «Пророк Захария», например, выглядит как фреска с изображением одноименного пророка, читающего книгу, в то время как два херувима заглядывают ему через плечо.
Но если вы посмотрите внимательно, то увидите, что один из ангелов «крутит фигу», то есть когда он кладёт большой палец между средним и указательным пальцами. В основном, это старая версия среднего пальца.
Раввин Бенджамин Блех из Иешива-университета сказал ABC News: «Возможно, это ключ к пониманию того, что Микеланджело на самом деле чувствовал к Папе и факт того, что великий живописец этим самым жестом не колеблясь продемонстрировал человечеству оскорбительное послание, адресованное понтифику».

Cекретные послания всемирно известных картин (Часть 2)
 

Что на самом деле скрывают всемирно известные картины, или секретные послания, о которых никто не подозревал

«Мона Лиза» — картина Леонардо да Винчи.

Шедевр XV века да Винчи - одно из самых узнаваемых произведений искусства в мире, но здесь есть что посмотреть, кроме этой печально известной полуулыбки.
Во-первых, есть некоторые предположения, что загадочная Мона Лиза беременна, учитывая то, как её руки расположены на животе и вуаль вокруг плеч, которую часто носили беременные женщины во времена итальянского Возрождения.
Но самые новые находки с тайными символами кроются в её глазах. В 2011 году итальянский исследователь Сильвано Винчети заявил, что обнаружил на них микроскопически нарисованные буквы и цифры. Он сказал агентству «Associated Press», что буква «L» над её правым глазом, вероятно, означает имя художника.
Но значения буквы «S», которую он видит в её левом глазу, а также число 72 под арочным мостом на заднем плане менее ясны. Винчети считает, что буква «S» может относиться к женщине из династии Сфорца, правившей Миланом, а это означает, что женщина на картине, возможно, не Лиза Герардини, как это уже давно считается. Что касается числа 72, Винчети утверждает, что это может быть связано со значением чисел как в Христианстве, так и в иудаизме. Например, «7» относится к сотворению мира, а число «2» может относиться к двойственности мужчин и женщин.

«Портрет четы Арнольфини» — картина Яна ван Эйка.

Когда вы впервые смотрите на картину «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка, написанную в 1434 году, кажется, что она просто изображает купца Джованни ди Николао Арнольфини и его жену.
Но если вы внимательно посмотрите на зеркало в центре комнаты, то увидите, что в комнату входят две фигуры. Широко распространено мнение, что одним из них должен быть сам Ван Эйк. Вы также заметите, что на стене над зеркалом есть латинская надпись очень сложным почерком, которая переводится как «Ян ван Эйк был здесь. 1434 год».

Загадочное отражение в зеркале.

«Послы» — картина Ганса Гольбейна Младшего.

Картина «Послы» Ганса Гольбейна Младшего, написанная в 1533 году, имеет довольно впечатляющую иллюзию в своём основании. Если вы посмотрите на кривобокое изображение в нижней части картины справа налево, то увидите, что это анаморфический череп. Учёные считают, что это своего рода напоминание о том, что смерть всегда находится за углом.

«Старый гитарист» — картина Пабло Пикассо.

Навязчивое изображение Пабло Пикассо в начале 1900-х годов пожилого человека, перебирающего гитарные струны - одна из самых почитаемых работ его «Голубого» периода (термин, обозначающий серию картин, написанных в оттенках голубого или зелёно-голубого).
Однако в 1998 году исследователи использовали инфракрасную камеру и обнаружили, что под ней находится ещё одна картина, на которой изображена женщина. Теперь, когда краска поблекла, стало легче разглядеть лицо женщины над шеей старика. Но, к сожалению, так и не удалось установить личность этой таинственной особы, скрывающейся под изображением «Старого гитариста».

Cекретные послания всемирно известных картин (Часть 3)
 

Что на самом деле скрывают всемирно известные картины, или секретные послания, о которых никто не подозревал

8. Портрет мадам Икс

«Портрет мадам Икс» — портрет парижской светской красавицы Виржини Готро, написанный художником Джоном Сарджентом.

В 1884 году Джон Сингер Сарджент написал портрет богатой парижской светской львицы Виржини Амели Авеньо Готро. И, как утверждают эксперты, первоначально он изобразил украшенную драгоценными камнями бретельку её платья, соскользнувшую с плеча, но это произведение шокировало высшее общество. Сардженту пришлось вернуть бретельку на место и переименовать картину, чтобы скрыть имя объекта, а также переехать в Лондон, чтобы избежать дальнейших трудностей.

9. Вид песков Схевенингена

Если бы вы посетили Музей Фицуильяма в Кембридже, Англия, между 1873 и 2014 годами, вы бы не увидели этого гигантского выброшенного на берег кита, изображённого на картине «Вид морского берега Схевенинген» Хендрика ван Антониссена.
А всё потому, что понадобилось почти сто сорок лет, чтобы заметить, что в произведении искусства кучка людей собирается в группу и смотрит в никуда. Когда Шань Куан (ассистент и научный сотрудник Associate Conservator of the Kress Program in Paintings Conservation) сняла слой жёлтого лака, восстанавливая пейзаж 1641 года, она обнаружила выброшенного на берег кита и разгадала тайну собравшихся на берегу людей.

10. Весна

Истинный смысл шедевра «Весна» Сандро Боттичелли оспаривается. Но широко распространено мнение, что на каком-то уровне это произведение искусства олицетворяет собой праздник Весны и плодородия, которое приносит сезон.
Картина действительно имеет тайные прелести для любителей садоводства. Ботаники выявили по меньшей мере двести различных видов растений в «Весне», которые представлены в конкретных деталях.

Cекретные послания всемирно известных картин (Часть 4)
 

Что на самом деле скрывают всемирно известные картины, или секретные послания, о которых никто не подозревал

11. Мир вверх тормашками

«Нидерландские пословицы», или «Мир вверх тормашками» — картина Питера Брейгеля Старшего.

Картина Питера Брейгеля Старшего «Нидерландские пословицы», написанная в 1559 году, также известна как «Мир вверх тормашками» - по мнению экспертов, содержит по меньшей мере сто двенадцать опознаваемых пословиц, действующих в ней. Некоторые из них являются идиомами, которые мы всё ещё используем, например, «плыть против течения», «биться головой о кирпичную стену», «вооруженный до зубов» и другие.

12. Урок музыки

«Урок музыки» — картина Яна Вермеера.

По мнению искусствоведов, большая часть работ Яна Вермеера полна тайных символов с сексуальным подтекстом. Например, в «Уроке музыки» кажется, что женщина на картине смотрит вниз на клавиши пианино, но на самом деле она отворачивается от него, чтобы встретиться взглядом со своим учителем, как вы можете видеть в зеркале над ней. Вино на столе также является возбуждающим средством, а струнный инструмент на полу можно рассматривать как фаллический символ. Но кто знает, что на самом деле художник имел в виду, когда писал эту картину. Быть может, его посыл был совсем иным и ничего предосудительного в этой работе нет.

13. Постоянство памяти

«Постоянство памяти» — одна из самых известных картин Сальвадора Дали.

Учитывая, каким гениальным художником-сюрреалистом был Сальвадор Дали, естественно предположить, что плавящиеся часы в его картине 1931 года «Постоянство памяти» являются намёком на теорию относительности Альберта Эйнштейна.
Но, как оказалось, часы на самом деле были вдохновлены мягким жирным сыром «Камамбер». Поэтому, большинство экспертов склоняются к той версии, что, знаменитые плавильные часы - это не что иное, как нежный, экстравагантный и одинокий параноидально-критический Камамбер времени и пространства.

Cекретные послания всемирно известных картин (Часть 5, заключительная)
 

Что на самом деле скрывают всемирно известные картины, или секретные послания, о которых никто не подозревал

14. Звёздная ночь

«Звёздная ночь» — одна из наиболее известных картин Винсента ван Гога.

В своём выступлении на конференции TED в 2014 году научный сотрудник Наталья Сент Клер объяснила, как движение в картине Винсента Ван Гога 1889 года «Звёздная ночь» намекало на чрезвычайно сложную математическую концепцию, называемую турбулентным потоком, за десятилетия до того, как учёные открыли её.
«В 2004 году, используя космический телескоп Хаббла, учёные увидели вихри далёкого облака пыли и газа вокруг звезды, и это напомнило им «Звёздную ночь» Ван Гога», - объясняет Сент Клер. Это побудило учёных изучить картины Ван Гога в деталях, и, когда они это сделали, они обнаружили, что существует отчётливая картина турбулентных текучих структур, скрытых во многих работах легендарного живописца.

15. Поляна с травой

«Поляна с травой» — картина Винсента ван Гога.

Картина Ван Гога 1887 года «Поляна с травой» ярко воссоздаёт динамичную пасторальную сцену, но это ещё не всё.
В 2008 году голландские учёные Йорис Дик и Коэн Янссенс впервые применили рентгеновский метод, который помог им обнаружить скрытый портрет крестьянки, погребённой под травинками. Ван Гог был известен тем, что закрашивал свои ранние работы, и, по данным The Guardian, эксперты оценивают, что около трети его первоначальных произведений имеют скрытые композиции, замаскированные под ними.

Американский художник Томас Шаллер
 

Многократно отмеченный наградами художник, архитектор и автор Томас В. Шаллер (Thomas W Schaller) рисует акварелью уже более 35 лет. Он выставляется и преподает по всему миру и является подписным членом AWS, NWS, TWSA, избранным художником-членом Калифорнийского художественного клуба, клуба Salmagundi и Международного альянса мастеров акварели. Он является почетным президентом Американского общества архитектурных иллюстраторов, советником журнала American Watercolor Weekly и членом-основателем Североамериканской ассоциации акварелистов. Том живет в Лос-Анджелесе.


Томас Шаллер демонстрирует, как выйти за пределы того, что на самом деле видит глаз, чтобы представить уникальное видение.


Всё начинается с намерения. И под «намерением» художник имеет в виду очень личный, внутренний процесс, когда он решает что-то запечатлеть на бумаге. И здесь важно соединение ума и интуиции – головы и сердца. На что он смотрит? И что он там видит? Как это заставляет его реагировать? И что в конечном счёте он хочет сказать своей картиной?
Картины должны рассказывать зрителю какую-то очевидную, явную историю и вдохновить зрителей начать рассказывать свои собственные истории. При этом Томас Шаллер никогда не рисует то, чего не испытал лично. Наблюдение за реальным миром абсолютно необходимо для него, чтобы иметь хоть какую-то надежду на то, что мего картины передадут какой-то смысл его уникальной личной реакции на мир вокруг меня.


Любому художнику требуется целая жизнь, чтобы начать полностью понимать, что он или она может предложить как художник. Что касается меня, я пришел к пониманию, что некоторые предметы лучше оставить в покое. Они могут стать прекрасным воспоминанием, отличной фотографией, но не обязательно великой картиной. Или, возможно, они лучше всего подходят для другого художника, чем я. Я искренне верю, что работа художника заключается в том, чтобы делать больше, чем просто изображать мир вокруг нас. Мы должны стремиться интерпретировать его и делать это так, как это можем сделать только мы, - говорит Томас Шаллер. Я считаю, что работа художника состоит в том, чтобы интерпретировать то, что он или она видит, а не просто имитировать это. Кроме того, художник должен попытаться выразить то, что чувствует объект, а не только то, что он видит. Существуют разные формы реальности. Наблюдаемая реальность субъекта — это одна форма, но есть и реальность картины, являющаяся результатом этого наблюдения. Эта реальность важнее, потому что именно здесь слышен голос художника.

!!!
 

Ф. П. Решетников "Опять двойка"
 

Мы все учились понемногу
Чему-нибудь и как-нибудь,
Так воспитаньем, слава богу,
У нас немудрено блеснуть.

А. С. Пушкин "Евгений Онегин"

В. И. Суриков "Меншиков в Берёзове"
 

...Не быть тебе в Москве, не жить тебе с людьми.
Подалее от этих хватов,
В деревню, к тетке, в глушь, в Саратов,
Там будешь горе горевать...

А. С. Грибоедов "Горе от ума"

В. В. Пукирев "Неравный брак"
 

Любви все возрасты покорны;
Но юным, девственным сердцам
Ее порывы благотворны,
Как бури вешние полям:
В дожде страстей они свежеют,
И обновляются, и зреют -
И жизнь могущая дает
И пышный цвет и сладкий плод.
Но в возраст поздний и бесплодный,
На повороте наших лет,
Печален страсти мертвой след:
Так бури осени холодной
В болото обращают луг
И обнажают лес вокруг.

А. С. Пушкин "Евгений Онегин"

Московский художник Александр Стародубов
 

Александр Стародубов родился в 1959 г. в Москве, в семье военного дипломата и карьера военного была для него предопределена еще с детства. Так и произошло. Сначала МАИ (1977), затем служба офицером в ВС, учеба в Академии Ракетных войск им. Петра Великого, продвижение по службе.

И когда, казалось, впереди только звезды и успех, Александр круто меняет свою судьбу. Он увольняется из армии (1990) и выбирает непростую стезю художника московского Монмартра – свободного Старого Арбата, из которого впоследствии вышло немало известных талантливых живописцев.В работе использует смешанную технику: темпера, акрил. Стал художником, ибо это было делом случая, или генной предрасположенности. Профессионально рисует с 1988 года после увольнения из армии. До этого я был художником-любителем.



Картины Александра Стародубова завораживают любителей московской старины – на них город выглядит неотразимо красивым своими старинными особняками, узкими улочками, какой-то невыразимой прелестью заснеженных деревьев и туманного горизонта.



Александр не "фотографирует", а пишет только такую – свою старую Москву. Почти без людей, неторопливую, зимнюю или осеннюю. Обычно запорошенную легким снежком, с деревьями, тронутыми инеем. Почти без ярких красок, но очень красивую своей старомосковской архитектурой особняков. В своем творчестве он возвращается к истокам городского пейзажа – подальше от современного, динамичного, стеклянно-бетонного мегаполиса… Все время пытаешься понять – где списан тот или иной сюжет? Видишь знакомые архитектурные объекты, церкви, дома, но и не узнаешь улицу… Оказывается, что вся эта "Москва Стародубова", так похожа на реальность, – по существу плод воображения художника.





Его произведения экспонируются на многих выставках, находятся в различных коллекциях в России и за рубежом. Серию работ приобрел музей Булгакова в канадском Торонто, чтобы показать посетителям дух старой сказочно-фантастической Москвы.

Современный художник Испании Рикардо Санз
 

Чем покоряют элегантные портреты и атмосферные пейзажи одного из самых дорогих современных художников Испании: Рикардо Санз

В современном мире искусства испанского живописца Рикардо Санзасчитают самым востребованным и дорогим художником, который в каждое полотно вкладывает частичку своей утонченной души и художественный талант, достойный всяких похвал. Он настолько мастерски пишет невероятно воодушевлённые портреты и пейзажи в стиле реализма и импрессионизма масляными красками в акварельной технике, что и вправду кажется - будто перед нами акварель. Великолепная галерея картин знаменитого испанца - в нашей публикации.

Рикардо Санз (Ricardo Sanz) - художник-портретист и пейзажист, удостоенный Национальной Культурной премии Фонда Гойя и медали Пола Харриса, первый официальный художник принца Астурийского и достойный представитель современной школы испанской живописи. Его картины созданы под влиянием баскских и французских импрессионистов. В своем творчестве он успешно продолжил традиции именитых художников, таких как Хоакин Соролья и Джон Сингер Сарджент.

Рикардо Санз (Ricardo Sanz) - испанский художник-портретист и пейзажист в своей мастерской. Работа над портретами короля Филиппа и Доньи Летиции.

Талантливые работы испанца погружают зрителя в атмосферу естественности и красоты, а также невероятно впечатляют манерой письма, оригинальной техникой исполнения и особой элегантностью в написании образов. Совмещение таких техник, как реализм и авангардный импрессионизм, породили замечательное искусство, которое характерно только для этого испанского мастера. Авторский почерк Рикардо настолько ярок и уникален, что спутать его с кем-либо еще - просто невозможно.

«Король Испании Филипп VI с дочерью инфантой Леонор».

За долгую творческую карьеру Рикардо Санз получил признание выдающихся представителей мира культуры, политики и аристократии. И члены королевской семьи – не единственные личности, которых изобразил испанский художник. Для Санза позировали актриса Лола Эррера, президент Баскского парламента Арантха Кирога, семья Фернандес-Ордоньес и другие представители отечественной элиты.

О художнике

Рикардо Санз - родился в 1957 году в престижном курортном городе Доностия-Сан–Себастьяне (Испания) в творческой семье, тесно связанной с миром искусства. Дедушка Рикардо в свое время владел галерей искусств La Perfecta и был дружен с такими выдающимися художниками его эпохи, как Хоакин Соролья, Игнасио Сулоага, Даниэль Васкес Диас. Их работы частенько выставлялись в его галерее. Свою любовь к живописи дед передал и внуку, решившему посвятить себя профессии художника.

Портреты детей.

Творческий путь Рикардо Санза начался в 14 лет. Именно в это время он начал брать уроки у живописца Хосе Кэмпса. Затем последовал университет Deusto, где юноша получил не только диплом по специальности История искусства, но и первоначальный опыт работы над портретами.

Портреты

Затем была учеба в столице, где и сформировалась манера художника в работе над пейзажным и портретным жанрами. Позже Рикардо обучался живописи и во Франции, и в Италии у выдающихся художников того времени. В 1980 году вернувшись в Мадрид и основав свою студию, добился успеха, признания и вошёл в круг современных художников Испании. Начиная с 1982 он много раз выставлялся в Мадриде, Париже и Сан-Себастьяне, получал многочисленные награды.

Не забывает художник и о своей малой родине. Он всегда тесно связан с Сан-Себастьяном, своим родным городом, где проводит долгие периоды своей жизни, создавая великолепные атмосферные пейзажи.

Современный художник Испании - Рикардо Санз (Часть 2)
 

Чем покоряют элегантные портреты и атмосферные пейзажи одного из самых дорогих современных художников Испании: Рикардо Санз

Твочество художника

Выбор тематики для творчества - это, безусловно, один из самых важных аспектов в карьере любого художника. Именно от нее зависит, насколько он сможет привлечь зрителя к своей персоне и насколько глубоко будет раскрыт его талант. Для Рикардо одинаково беспроигрышными темами оказались и сюжетная, и пейзажная, и портретная живопись.

«Утренний разговор»

Глядя картины раннего периода испанского художника, сложно не заметить влияния французских и баскских импрессионистов. Отсюда доминирование мягких спектров серых, сиреневых и фиолетовых оттенков, возникшие под влиянием природы севера Испании и его родного города. Однако в более позднем периоде заметно как автор постепенно перешёл к колористической живописи, в которой на первое место выдвинулись сила и чистота мазка.


Питая особое пристрастие и интерес к людям, художник создал целую галерею портретов, где главные герои рассказывают не только самые правдивые, но и эмоциональные истории о своей жизни и чувствах. Интересные сюжеты, прекрасные композиции, характер, страсть, красота движений и поз героев его полотен говорят о большом таланте автора.


Образы в работах художника не лишены эмоций. Их взгляды излучают глубокую задумчивость и интеллект, тепло и душевность, которой порой так не хватает в повседневной жизни. Зритель буквально проникается душевным состоянием каждого человека, изображённого на холсте. Яркие образы автор весьма выгодно дополняет эффектным колоритом, элегантным мазком, глубиной атмосферы и экспрессией.

«Портрет - это нарисованная биография». В этом предложении резюмируется то, что я ищу, когда человек сидит передо мной...» -

Особо обращает на себя внимание техника в которой работает художник. Как правило, это чистые локальные цвета, размашистые мазки и расплывчатость, которая сродни акварельной технике. Также в каждой работе мастера прослеживается великолепная игра света и тени, тщательно проработанные детали. И наряду с этим зрителя впечатляет некоторая недописанность картин художника: нарочито оставленный местами открытый грунтованный холст, подчеркивающий живость изображаемого.

В портретах Рикардо Санз уделяет большое внимание рукам и лицу моделей, делая акцент именно на них. По мнению мастера – это главные идентификаторы личности. Лицо и руки – детали полотен, которые во многих работах имеют завершенный вид. В это же время остальная часть композиций остается довольно свободной и распущенной.

в кафе

Отдельно нужно сказать о городских пейзажах, которые потрясают высоким мастерством, погружая зрителя в атмосферу естественности и красоты. Многие свои пейзажи художник создает в диапазоне мягкой серо-голубой цветовой гаммы, которая присутствуют во влажной атмосфере его родного города. И эти дождливые пейзажи будто приглашают нас прогуляться под зонтиком, и в полной мере ощутить влажный воздух романтических прогулок.

«Утро на мосту», 2004 год.

«Снег в Мадриде», 2001 год.

Прогулка с гортензиями.

Но есть у испанского живописца и пейзажи, несущие в себе нескончаемый поток солнечного тепла и приятной задумчивости, от которой на душе становится по-настоящему светло и тепло. «Я стараюсь во всех своих картинах вкладывать душу независимо от того, чему посвящен главный герой. Я вкладываю душу во все свои работы», – говорит художник о своей живописи.

Голландско-бельгийский жанровый художник Петрус Ван Шендель (идея от kassatka)
 

Петрус Ван Шендель (традиционное написание — правильно Схендел) (1806—1870) — голландско-бельгийский жанровый художник в стиле романтизма. Специализировался на ночных сценах, освещённых лампами или свечами, за что получил прозвище «господин Канделябр».

Рынок при свечах, 1869

Продажа овощей на ночном рынке,1843.

По совету друга семьи, отставного армейского офицера, отец отправил его учиться в Королевскую Академию изящных искусств в Антверпене. Он обучался там с 1822 по 1828 гг. у художника исторического жанра Маттеуса Игнациуса ван Бре, и по окончании получил золотую медаль за картину «Перспектива».
Получил известность как портретист, часто переезжал: жил в Бреде (1828-29), Амстердаме (1830-32), Роттердаме (1832-38) и Гааге (1838-45). Был постоянным участником Выставки живых мастеров и различных «Трехгодичных салонов» в Антверпене, Брюсселе и Генте. В 1834 г. был назначен членом Королевской Академии изящных искусств в Амстердаме.

Продавец рыбы

С 1845 г. он поселился в Брюсселе. Его студия была разделена на хорошо освещенное пространство, где он писал свои картины, и затемненное пространство, где ему позировали модели. Он завоевал несколько медалей на выставках в Париже и Лондоне в конце 1840-х годов. Некоторые из его работ были куплены королем Леопольдом I. Он также опубликовал учебные труды, посвящённые перспективе и выражению лица.

Мать и ребенок на ночном рынке

Писал библейские сюжеты, пейзажи в лунном свете, а также жанровые произведения и традиционные портреты. Многие из его произведений были выполнены также в китайском стиле живописи тушью (гохуа) и в виде гравюр. В 1869 году он создал несколько экспериментальных картин, освещенных электрическими дуговыми лампами.
Помимо искусства, он интересовался механикой паровых двигателей, и в 1841 году запатентовал прибор для улучшения лопастей пароходов. Также разработал предложения по улучшению поперечной устойчивости вагонов и восстановлению торфяников в Де Кемпене.
Был женат три раза, имел пятнадцать детей, из них тринадцать от первой жены, Елизаветы, которая умерла в 1850 году.

Чтение при свечах

Речной пейзаж в серебристом лунном свете, 1846

Воскресная картина Ванвителлианской галереи
 

1) Эпоха
Мы с вами посетили золотую эпоху сентиментализма: слёзы над стихами,
умиление от красивого цветка и пения птиц, любование рассветами и закатами.
В надлежащее время девушки падают в обморок, показывая тем самым тонкость чувств
и душевную ранимость, беззащитность, хрупкость и нежность существа.

2) Живопись как поэзия
Еле уловимая улыбка, пленяющая нежная меланхоличность, томность и грустная мечтательность,
необыкновенная мягкость и свежесть черт лица,
внутренняя гармония, спокойствие и счастье, душевная прелесть и лирическая красота.
Простота и естественность. Непосредственность и таинственное очарование.
Взгляд приковывает к себе внимание, держит в напряжении, манит, притягивает.
Мы смотрим на очень поэтичный портрет. И он велит нам остаться рядом с ним.

Ее уж нет! Всё было в ней прекрасно!
И тайна в ней великая жила…
(Н.Языков)

3) Мария Лопухина
На портрете изображена 18-летняя графиня Мария Лопухина, имевшая такую фамилию по мужу –
28-летнему Степану Лопухину, за которого вышла замуж незадолго до этого.
Степан служил егерем и действительным камергером при дворе Павла Первого,
что делало его завидным женихом.
Дед Степана был двоюродным братом первой жены Петра Первого – Евдокии Лопухиной (1689).
В связи со свадьбой Степана и Марии Павел I даровал Степану Авраамовичу звание егермейстера (единственный при дворе!),
соответствующее в табеле о рангах военному чину генерал-лейтенант.
Пишут, что в браке Мария счастлива не была, по некоторым свидетельствам муж её
оказался человеком достаточно грубым, совершенно не близким ей эмоционально.
Проверить это сложно, но более точным является тот факт, что эта картина была его
свадебным подарком молодой жене – прямо скажем, царским подарком,
ибо портрет был заказан прославленному Владимиру Боровиковскому.

4) Владимир Боровиковский
1797 год. Фотоаппаратов нет – ни в смартфонах, ни в виде отдельных устройств.
Остановить мгновение могли только художники. На мой взгляд, все отцы,
у которых были деньги и дочери, просто обязаны были идти к художникам.
И у лучших из них заказы должны были быть расписаны на многие месяцы вперед.
Русский художник Боровиковский был, пожалуй, лучшим и самым востребованным
на тот момент художником-портретистом. Были у него заказы и от царственных особ.
В 1795 году за портрет великого князя Константина Павловича, второго сына императора Павла I,
он был удостоен звания академика живописи – высшего звания для художника в России.



5) Картина
На момент написания картины Лопухины жили в Петербурге,
в Смольном институте благородных девиц обучались две младшие сестры Марии.
Мария Лопухина позировала художнику всего пару раз в мастерской.
В те времена портреты дописывались уже без модели, платья одевались на манекены, а фон придумывался.
Если, глядя на этот портрет, вы умудритесь отвести глаза ещё и на фон, то увидите там
колосья ржи, стволы берез и голубые васильки.
Утверждается, что национальный русский пейзаж был изображён на портрете впервые.
Справа от руки Марии мы видим розу, которая вторит нежному румянцу на щеках девушки.
Но кажется, что первые признаки увядания уже тронули цветок. Увы, красота недолговечна не только для цветов.

6) Русская Джоконда
Иногда портрет Марии Лопухиной называют Русской Джокондой.
Картины объединяет магнетизм взглядов, загадочность блуждающей улыбки и некая тайна, которую до конца невозможно постичь.



И на викторинах для школьников среди вариантов ответа на вопрос "Какую картину написал Леонардо Да Винчи?"
учителя, чтобы усложнить вопрос, наряду с Моной Лизой непременно упоминают Потрет Лопухиной
(и кстати, не забывают и знакомый всем нам образ Незнакомки Крамского. Россия – огромная страна, не Италия какая-нибудь,
русских Джоконд должно быть минимум две).

7) Толстая
От рождения и до замужества фамилия Марии была Толстая.
Первый вопрос, который возникает в таких случаях, а нет ли тут родственных связей
с великим Львом Николаевичем? Они есть.
Отец Марии – отставной генерал-майор (бригадир) Иван Андреевич и дед Льва Толстого по отцу –
Илья Андреевич, были родными братьями.
Таким образом, она приходилась великому русскому писателю двоюродной тетушкой.
Увы, женщина, не оставив потомства, скончалась в 24-летнем возрасте (1803) от чахотки –
смертоносной болезни, преждевременно унесшей множество людей того времени,
включая нескольких персонажей моих выпусков.
И со Львом Толстым как тетушка Мария не встретилась.
И согласитесь, эта встреча совсем не представляется визуально: милая девушка
и её племянник - писатель, который родился сразу в 40 лет и бородатым.

8) Болезнь
XIX век. Каждый десятый житель городов умирал от чахотки - так в прежние времена называли туберкулёз.
Эта болезнь не считалась непристойной болезнью, следствием нищеты и обездоленности.
Напротив, полагали, что чахоткой заболевают люди, обладающие особо тонкой
и ранимой душевной организацией.
От этой болезни умерли старшая дочь императора Николая I Анна,
сыновья императоров Александра II и Александра III Николай и Георгий,
супруга императора Александра II и мать императора Александра III Мария Александровна.
И был в протекании этой болезни этап, когда больная чахоткой девушка – становилась тонка и изящна,
бледна и задумчива, с совершенно очаровательным чахоточным румянцем и аристократическим блеском глаз.
Чтобы получить этот вожделенный горящий чахоточный взгляд, иные дамы закапывали в глаза белладонну.
Художник Михаил Нестеров в своей знаменитой картине "Видение отроку Варфоломею" в качестве модели для отрока
(будущего Сергея Радонежского) выбрал болезненную чахоткой девочку.



9) Кто виноват
Довольно любопытную возможную причину заболевания Марии излагает один из исследователей.
Всему виной – её платье. В то время появляется мода на новые платья,
шившиеся из необыкновенно тонкого материала – муслина и выглядевшие как воздушные.
Платья плотно облегали фигуру, но совершенно не грели тело. А модницы носили их и зимой, и летом.
В промозглом балтийском климате Петербурга такие платья приводили к многочисленным воспалениям легких и
чахоткам, от которых петербургские красавицы умирали.
Мне возразят – приличные дамы ходят в корсете. А я вам отвечу.
Постоянное ношение корсета деформировало грудную клетку.
В корсетах нижние отделы лёгких сдавливались, дыхание становилось поверхностным,
и кислорода из воздуха организм получал меньше.
По подсчетам доктора Штратца, лишь пять девушек из 100 оставались вполне здоровыми
и красивыми при постоянном шнуровании корсетом, а 95 других делались больными.

10) "Как всё было на самом деле"
Рубеж 18 и 19 веков. Социальных сетей и интернета – нет, сериалов и телевидения – нет.
Да что там, электричества нет! О чем говорить женщинам при встрече?
О! какие же рождались в этих условиях слухи! Так и почва была для этого благодатной.
Ведь отец Марии, граф Иван Толстой, увлекался мистицизмом, оккультизмом и был магистром масонской ложи.
Очевидно, Иван Андреевич слишком далеко продвинулся в оккультных знаниях,
и его дочь умерла в наказание за дерзость перед высшими силами.
Однако ему удалось (с помощью заклинаний, конечно) поместить дух умершей дочери в этот портрет.
И теперь если молодые девушки взглянут на картину, то вскорости умрут.
По версии салонных сплетниц, портрет Марии погубил не меньше десяти дворянок на выданье.
В 2021 году на сайте мужского журнала "Максим" была опубликована статья
"7 картин, приносивших несчастья своим владельцам". И в эту подборку наряду с картинами
"Плачущий мальчик", "Ночной кошмар", "Истязаемый человек"
вошёл и этот портрет очаровательной женщины.

11) Фёдор Иванович Толстой
Сколько бы мы здесь ни говорили о Марии, без портрета это будет просто Мария.
Совсем другие слова мы можем сказать (и уже частично сказали в ИД7/17) о её младшем брате – Фёдоре,
которого называют одним из самых неоднозначных представителей русской аристократии первой половины XIX века.
Есть о нём несколько строк и в грибоедовской пьесе "Горе от ума" (1825).

Но голова у нас, какой в России нету.
Не надо называть, узнаешь по портрету:
Ночной разбойник, дуэлист,
В Камчатку сослан был, вернулся алеутом,
И крепко на руку нечист.

Можно сказать, что случайное отсутствие Федора Толстого в Москве в сентябре 1826 года спасло Пушкина от смерти.
В 1820 году Федор Толстой распространил в Москве слух,
будто Пушкина перед отправлением в ссылку выпороли в охранном отделении.
В 1826 году Пушкин, после возвращения в Москву из ссылки, велел передать Федору Толстому вызов на дуэль.
Дуэли помешало тогда лишь случайное отсутствие Толстого в Москве.
Благодаря Толстому неубитый Пушкин написал Маленькие трагедии (1830), Дубровский (1832),
Пиковая дама (1833), Капитанскую дочку (1836) и многое другое.
О том, что дуэль могла закончиться иначе, и речи не шло: если Пушкин до Дантеса
даже не ранил никого на своих многочисленных дуэлях, то Федор Толстой на них убил 11 человек.
С другой стороны, Толстой (в отличие от, чёрт побери, Дантеса) знал, что убийство Пушкина
наверняка разорвёт его отношения со многими известными поэтами, дружбой которых он дорожил,
и отношения с поэтом больше не обострял и даже примирился с ним.

Разносился звук эха по лесу
От десятков и сотен пощёчин
На дуэль вызывали Дантеса,
Все поэты России по оче…

В 1829 году Пушкин поручил Федору Толстому передать письмо его знакомой и своей будущей тёще, Наталье Ивановне Гончаровой,
в котором он в первый раз (безуспешно) просил руки её 17-летней дочери Натальи (ИД9/6).



12) Прасковья Толстая
XIX век. Ужасающая детская смертность.
У Федора Толстого было двенадцать детей, однако зрелого (читай – 18-летнего) возраста
достигла лишь одна дочь Прасковья. Впоследствии она стала супругой московского
"гражданского" губернатора Василия Перфильева
(главным по Москве в то время был более статусный генерал-губернатор Владимир Долгоруков)
и дожила до 1887 года. Именно в их доме как семейная реликвия и хранился этот портрет до того,
как на него обратил свое историческое внимание создатель национальной галереи живописи
коллекционер Павел Третьяков, выкупивший её где-то между 1885 и 1890 годами.



13) Павел Третьяков
Из воспоминаний дочери Павла Третьякова: "У него было несколько чудесных портретов работы Боровиковского,
из которых особенно любили мы Лопухину".
Репродукция этой картины, по-моему, была в одном из школьных учебников.
Портрет практически никогда не покидает стены галереи. Он побывал всего на двух выставках,
да и то в пределах Москвы. Многие зрители приходят в Третьяковку полюбоваться именно портретом Марии Лопухиной.
В ХХ веке ни одной смерти от портрета зафиксировано не было.
Для картин Боровиковского в Третьяковской галерее выделен отдельный зал.
В нём есть портрет женщины и более, на мой взгляд, красивой - Елены Нарышкиной
(возможной героини одного из будущих выпусков).
Но если вам нужно посмотреть на необыкновенное очарование – вам нужна Мария. Мария Лопухина.

Очарованье красоты
В тебе не страшно нам:
Не будишь нас, как солнце, ты
К мятежным суетам;
От дольней жизни, как луна,
Манишь за край земной,
И при тебе душа полна
Священной тишиной.
(Е.Баратынский)

Художник - импрессионист Гай Дессапт
 

Парижский свет... Ах, как он манит
Волшебной магией цветов -
То, не стыдясь, в глаза заглянет,
То втайне бросит искру в кровь.

То робко спрячется в тумане,
Сверкая струйками дождя...
То вдруг потопит в океане
И вновь отступит, вдаль скользя.

Парижский свет играет с тенью,
Как чародей в стране чудес -
То солнцем ослепит в мгновенье,
То вспыхнет молнией с небес.

То на ветру взлетит вуалью,
Плескаясь в радужных лучах...
То звездною мерцая далью,
Опять опустится во мрак.

В Париже ночь...С тобою вместе
Плывем по Сене средь огней...
Ты знаешь, что в парижском свете
Моя любовь еще сильней?!





Гай Дессапт (Guy Dessapt) родился в 1938 году во Франции. Его способности к живописи проявились еще в детстве, а затем его талант был высоко отмечен в Парижской Школе Искусств. Guy работает в уникальном ярком стиле импрессионизма. Любимый жанр художника — городской пейзаж. Многие считают, что G.D волшебник, к которому ходят в гости, чтобы вернуться в лучший город на земле — Париж.





Осень… осень… Весь Париж,
Очертанья сизых крыш
Скрылись в дымчатой вуали,
Расплылись в жемчужной дали.
В поредевшей мгле садов
Стелет огненная осень
Перламутровую просинь
Между бронзовых листов.
Вечер… Тучи… Алый свет
Разлился в лиловой дали:
Красный в сером — этот цвет
Надрывающей печали.
Ночью грустно. От огней
Иглы тянутся лучами
От садов и от аллей
Пахнет мокрыми листами.
Максимилиан Волошин

В изображениях Парижских улиц автор намеренно избегает частого показа Эйфелевой башни, тогда как другие улочки изображает с разного ракурса многочисленное количество раз в любые времена года... Для него путешествие по Парижу — это рассказ о прогулке двух влюблённых...

Честно не знаю, но меня реально эта картина чем то цепляет..

«Влюбленные» Рене Магритт

Страсть ослепила просто их.
По характерным складкам ткани
Мы видим это средь двоих,
Что на картине перед нами.
Художник не открыл их лиц,
Чтоб не раскрыть любви секреты
Ведь слепота их без границ.
Все отвергаются советы.
Они не могут замечать
Того вокруг, что окружает.
И не способны понимать
Того, что вскоре ожидает.
И далеки от всяких дум.
Их цель друг другом насладиться
Здесь отступает здравый ум.
Одно желанье только — слиться.
Они не видят ничего
И это им совсем не надо..
Для буйства чувства своего
Два слоя ткани — не преграда.

Ханин Борис

Воскресная картина Ванвителлианской галереи
 

1) Портрет
И вновь мы можем сказать, что смотрим на один из лучших женских портретов,
написанных Владимиром Боровиковским. Когда умелому художнику позируют
прелестные юные особы, любой портрет будет одним из лучших.
Картина написана в легкой манере и вызывает приятные эмоции.
Других картин в этой теме и быть не может, ибо именно мы являемся Третьяковыми, собирающими эту галерею.
Серо-зеленые глаза, роскошные каштановые кудри, рассыпающиеся на плечи, фарфоровая кожа, легкий румянец.
Барышня изображена на фоне природы, что передает лирическое и немного грустное настроение.
А какое настроение ВЫ принимаете от картины?
У портрета Елены есть несколько подобий с предыдущим рассмотренным мною портретом –
Марии Лопухиной. Выделим три из них.
а) Рядом с прелестной девушкой художник изображает розы –
символ юности, духовной красоты, чистоты и свежести нашей героини.
Сорвав одну из роз, Елена показывает нам, что всем этим набором она обладает.
б) Одно единственное небольшое украшение – на этот раз жемчуг, на левом рукаве.
Дамы нашего времени сравнили его с жемчугом, лежащим поверх ткани у Коко Шанель.



На Шанель всегда гроздья жемчуга и не случайно. Одна ниточка жемчуга на плотной, ткани смотрится как сопля.
Получается не освежающий эффект, а обедняющий. Бриллианты распродали, осталась вот последняя ниточка.
Есть и такая сторона взгляда.
в) Опора
Женщина, одиноко стоящая на портрете, выглядит не так, как её хочет видеть художник, да и мы вместе с ним.
Женщине нужна опора. Лучшей опорой для женщины всегда был мужчина.
На индивидуальных нелицевых женских портретах выход из положения находился в виде "консоли".
Это мы видели в очаровательном портрете Марии Лопухиной, это мы видим и здесь.

Но главное притяжение картины, конечно же Елена.
Томный и загадочный взгляд девушки вызывает желание побольше узнать о ней, о том, как сложилась её жизнь.

2) Елена Нарышкина
На портрете изображена Елена Нарышкина - старшая дочь Александра Нарышкина и Марии Сенявиной –
особ, приближённых к императору Павлу I. Елена была к тому же внучкой адмирала Алексея Сенявина (1775).
Подчас с определением возраста женщины на глаз может произойти конфуз.
Мне казалось, что на картине изображена молодая женщина, но в конце 18 века все было не так как сейчас.
Елене на картине 14 лет. Менее чем через год она выйдет замуж.
С юных лет она была фрейлиной двора. Елена обладала красивым по тембру голосом и изучала музыку.
Девушка блистала своей красотой. У неё было много поклонников и ей это нравилось (я так думаю).

3) Родители
Женщин, находящихся при дворе, не звали женщинами.
Во времена Павла I (а мы находимся именно в этих временах) действовали следующие чины:
обер-гофмейстерина (1), гофмейстерина (1), статс-дама (12), фрейлина (незамужние женщины, 12).
Мать Елены Нарышкиной – была статс-дамой (1808), а ранее - любимой фрейлиной Екатерины II.
Должность отца Елены, Александра Нарышкина, при дворе была одной из самых высоких – обер-камергер.
Семья могла себе позволить какой угодно образ жизни, и она позволила шумный и расточительный.

- Насколько неприличную сумму вы хотите потратить: неприличную или вопиюще непристойную?
- Вопиюще непристойную.
- Какой мужчина!..

Родители Елены Александровны часто устраивали балы в своём особняке на Английской набережной в Санкт-Петербурге.

6) Первый портрет
При таких родителях Елена должна была рисоваться ежегодно.
Но пробиться к такому мастеру как Боровиковский было непросто.
До 14-летнего возраста Елену Владимир Лукич нарисовал лишь однажды – в начале 1790-х годов (т.е. лет в шесть).
Поэт-педант описал бы этот портрет в прозе так:

Мечтательно-лукавое юное создание представлено на фоне расцветающих розовых кустов.

Пишут, что в те годы "нежная чувствительность", отражённая в картине,
исходила из всей эмоциональной настроенности русского общества.
Можно представить, как выглядят картины, исходящие из современной эмоциональной настроенности русского общества.
Картина хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге.



6) Третий портрет
Перед самой свадьбой, состоявшейся в июле 1800 года, Елена позирует еще для одного портрета.
Боровиковский был занят, и был выбран австрийский художник Иоганн Баптист Лампи Старший,
рисовавший в том числе и императрицу Екатерину II.
В настоящее время картина находится в частной коллекции.



7) Первый муж
В возрасте 15 лет (через год после портрета) Елена вышла замуж
за 15-летнего сына генералиссимуса Александра Суворова Аркадия, бывшего старше ее чуть менее чем на 1 год.
Это был высокий и стройный белокурый красавец, обладавший природным ясным умом,
приятным голосом, острым словом и (не сразу) громадной физической силой.
Против такого мужчины устоять было невозможно.
Сам Александр Суворов, не доживший до свадьбы сына пару месяцев, был к нему равнодушен,
подозревая, что не является его отцом. В момент его рождения он находился с женой в разъехавшихся отношениях.
Но всё же признал его, поскольку этого желала императрица Екатерина II.
Аркадий не был создан для семейной и домашней жизни.
Дому и молодой жене он предпочитал рысканье по полям с собаками, холостые компании,
в которых предавался разгулу и играм в карты. Жена скучала, и вздыхая,
от безысходности, принимала ухаживания многочисленных поклонников.
В 1805 году ее двоюродный брат Михаил Воронцов (будущий генерал-фельдмаршал) писал другу про Елену:

"Она совершенно избаловалась. На место безпритворной натуры, которая была в ней так любезна,
теперь всё кокетство — и притворство".

В 1811 году в возрасте 27 лет Аркадий был генерал-лейтенантом
(полководец Александр Суворов в эти годы был лишь поручиком),
и хотя наверняка здесь определённую роль сыграла его родословная,
был бесстрашен и с честью выходил из самых опасных положений,
что снискало уважение среди офицеров и солдат.
И без сомнения он занял бы важное и достойное место в Отечественной войне 1812 года,
если бы не нелепая смерть за год до войны – он утонул, переправляясь через реку Рымник (Румыния) в апреле 1811 года.
Зигзаги судьбы. Его отец в 1789 году за победу в сражении, произошедшей на реке Рымник,
получил титул «граф Рымникский», перешедший Аркадию по наследству.
И вот граф Суворов-Рымникский тонет в реке Рымник, и делает нашу героиню вдовой.
После такой трагической гибели сына полководца пошли разговоры о том, что на его род наложено проклятье.
После смерти Аркадия, уже через пару поколений род Суворовых по мужской линии перестал существовать.
А вот пройдя строго по женской линии от дочери Александра Суворова Натальи (золовки Елены),
мы сможем дойти до её правнучки, которая стала женой Премьер-министра России Петра Столыпина.


Жан-Лоран Монье.
Аркадий Александрович Суворов.
Фрагмент. 20 лет

8) Дети Елены. Александр.
У Елены и Аркадия было две дочери и два сына.
Сын Александр был за храбрость награжден орденами, занимал видные государственные посты:
генерал-губернатора Прибалтийского края и военного губернатора Риги,
санкт-петербургского военного генерал-губернатора.
Именно Александр Аркадьевич Суворов после убийства Александра II
вышел к собравшемуся у Зимнего дворца народу и сообщил о кончине Государя.

Александр Аркадьевич Суворов,
портрет кисти Ф. Крюгера (1851)

9) Дети Елены. Мария.
Вьюном разрастается история, лишь бы добраться до стихотворения,
без которых не обходится ни один из моих выпусков.
В 1820 году дочь Елены, Мария вышла замуж за князя Михаила Михайловича Голицына.
В одном из своих писем София Дельвиг (жена лицейского друга Пушкина Антона Дельвига)
к подруге (1825) в контексте встречи с графиней Ивелич, близко связанной с семьей Пушкиных,
писала (Пушкин – он, Ивелич – она):

"Она назвала мне всех, в которых он был влюблен, а он начал влюбляться с 11-летнего возраста.
В настоящее время, если я не ошибаюсь, он занят некоей кн. Голицыной, о которой он пишет много стихов".

1823
Кн. М. А. Голицыной
Давно об ней воспоминанье
Ношу в сердечной глубине,
Ее минутное вниманье
Отрадой долго было мне.
Твердил я стих обвороженный,
Мой стих, унынья звук живой,
Так мило ею повторенный,
Замечанный ее душой,
Вновь лире слез и тайной муки
Она с участием вняла -
И ныне ей передала
Свои пленительные звуки...
Довольно! в гордости моей
Я мыслить буду с умиленьем:
Я славой был обязан ей -
А может быть и вдохновеньем.

И ешё раз о возрасте женщин первой половины 18 века. На нижеприведённом портрете Марии 27 лет.



10) Музыка
Между двумя браками Елена довольно продолжительное время провела за границей,
в частности, в 1815-1816 годах проживала в Риме.
Знаменитый уже тогда композитор Джоаккино Россини, вхожий в её дом,
написал кантату в день её именин или рождения с использованием русского мотива
«Ах, зачем было огород городить, ах, на что было капусту садить».
Часть этой кантаты потом вошла в финал второго действия оперы «Севильский цирюльник».

11) Второй брак
Елена пребывала вдовой 12 лет, хотя возможностей снова выйти замуж было немало.
Ум, красота, образованность, музыкальность и обаяние привлекали к ней внимание.

"Она соединяла в себе с замечательной красотой природную живость ума и обаяние нежной и возвышенной души"

В 1823 году, вырастив детей, в 38 лет Елена второй раз выходит замуж.
Ее избранником стал 30-летний князь Василий Сергеевич Голицын, действительный статский советник и камергер.
Вы спросите – и у дочери муж Голицын и у матери - тоже Голицын? Что тут можно ответить?
Голицыных было очень много. А порядочных людей в России кроме них – мало.
Поэтому не только Елена и ее дочь, но и дочь сына Александра (п.8), внучка Елены,
тоже вышла замуж за Голицына (князя Алексея Голицына).
Василий Сергеевич был внучатым племянником князя Григория Потёмкина-Таврического, фаворита Екатерины Второй.
Вот что писали об этой свадьбе в письмах.

Свадьба Суворовой и здесь всех удивляет. Оба с ума спятили. А кто знает, может быть, и примерные будут супруги.
Это век вещей необыкновенных.


Василий, второй муж

Во втором браке Елена наслаждалась тихим домашним счастьем в имении мужа,
изредка выбираясь в Санкт-Петербург.
Про один из таких выездов на бал мы можем прочитать в дневниковой записи одной из дам:

Здесь появилась некогда прославленная красавица княгиня Элен Суворова,
которая после очень бурной, очень весело проведённой молодости и очень шумной славы в обществе,
несколько лет назад повторно вышла замуж, став женой князя Базиля Голицына,
и продвигается к счастливой и спокойной старости. Её история, подобная многим другим,
лишний раз доказывает, что не все заблудшие овцы возвращаются в овчарню тернистыми тропами.
Среди них есть и такие, для которых тропинка с розами надежнее!

Видимо где-то на пути "продвижения к старости" (т.е. где-то лет в 40) с Еленой случился ещё один портрет.



Кто-то увидит здесь мешки под глазами, но нет!
Это часть глаз под поднятыми зрачками. Такая вот задумка у художника была.
В конце жизни Елена Александровна почти потеряла зрение,
но до самых последних дней сохранила свежесть ума и приветливость,
которые делали её приятной и интересной собеседницей.
Скончалась она в 1855 году в Одессе, где и похоронена.

12) Прошли годы, века.
А Елене по-прежнему 14 лет, она молода и красива.
Год назад одна косметическая компания выпустила для женщин особую серию лифтинг-патчей для глаз.
Я не всё понял, но судя по картинке, после нескольких применений, женщина становится похожей на Елену Нарышкину.
Что, согласитесь, очень неплохо.



13) И на прощание
Ходите в музеи, восторгайтесь красотой, не жалейте эмоций! Это благо для вашей души.

День памяти мадам Рекамье
 

Картины художника Ondřeje Kočára
 

Когда-то раз, давным-давно
губами прикоснулся ты ко мне.
Пусть на расстоянии, вовек забытом,
то в рубище, то осеребренным магнитом.
Тянуло к рукоплесканию твоей судьбы...
Увы! Нас неги мирные не грели,
нам постулаты древних невдомёк -
любовь случилась, как упрёк:
что сделала не так, что ты не уберёг,
и прочь попятились и чудо, и любовь …

♫ Shelby ~ Woman On My Mind ♫



Кафкианский абсурд

Прочитала в старинной книге, что не мы, а жизнь выбирает нас для себя. А красота, которую ищу в каждом мгновении своей жизни - дыхание против ветра, что ломится в окно. И это и есть реальность. Говорят в красоте нет пользы, с чем я не согласна, потому как она приносит мне умиротворение, а абсурд в отношениях, рождает вдохновение. Сочетание красоты и абсурда пьеса для театра Коспле́й, где позволяется актёрствовать вдвоём и в одиночестве. Непременным условием макияж и костюм, выбранный соответственно образу.

Подмостки моей страсти и литературных импровизаций узкие улочки, которые, как я догадываюсь, сами выбирают меня. Прогуливаясь по площадям европейских городов, вдруг остановишься и углубишься в одну их таких заветных улочек, повернувшихся к миру спиной и всеми позабытых. Прошагиваешь зачарованный путь по гулкой булыжной мостовой с тротуаром шириной в локоть, с молчаливыми по обеим сторонам особняками, утопающими в глубине лиственных садов и с жалюзи на окнах на солнечной стороне фасадов.

На узких улочках, где едва слышен бурлящий гул большого города, всегда находила сюжет для эссе или панегирика. Энергетику впечатления от прогулок, можно сравнить с чувством восхищения от созерцания картин Ондржея Кочара. Магия линий и красок удивляет сверх воображения своим совершенным погружением в сказочный мир. Поэтические и мечтательные городские уголки, тёплая цветовая гамма и волшебный внутренний свет полны жадной энергии и дают ответ на вопрос бытия, любви и вечности.

К. Брюллов «Последний день Помпе́и»
 

«Тот, у кого не осталось никаких связей в жизни,
должен переехать жить в Рим. Там земля, питающая
размышления, прогулки, которые всегда о чем-нибудь
ему расскажут и заменят общество».
Паола Волкова


«Последний день Помпе́и» — крупноформатная картина русского художника Карла Брюллова (1799—1852), работа над которой была завершена в 1833 году.
Хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. Размер — 456,5 × 651 см. На картине изображены события в Помпеях во время катастрофического извержения Везувия, которое произошло в 79 году нашей эры.

Гибель Помпей совпадает с Золотым веком поэзии, литературы, искусства. Раскопки в Риме Золотого дома Нерона, археология старой Остии, особенно Геркуланума и Помпей, показывают, как жили зажиточные граждане в империи. Время превращает бытовые предметы в сокровища искусства. Взять хотя бы римские изделия из стекла, бытовую бронзу, кастрюли, светильники, жаровни. Что удивляет более всего, трудно сказать – стекло, роспись стен в домах. До нас дошли произведения случайные, т. е. сохранившиеся после извержения Везувия в 79 году н. э. В естественном саркофаге были замурованы три цветущих курортных города: Геркуланум, Помпеи и Стабии. Точно такое же извержение может случиться и сейчас. Иногда думается, что города под пеплом – послание, письмо в бутылке. В 1748–1760 гг. начались раскопки Помпей под руководством археолога Альнупьера при участии немецкого гения Иоахима Виннельмана. Эти раскопки стали местом всеевропейского паломничества. Там побывали и Гете, и художник Гойя, и Луи-Давид. Спорили о судьбах мира, о вечной красоте и силе искусства, там зарождались самые фундаментальные для ХIХ века идеи классицизма и романтизма, там соединилось прошлое с будущим.


"Я оказался там в один из приездов в Питер, где-то в конце семидесятых. Ну и в очередной раз выстаивал перед "Последним днём Помпеи". Как я стою, ты знаешь - пятнадцать, двадцать, сорок минут... Рядом со мною стоит какой-то мужик, по виду -совершенный работяга. Ну совсем уж странный в окружении изящного искусства. Он стоял и как-то ошалело разглядывал всю эту багровую вакханалию Везувия, всю, так сказать, роскошь сюжета - понятно, что живописные и композиционные глупости его не волновали. И вот на какой-нибудь двадцатой минуте этого остолбенения он вдруг широко развёл руками и всей грудью выдохнул великую фразу: "Усё попадало!"

"Окна" Дина Рубина

Полвека жизни мастера связано с подмосковной деревней Лигачёво, в живописных окрестностях которой написаны его лучшие пейзажи. В Лигачёве написана и картина «Августовский вечер. Последний луч». В ней внимание художника сосредоточено не на пейзаже, а на воспроизведении внутреннего пространства дома, его интерьера.

Конец лета был любимым временем года К.Ф. Юона. Тема августовских вечеров в его творчестве появилась в 20-е годы, когда художник приобрел деревенский дом в селе Лигачёво, что под Москвой. Картина «Августовский вечер. Последний луч. Лигачёво» была написана уже зрелым мастером в 1948 году. На полотне изображена веранда лигачёвского дома Константина Фёдоровича, а ведь Юон более пятидесяти лет провёл там. Какие чувства могут его связывать с домом, который за такой длительный период стал совсем родным?.. Наверное, запечатлев на холсте скромную красоту комнаты, хозяин стремился удержать её облик для воспоминаний о годах, проведённых в ней. Итак, деревня Лигачёво. Августовский вечер на закате дня – прощание с летом. Последние лучи солнца освещают пустую террасу с распахнутыми в сад окнами.

Изображение интерьера комнаты пленяет своей скромной красотой: простые деревянные стены, дощатые полы, раскрытые настежь окна без занавесок, удобная деревянная мебель. Возле всех окон и около стола стоят большие старинные стулья, это свидетельствует о том, что автор любил принимать много гостей такими тёплыми летними вечерами. Раскладное кресло у дальнего окна. Широкий большой стол, стоящий в центре репродукции, накрытый белой чистой скатертью, дополняющей атмосферу уюта и покоя. Натюрморт вносит оживление в интерьер. Центром картины, главной деталью, является огромный шикарный букет, сразу притягивающий взгляд. Он составлен из последних даров природы, ведь на дворе месяц август (об этом нам говорит название картины – «Августовский вечер…»). Значит, скоро осенние заморозки, увядание природы. Этот букет, как «последний луч», привет лета… При взгляде на такую красоту даже кажется, что ощущаешь сладковатый запах света и радости, распространяющийся по всей веранде. Своеобразна ваза-кувшин с поддоном. Стол готов к чаепитию. Рядом с букетом стоит поднос, скорее всего серебряный, с настоящим русским самоваром и маленьким фарфоровым заварочным чайником. Тут же чашка с блюдцем и стакан с ложечкой на блюдце (видимо, хозяин любит пить чай из стаканов). С другого края стола лежат две книжки, может быть, с любимыми стихами, которые можно прочитать тихим вечером в ожидании чая.

Юон выбирает для своей картины предвечернее освещение. Детали уходящего солнца очень точно переданы на картине. Видны все тени и освещённые места. Вся комната просто сияет радостью, теплом и светом. Тёплые тона, которые живописец использует для изображения внутреннего пространства деревенского строения, он умело соединяет с прохладными, зеленоватыми, воссоздающими сад за окном. В своём полотне художник будто играет с оттенками. Краски сада ещё не угасли – наоборот, перед тем, как остыть, они горят особенно жарко. Художник словно предлагает зрителю проститься с пышностью и буйством красок – до следующего лета.

Пейзаж как будто врывается из-за окна и находит своё продолжение в виде роскошного жёлтого букета цветов, разместившегося в вазе на столе.

Источник

P.S. Впервые эту картину я увидела в учебнике Русского языка.

Картина В.Поленова «Московский дворик» написана в 1878г. она принесла художнику славу и известность, она говорит зрителю о чём-то родном и близком, живущего в каждом сознании человеке с самого детства.

На картине изображён типичный уголок в старой Москве, с церковью Спаса на Песках, расположенный возле старой улицы Арбат. Обычный двор пронизан солнечным светом в один из ярко солнечных дней лета. Зелень травы устланной по дворику, со всевозможными оттенками. По небу легко плывут перистые облака, солнце поднимается и своим теплом согревает землю, зажигая ярким блеском купола церквей и укорачивая тень. Дворик постепенно оживляется.

На дальнем плане картины видна пятиглавая церковь и колокольня с золотыми куполами. Весь двор — это небольшая лужайка с сараем, колодцем и домом. Недалеко от сарая стоит запряжённая в сани лошадь, ожидающая своего хозяина, переминая с ноги на ногу. С правого переднего плана идёт тропинка, ведущая к купеческому двух этажному особняку с сараями. Возле дома видно молодую женщину крестьянку, которая идёт с ведром, а у сарая деловито роются куры, там же, на верёвке сушится бельё.

По центру, широкую тропу пересекает более узкая тропка, ведущая к колодцу за водой. На среднем плане дворика, в изумрудно-зелёной траве, затеяли игру два малыша, через тропинку на лужайке расположился маленький малыш и плачет, а на него никто не обращает внимания. Девочка в длинной юбке и белой кофте стоит и внимательно что-то рассматривает, держа это в руках. Возле палисадника с забором, старый колодец с деревянной крышкой, а за ним забор с которого свешиваются зелёные разросшегося лопуха. На картине изображение ощущения будничной суеты и движения. Каждый занят своими делами.

От картины излучается радость и ощущение тихого праздника. На данный момент картина находится в Москве в Третьяковской Галерее.

Источник

Международный день музеев

«Малая земля» Музей в Новороссийске

***

Национальная галерея. Осло. Норвегия
 

С международным Днём музеев!
 

"В сущности, нет ничего вреднее,
и даже более – никто не может быть так жесток,
как вредны и жестоки по результатам своих действий сентиментальные люди.
Человек, любящий своих ближних, человек, ненавидящий войну,
– должен добить врага, чтобы вслед за одной войной не началась другая."

Переход Суворова через Альпы в 1799 году - Суриков И.В.

В истории беспримерного похода под командованием А. В. Суворова ( (13 [24] ноября 1730 — 6 [18] мая 1800) )по Швейцарским Альпам, когда Россия в союзе с Австрией вела войну против Франции, Суриков выбрал один из самых драматических моментов: переход через хребет Паникс. Эта картина занимает особое место в творчестве Сурикова: цветовая гамма меняется с теплой на холодную, формат — с горизонтального на вертикальный, композиционный принцип — фрагментарность вместо уравновешенности. Суриков не просто фиксирует впечатление от альпийских гор, в которых он писал этюды для картины, но и передает драматический смысл происходящего. Переход через Альпы — это падение в бездну, крушение, содрогание земли и неба. Суворов на белом коне — как памятник самому себе. Вокруг — военный восторг тысячи жизней, ему повинующихся.

Суриков, как подлинный художник, в полной мере фиксирует в картине "упоение в бою". „Главное в картине — движение. Храбрость беззаветная. Покорные слову полководца, идут“, — объяснял свой замысел художник. Ему удалось показать в картине единый порыв, который охватывает массы людей в ответ на призыв полководца, заставляя воинов совершать чудеса храбрости.

Конец XVIII века в русской истории отмечен появлением двух важных деятелей, мальтийских рыцарей – полководца А. В. Суворова и императора Павла I. Известно, что в 1799 Павел I в знак уважения к заслугам полководца повелел установить прижизненный памятник Суворову. Несмотря на необъяснимую опалу, которой подвергся Суворов, работы по сооружению памятника не были остановлены, и 5 мая 1801, уже после смерти императора памятник был установлен на Марсовом поле (в царствование императора Александра I памятник был перенесён на площадь между Мраморным дворцом и домом графа Салтыкова (ныне Суворовская площадь).

Итало-швейцарский поход - вершина полководческой деятельности Суворова. В 1799 году ему рукоплескала вся Европа, но в России его не ждал триумф. По пути из Праги Суворов узнал, что торжественной встречи победителя не будет и даже въехать в столицу днем ему будет запрещено. В дорожном возке, а не в парадной карете под покровом сумерек он прибыл в Петербург, ему запретили посещать Зимний дворец, имя его исчезло со страниц газет, он был лишен своих любимых адъютантов. 6 мая 1800 А. В. Суворов скончался. Хоронили его не как генералиссимуса, а по штату фельдмаршала. Современные биографы до сих пор ищут причины произошедших разногласий между двумя великими людьми.

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
 

Третьяковская галерея

ЗДАНИЕ ТРЕТЬЯКОВСКОЙ ГАЛЕРЕИ


В 1867-м галерея была открыта для посещения, а в 1892 году передана в собственность Москве. На момент передачи коллекция музея насчитывала 1276 картин, 471 рисунок, десять скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров.

Джованнина Пачини

«Всадница»

*****