Музыка - это самое удивительное и самое прекрасное духовное достижение человечества!
Сегодня невозможно представить нашу жизнь без неё - она сопровождает и окружает нас всюду и всегда.
Обладая мощной энергетикой и огромной силой воздействия на наши сознание, душу и эмоции, музыка способна сформировать настроение человека - подарить покой и умиротворение или дать заряд силы и бодрости, утешить в печали или вдохновить на свершения.
С помощью музыки мы познаем прекрасное, доброе, возвышенное и вместе с тем познаем себя.
Воздавая дань этому высшему из искусств, с 1975 года ежегодно 1 октября мир отмечает "Международный день музыки", целью которого является распространение музыкального искусства.
В этот день звучат сочинения, вошедшие в сокровищницу мировой культуры.
Не остается в стороне от этого замечательного праздника и Кинозал.ТВ
Загримированные под негров белые, варьете и бурлески, открытие «Аллеи жестяных кастрюль», игра на «сковородке» и другие события, с которых начиналась история массовой музыки.
Термин «популярная музыка» вошел в обиход только в 1950-е годы. К тому времени в качестве культурного феномена она существовала уже около ста лет. Феномен этот поначалу не был столь глобализован и стандартизирован, как в последние 50–60 лет, а обладал большим числом региональных различий и множеством жанров, в которых, однако, четко можно было разделить музыкально-театральные, песенные и танцевальные. Эти жанры хорошо различаются сейчас, так же как и в предыдущие эпохи.
Прообразом разделения музыки на академическую (серьезную, ученую) и популярную (массовую, развлекательную) принято считать разделение, зафиксированное в памятниках позднего Средневековья и Раннего Возрождения.
Разделение это было вызвано культурными различиями между монастырями и дворцами и являлось, собственно, разделением на церковную и светскую музыку . Всерьез мы можем говорить о разделении музыки на популярную и академическую только с XIX века, когда музыкальное искусство действительно становится достоянием широких масс городского населения. Но даже в первой половине XIX столетия это разделение не является столь явным.
Возьмем, к примеру, Вену, наряду с Парижем ставшую одним из центров популярной музыки в Европе: музыкальная комедия с разговорными диалогами (зингшпиль), фортепианные пьесы и танцы для домашнего музицирования, песенки, часто в форме канона, исполнявшиеся и выходившие из печати в столице империи Габсбургов, все еще не могут быть отделены от остального, «серьезного» творчества композиторов, их создавших, — Моцарта, Бетховена, Шуберта.
Одновременно с этим около 1850 года в Великобритании и Соединенных Штатах начинает формироваться собственная популярная культура, которой в следующем столетии предстоит сильно потеснить континентальную, а впоследствии и фактически уничтожить ее. Таковы вкратце вехи «доисторического» периода популярной музыки, а теперь мы представим ее историческую панораму в виде ключевых событий, происходивших в разных странах.
1828
В США появляется песня Томаса Дартмута Райса «Джим Кроу»
Обложка партитуры музыки «Менестрелей из Вирджинии» — знаменитых негритянских мелодий, адаптированных для фортепиано Томасом Комером.
1843 год
Имя персонажа этой песни на долгое время стало нарицательным для чернокожего раба, а появление этого музыкального номера спровоцировало подъем интереса к «менестрельному театру» (minstrel show), где белые актеры пародировали негров (именно менестрельный театр стал источником всех стереотипных шуток на негритянскую тему). Одновременно с этим синкопированная музыка менестрелей, характерные мелодические обороты способствовали привлечению публики к подлинному музыкальному творчеству чернокожих. Естественно, к средневековым менестрелям американские «менестрели» не имели никакого отношения, а получили свое название по весьма популярному коллективу, выступавшему в Нью-Йорке под управлением Дэна Эмметта с 1843 года, «Менестрели из Вирджинии».
«Менестрели из Джорджии»: Джеймс Макинтайр и Томас Хит. 1912 год
В Америке, не имевшей собственной культуры оперного театра, как Европа, minstrel show пережило отмену рабства и даже Первую мировую войну; именно этот тип музыкально-театрального представления увековечил Дебюсси в своей прелюдии «Менестрели» и Джером Керн с Оскаром Хаммерстайном в знаменитом мюзикле «Плавучий театр». Джаз и мюзикл впоследствии вытеснили менестрелей со сцены, но именно они заложили основу современной американской массовой культуры.
В Париже ставится одноактный бурлеск Флоримона Эрве «Дон Кихот и Санчо Панса»
Эта постановка официально считается первой французской опереттой. В отличие от оперы, в оперетте все действие происходит в разговорных диалогах, а музыкальные номера короче и написаны упрощенным языком простых песенных форм «куплет-припев», плюс обилие танцевальных номеров, основанных на принципах бытовых танцев.
Карикатура на Флоримона Эрве. Гравюра Андре Гилла. 1868 год
Bibliothèque nationale de France
Единственной опереттой Эрве , пережившей свое время, является «Мадемуазель Нитуш» (1883), но этот композитор проложил дорогу Жаку Оффенбаху, с которым у нас традиционно связывается представление о французской оперетте («Орфей в аду», «Прекрасная Елена»). Именно Оффенбах введет в оперетту шокирующую новинку — танец канкан. Композитор Франц фон Зуппе, эпигон Оффенбаха, перенесет новый музыкальный жанр в Вену.
Культура мюзик-холла, ставшего основным развлечением средних, а потом и низших слоев общества, внесла огромный вклад в развитие популярной культуры во всем мире, растворившись в мюзикле и шоу, радио- и телепередачах . От английского мюзик-холла ведут свое происхождение французское варьете, американское ревю и бурлески и другие представления, созданные по сборному или каскадному принципу. Музыка мюзик-холла является прародительницей почти всей шлягерной продукции современного мира, а многие «хиты» давно утратили связь с авторами и продолжают жить как «народные».
Среди них знаменитая солдатская песня «Типперери», «Тарарабумбия» и многие другие.
Решающее дело в популяризации жанра сыграла разница в ценах на билеты со, скажем, Альберт-холлом или Ковент-Гарденом, а в конце Викторианской эпохи мюзик-холл был уже чисто пролетарским развлечением.
Уильям Гилберт и Артур Салливан — авторы «викторианской оперетты», приглаженной в сравнении с фривольным французским оригиналом. Всего из‑под пера дуэта вышло 14 театральных произведений, завоевавших огромную популярность не только в Британской империи, но и в США. Их «комические оперы» считаются одними из непосредственных предшественниц современного мюзикла.
И по сей день «Летучая мышь» — самая известная оперетта в мире. Таким образом, в результате активной конкуренции европейская пальма первенства в области легкого музыкального театра уходит из Парижа в Вену. Основой венской оперетты становятся вальс и полька, танцы австро-венгерского происхождения, уже достаточно разработанные к тому времени в творчестве отца и сына Штраусов. (И отец, и сын работали на придворных должностях, обслуживая австрийских императоров Фердинанда I и Франца Иосифа I, а также много работали за границей, в частности в Лондоне, Петербурге, сделав венский вальс международным танцевальным стандартом.)
С последней трети XIX века и вплоть до 1930-х годов оперетты, сочиненные в Вене, Будапеште (Имре Кальман) и Берлине (Пауль Линке, Вальтер Колло) практически не меняют своего облика, но неизменно становятся хитами мирового музыкального театра. Кстати, слово «шлягер» родом из Вены тех времен.
В Нью-Йорке возникает первый издательский синдикат, поставивший производство массовых песен на коммерческую основу
Музыкальное издательство Лео Фейста на 28-й улице в Нью-Йорке, располагавшееся в районе Tin Pan Alley.
Он получил название «Аллея жестяных кастрюль» (Tin Pan Alley) и послужил моделью для всей современной массовой музыкальной индустрии. Издатели нот, их распространители, поэты и музыканты объединялись и наводняли своей продукцией Соединенные Штаты, фактически монополизировав рынок популярной музыки и тесня независимых авторов и издателей, скупая права на их музыку.
Тогда же появилось понятие «sheet music» — обычно песня умещалась на одном развороте нотного листа: на первой странице куплет (verse), на второй припев (chorus). Практически все классические американские песни, созданные между 1890 и 1930 годами, обязаны своим появлением этому синдикату музыкальных издательств, потерявшему свое значение только с падением спроса на нотные издания в связи с массовым распространением грамзаписи и радио.
Играли музыку преимущественно на роялях и пианино, а также пели.
Из Англии пришла мода на гитару и банджо, под них тоже любили попеть. Музыкально грамотен был почти весь белый средний класс, особенно дамы. После отмены рабства негры-издольщики также начали давать детям образование, в черных семьях появились пианино, что впоследствии и привело к возникновению регтайма и джаза. Но нельзя забывать, что ноты доставались в руки в первую очередь профессионалам, выступавшим на локальных сценах в маленьких городках: радио не было, фонограф несовершенен и дорог, и певцов, веселивших публику, было гораздо больше.
1895
В США выходят ноты первого регтайма Бена Харни «You’ve Been a Good Old Wagon but You Done Broke Down»
Начинается новая эра синкопированной танцевальной музыки. Поначалу чисто фортепианный жанр, регтайм заимствует музыкальную форму и главный бит (сопровождение левой руки типа бас-аккорд) из маршей и полек. Однако правая рука пианиста выводит замысловатые фигурации в ритмических пропорциях 3:2 и 3:4, как бы «поперек» аккомпанемента. Очевидно, в этом нашла отражение полиритмия афроамериканской музыки, упрощенная до обычной синкопы.
«Королем регтайма» стал чернокожий пианист и композитор Скотт Джоплин, чьи композиции стали такой же классикой, как и вальсы Штрауса, песни Гершвина или The Beatles. На основе регтайма создается масса танцев — кекуок, тустеп; регтаймы (а точнее, американизированную танцевальную музыку) начинают сочинять и европейские композиторы, в первую очередь в Германии.
США становится лидером в области танцевальной музыки. Танцевали везде: в дансингах, дома на танцевальных вечеринках, на праздниках на открытом воздухе, где регтаймы играл большой духовой оркестр. Самый известный духовой оркестр США под управлением Джона Филипа Сузы активно включал в свой репертуар регтаймы и в итоге привез их в Европу.
В США композитор Уильям К. Хэнди издает ноты «Сент-Луис-блюза»
Обложка партитуры «Saint Louis blues» Уильяма К. Хэнди. 1914 год
«Сент-Луис-блюз» — не первый изданный, но самый известный авторский блюз в мире. Блюз, важнейший из жанров афроамериканской музыки, зародившийся еще на хлопковых плантациях и мигрировавший в большие города вслед за своими носителями, уже представлял собой к тому времени четкую 12-тактовую, трехстрочную (по 4 такта на строчку) музыкально-поэтическую форму с установленными гармоническими функциями и характерным звукорядом. Благодаря Хэнди, заслужившему прозвище «отец блюза», этот жанр «вышел из подполья», став частью популярной культуры.
В США выходит первая грампластинка с записью джазовой музыки
Рекламная открытка Original Dixieland Jazz Band. 1918 год
В США появляется масса мелких фирм, возникает конкуренция, пластинки дешевеют и становятся лучше качеством. Первая пластинка с записью джазовой музыки записана для компании Victor коллективом белых музыкантов Original Dixieland Jazz Band. Еще пять, записанных позднее, обозначили начало «эры джаза» (Jazz Age), продлившейся все следующее десятилетие. Зародившись в среде чернокожих жителей Нового Орлеана при достаточно туманных (во всяком случае, очень плохо документированных) обстоятельствах, джаз из маргинального искусства стремительно превратился в объект увлечения как серьезных композиторов в Европе и США, так и широких народных масс по обе стороны океана.
Гибридная форма музицирования, заимствовавшая элементы блюза, регтайма, музыки духовых оркестров на основе импровизации по установленным формулам, оказалась необычайно восприимчивой и гибкой, способной впитывать и перерабатывать любые влияния.
Джаз и производные формы были основой поп-музыки примерно до 1964 года, хотя сам джаз развивался стремительными шагами, как и кинематограф, и выработал свою внутреннюю потенцию к концу 60-х, после чего развиваться уже перестал и сейчас опять фактически превратился в этакую элитарную попсу, чаще всего в гибридизированных формах типа фьюжна.
В США появляется «долгоиграющее» бродвейское ревю «Скандалы Джорджа Уайта»
Рекламный проспект «Песни из „Zigfeld Follies“ в 1907 году». 1908 год
Основателем бродвейских ревю (с французского — «обозрение») считается Флоренц Зигфелд, еще в 1907 году придумавший серию «Zigfeld Follies» («Безумства Зигфелда») — бессюжетное музыкально-танцевальное представление, созданное по образу и подобию английского мюзик-холла.
Однако привнесение элементов джаза и родственных ему форм принадлежит Джорджу Уайту, открывшему миру самого известного американского композитора Джорджа Гершвина. За ним в сторону джаза последовал и Зигфелд. Новый тип представления явился последним этапом на пути создания классического американского мюзикла, который все дальше отходил от британской и австро-венгерской музыкальной комедии и приобретал оригинальную форму, близкую к современной.
Американский композитор Ферде Грофе изобретает джазовую аранжировку
Ферде Грофе cо своими детьми, сыном Ферде-младшим и дочерью Энн. 1935–1945 годы
Благодаря аранжировке стало возможным расширить состав джазового оркестра путем деления его на группы, как в симфоническом оркестре, одновременно добавив струнные. Оркестр Пола Уайтмена, с которым сотрудничает Грофе, задает эпохальный стандарт танцевальной музыки на многие годы вперед. Оркестры, подобные уайтменовскому, возникают вначале в Великобритании (самым популярным был оркестр Джека Хилтона), а потом и во всей остальной Европе.
Следует заметить, что этот тип оркестра практически сразу расходится с джазом как таковым. Музыку Уайтмена и его многочисленных последователей именуют sweet jazz (под эту музыку проще двигаться, темпы медленнее, бит проще, тембры более приятные на слух, не такие резкие, а чаще всего «сладкие»), тогда как музыка небольших групп чернокожих музыкантов получает определение hot jazz. Вероятно, это первый случай адаптации оригинального вида музицирования с целью его коммерческого использования. С этого момента такие случаи имеют место вплоть до наших дней.
Появляется первый классический американский мюзикл «Леди, будьте добры» с музыкой Джорджа Гершвина
Адель и Фред Астер на съемках «Леди, будьте добры». 1924 год
В постановке принимала участие знаменитая танцевальная пара — Фред и Адель Астер. Мюзикл (musical comedy) вобрал в себя черты англо-американской оперетты, ревю, музыкальная его часть была ориентирована на модные тенденции в песенно-танцевальной индустрии. Более того, мюзиклы и их экранизации включали в себя практически все песни, которые мы сейчас называем evergreens, неувядающие (шлягеры), и которые легли в основу примерно 3/4 всех джазовых стандартов.
Помимо Гершвина, наиболее известными композиторами в этом жанре становятся Джером Керн, Коул Портер, Ричард Роджерс и Ирвинг Берлин. Эпоха классического мюзикла продолжалась примерно до сезона 1962/1963 года, когда мюзикл Берлина «Господин президент» фактически провалился, не выдержав конкуренции со сценическими сочинениями новой генерации — с более сложной фабулой и не обязательно счастливым разрешением любовной истории (то есть мюзикл стал все больше походить на оперу и отдаляться от ревю).
В США на экраны выходит первый звуковой фильм «Певец джаза»
Кинопрограмма «Певец джаза». 1928 год
Интересно, что сквозной темой фильма было участие героя (Джека Робина), сына синагогального кантора Рабиновича, именно в менестрельном шоу, а не в джазовом коллективе как таковом. Музыка, частично стилизованная под музыку менестрелей, была написана разными композиторами. Уже в следующем году были экранизированы многие бродвейские мюзиклы и ревю;
В 1930 году в звуковом, да к тому же цветном фильме «засветился» в буквальном смысле бэнд-лидер Пол Уайтмен со своим оркестром (фильм назывался «Король джаза»). Тот факт, что звуковой кинематограф начался именно с музыкальных фильмов, был закономерен. Язык немого кино не годился для звукового, и прошло какое-то время, пока звук в кино перестал быть проблемой для режиссеров и актеров. Однако и по сей день в национальных кинематографах некоторых стран (например, в Индии) музыкально-зрелищная составляющая остается главной.
Песня «Mammy» из фильма «Певец джаза» в исполнении Эла Джолсона
1931
Изобретена экспериментальная модель электрогитары
«Сковородка» компании Ro-Pat-In. 1932 год
Первые гитары, сконструированные из аллюминия, за что получили от музыкантов прозвище «frying pans» («сковородки»), запускаются в массовое производство в этом же году.
Одновременно с этим джазмены используют адаптеры и усилители для акустических гитар. Электрогитара станет в конце 40-х — начале 50-х годов основным инструментом ритм-энд-блюза, а затем и рок-н-ролла. Первые записи с электрогитарой, сделанные оркестром Andy Iona And His Islanders в 1936 году;
В Великобритании танцевальный оркестр Гарри Роя выпускает грампластинку «Rock and Roll, Roll and Rock Away»
Гарри Рой и его оркестр. 1934 год
Пластинка не имела никакого отношения к рок-н-роллу, а представляла собой обычный английский квикстеп (быстрый фокстрот). В США этот же опус Ричарда Уайтинга из звукового фильма «Трансатлантическая карусель» появляется в грамзаписи в исполнении сестер Босуэлл. Это первый, хотя и довольно абсурдный случай появления словосочетания «rock and roll» на этикетке грампластинки. Одновременно с этим в США в чернокожей среде уже полным ходом идет формирование стиля ритм-энд-блюз, истоки которого лежат в фортепианном жанре буги-вуги с его характерным «катящимся» аккомпанементом (с чрезмерным акцентированием коротких длительностей), сочетающимся с блюзовым вокалом. Именно его эволюция приведет через 20 лет к появлению рок-н-ролла.
Начало эпохи «больших оркестров» джаза, или «эры свинга» в США
Оркестр Бенни Гудмена. 1935–1945 годы
Леонард Бернстайн, Бенни Гудмен и Макс Холландер в Карнеги-холле, Нью-Йорк. Фотография Уильяма П. Готтлиба. 1946–1948 годы
Интерес к джазу, погасший в эпоху Великой депрессии, разгорается с новой силой в связи с фигурами чернокожих джазменов Флетчера Хендерсона из Нью-Йорка и Каунта Бейси из Канзас-Сити. В качестве проводника нового джазового стиля выступает, как Original Dixieland Jazz Band в 1917 году, опять‑таки белый коллектив. Им становится оркестр Бенни Гудмена, которого называют «королем свинга» (как Пола Уайтмена — «королем джаза»). Новый стиль отличался большим составом оркестра (до 30 человек), виртуозной групповой игрой и принципиально новым подходом к ритму, похоронившим последние остатки маршево-полечной природы джаза. Одновременно с этим растет влияние блюза (особенно в «канзасской ветви»).
К концу 1930-х годов на этот стандарт переходят практически все танцевальные оркестры мира. «Эра свинга» длится около 11 лет, до 1946 года, когда практически одновременно распадаются сразу восемь больших американских оркестров, а джазмены начинают активно заниматься поисками нового музыкального языка, в процессе которых вновь используют небольшие составы, как это было на заре джаза.
Песня «King Porter Stomp», написанная в 1905 году Джелли Р. Мортоном, аранжированная в 1928 году Флетчером Хендерсоном и записанная оркестром Бенни Гудмена в 1935 году
1936
4 января музыкальный журнал Billboard публикует первый хит-парад
Жанры были соответствующими времени — джаз, танцевальная музыка, песня из кинофильма, запись для негритянского населения (race record), иностранная запись и прочее; победитель определялся количеством проданных пластинок (тогда были только синглы, альбомов не было). Ротации радиостанций стали учитываться позже.
На первом месте хит-парада 15 недель продержался Бинг Кросби с песней «Pennies From Heaven»,
Джо Тернер и Пит Джонсон записывают пластинку «Roll ’Em Pete»
Пит Джонсон в Café Society. Нью-Йорк, 1946 год
Джо Тернер в своем доме. Фотография Раселла Ли. Чикаго, 1941 год
На волне интереса к жанру «буги-вуги», который достаточно быстро попал в репертуар больших оркестров, певец Джо Тернер и пианист Пит Джонсон записывают пластинку «Roll ’Em Pete», которую принято считать первым образцом рок-н-ролла «во всем, кроме инструментального состава» . В качестве указания жанра на этикетке оригинальной пластинки фирмы Vocalion значится «быстрый блюз».
Фирма грамзаписи RCA выпускает серию пластинок с обозначением «Blues and Rhythm»
Дейв Бартоломью со своим оркестром. 1948 год
Фэтс Домино. 1962 год
Литтл Ричард. 1950-е годы
Новая серия рассчитана преимущественно на чернокожую аудиторию. Уже в следующем году в чартах Billboard появляется категория «Rhythm and Blues». К джазу и блюзу начинают добавляться также черты афрокубинского фольклора (характерный ритм хабанеры, который можно слышать в «Сент-Луис-блюзе» Хэнди, см. выше). Звездами ритм-энд-блюза становятся Дейв Бартоломью, Фэтс Домино, Литтл Ричард.
Энтони «Фэтс» Домино исполняет свой хит 1949 года «The Fat Man»
1954
Билл Хейли и его группа «Кометы» записывают композицию Макса Фридмана и Джеймса Майерса «[Мы собираемся танцевать] рок круглые сутки»
Bill Haley & His Comets. Около 1956 года
Песня продана в количестве 25 миллионов экземпляров по всему миру. Начинается эпоха рок-н-ролла. Bill Haley & His Comets с песней «Rock Around The Clock»
P. S. После выхода первого альбома группы The Beatles («Please Please Me», Великобритания, 1963) начинается эпоха битломании; рок становится социальным явлением. Великобритания возвращает себе славу законодательницы мод в области массовой музыки.
В следующем, 1964 году джазовое сочинение (босанова «Девушка из Ипанемы» в исполнении саксофониста Стена Гетца) в последний раз в истории джаза попадает в топ-10 журнала Billboard; начинается новая эпоха в истории массовой музыки, тесно связанная с развитием общества потребления и понятием контркультуры. И хотя антагонизм соответственно попсы и рока проявляет изменчивость жанров, на нем зиждется устойчивость социокультурного бытования массовой музыки. Формально мы живем в этой парадигме до сих пор, и ничего нового, кроме смены технологий и стилей, с середины 60-х годов фактически не произошло.
Зачем американцы красили лицо в черный
Что такое блэкфейс, как издевательство открыло миру негритянскую культуру и почему даже черные гримировались под черных.
Блэкфейс — темный грим, имитирующий негритянскую внешность. Его история связана с появившимися в США в середине XIX века шоу менестрелей, где белые актеры изображали комические сценки из жизни чернокожих рабов, неизменно ленивых и глупых. Несмотря на расистские стереотипы таких шоу, они стали едва ли не первым мостиком, переброшенным между двумя культурами: через бесхитростные представления в жизнь американских граждан проникли духовные песни рабов (спиричуэлс), чечетка, жаргон и, что важнее, образ страдающего из-за несправедливости человека.
Исследователь Эрик Лотт пишет, что парадоксальным образом подражание негритянской культуре, несмотря на его неприкрытый расизм, привело к усвоению и пониманию проблем и потребностей рабов, а образы, пришедшие из бродячих театров, впоследствии использовались борцами за отмену рабства. Но сто лет непреходящей популярности менестрель-шоу — это еще и судьбы сотен и тысяч людей, истории, с которых начался американский театр, истории, в которых отражается война Севера и Юга, законы о сегрегации, политическая цензура и головокружительные карьеры. Отзвуки менестрель-шоу слышны до сих пор в бродвейских мюзиклах, стендапе, танце, мультипликации, ситкомах и музыке.
Джордж Вашингтон Диксон (1801–1861)
MS Thr 556 American Minstrel Show Collection / Houghton Library / Harvard University
Cкрытый текст -
Точно неизвестно, кто первым начал сочетать темный грим со специфической лексикой, жестикуляцией и манерой пения, отсылая зрителей к образу «просто так прохожего, парня темнокожего». Джордж Диксон — первый артист, построивший карьеру на этом амплуа. Его успех в 1830–40-х как у простого народа, так и у светской публики — явление удивительное: уже через несколько десятилетий, когда блэкфейс станет самостоятельным низким жанром, разыгрываемым в салунах и кабаках, в это будет сложно поверить.
С момента зарождения и до самого конца основой менестрель-шоу были игра слов, абсурд, танцевальные номера, грубый «физический» юмор и песни. Однако Диксон — в первую очередь выдающийся певец, чье имя связано с песней «Zip Coon» и одноименным номером, высмеивающими «свободных негров» американского Севера — денди и бонвиванов. Их желание и одновременно неспособность войти в высшее общество стали для Диксона и его последователей источником бесчисленных шуток. Особый комический эффект достигался описанием того, что случится со страной, когда президентом станет тот самый Zip Coon.
Слово coon впоследствии стало синонимом расовой карикатуры в принципе. В иллюстрированной американской прессе XIX века недалекие «куны» становились жертвой прогресса (их убивал ток, крушили поезда, травил газ из ламп) и природы (они становились наживкой для крокодилов). Впрочем, одна из теорий гласит, что сам Джордж Диксон, будучи мулатом, только маскировался жженой пробкой и не раз страдал от расистских нападок.
Томас Дартмут Райс (1808–1860)
MS Thr 556 American Minstrel Show Collection / Houghton Library / Harvard University
Джим Кроу, сценическое альтер эго Томаса Райса, — важнейший персонаж в истории блэкфейса, представляющий большинство темнокожих рабов Юга. Райс придумал Кроу, наделив его чертами случайного встречного, бродяги. Джим — слуга, не поддающийся обучению, растрепанный, полунищий, но не теряющий врожденного оптимизма. Значение этого образа огромно: даже принятые спустя 30 лет после смерти Райса законы о расовой сегрегации получили неофициальное название «законов Джима Кроу».
Успех Райса и его героя был настолько велик, что он оказался в числе первых менестрелей, посетивших с представлениями Лондон, а также сыграл в несколь*ких постановках местных театров: навык изображения темнокожих людей пригодился в «Отелло». Газета Boston Post назвала Джима Кроу одним из двух самых известных людей в мире (на первом месте оказалась королева Виктория).
Карьеру Райса испортил прогрессирующий паралич, впервые проявившийся в начале 1840-х и уже к концу десятилетия сильно сказывав*шийся на движениях и речи артиста. Солидные накопления (в лучшие времена Райс щеголял в пальто с золотыми гинеями вместо пуговиц) были постепенно пропиты, и деньги на похороны «Джима Кроу» собирали с неравнодушной общественности.
Джоэл Уокер Суини (1810–1860)
Wikimedia Commons; MS Thr 556 American Minstrel Show Collection / Houghton Library / Harvard University
Еще одна иллюстрация того, как менестрели связывали черную и белую культуры в США — карьера Джоэла Суини. Суини стал первым белым банджоистом, научившись играть на банджо у темнокожих рабов с отцовской фермы. По легенде, он усовершенствовал этот инструмент, заменив тыкву на коробку из-под сыра для лучшей резонации.
В 1830-х никому не известный музыкант стал ездить с собственным менестрельским шоу по Вирджинии и окрестным штатам, а уже спустя двенадцать лет предстал со своим банджо перед королевой Викторией. О мастерстве Суини ходили фантастические истории: например, ему приписывали умение играть на банджо ногами, одновременно с этим выводя партии на скрипке и губной гармонике.
Джордж Кристи (1827–1868)
MS Thr 556 American Minstrel Show Collection / Houghton Library / Harvard University
Джордж — приемный сын легендарного Эдварда Пирса Кристи, исполнителя сентиментальных баллад и крупнейшего воротилы в истории менестрелей. Уже в детстве Джордж проявлял недюжинные способности по части танцев и игры на костях . Позже он оказался в команде гигантов рынка развлечений Christy Minstrelts, с выступлениями которых связывают формирование четкого канона шоу .
Размах их деятельности позволяет оценить следующая сделка: певец Стивен Фостер продал компании права на эксклюзивное исполнение песни «Old Folks at Home» за 15 тысяч долларов (сегодня эта сумма приблизительно равна 500 тысячам долларов). Довольно быстро Джордж стал самым высокооплачиваемым артистом своего времени, покинул труппу и занялся шоу-бизнесом самостоятельно.
Уильям Генри Лейн (1825–1862)
Уильям Лейн. Англия, 1848 год
Уильям Лейн, также известный как Джуба, был первым темнокожим менестрелем и очень талантливым танцором. В одном из самых известных своих номеров Джуба копировал знаменитых артистов того времени, перетанцовывая конкурентов на их же поле. И само его прозвище Джуба произошло от названия его энергичного танца — предшественника чечетки.
Слава Джубы была яркой, но недолгой: после серии сверхуспешных гастролей по США и Англии критики отвернулись от «варварских плясок» Лейна. По свидетельствам очевидцев, Лейн был вынужден танцевать ради пропитания и в итоге умер от недоедания и усталости. Чарльз Диккенс увековечил его в «Американских записках»:
«…он танцует, словно у него две левых ноги, две правых ноги, две деревянных ноги, две проволочных ноги, две пружинных ноги — всякие ноги и никаких ног, — и всё ему нипочем».
Томас Дилвард (1840–1902)
Томас Дилвард. Фотография Мэттью Брэди. 1860-е годы
В 1860–70-е представления менестрелей уже больше походили на цирковые номера или театр-варьете и все меньше отсылали к реальной жизни на плантации и низовому фольклору. Шоу и билеты стали дороже, количество номеров увеличилось, в труппе стали появляться силачи, карлики, акробаты, гиганты и прочие экстравагантные типажи.
Рост Томаса Дилварда не достигал 90 сантиметров.
После Уильяма Лейна он второй темнокожий исполнитель, выступающий с белыми менестрелями. Он обогатил и язык представлений того времени, включив в свои номера элементы африканских танцев, и язык как таковой: ему, например, приписывают авторство выражения hunky-dory («всё путем»).
Несмотря на популярность номеров, Дилвард долгое время скрывал свое происхождение от зрителей. Публике он был известен как «японский Томми»: его лицо, как лица белых актеров, скрывала маска, нарисованная жженой пробкой. Даже после победы свободных штатов Севера в Гражданской войне и принятия 13-й поправки к Конституции, запрещающей рабство, многие поклонники менестрелей не были готовы принимать темнокожего актера в его настоящем виде.
Билли Керсандс (1842–1912)
Билли Керсандс. 1870-е годы
Помимо выдающихся для своего времени роста и веса (192 сантиметра и около ста килограммов), Билли Керсандс выделялся среди других темнокожих мене*стрелей умением изящно танцевать, не выпуская изо рта несколько бильярдных шаров, а иногда и чашку вместе с блюдцем. Такое шоу идеально попадало под расхожие американские представления о «большеротых» эфиопах. Билли это следование стереотипам не смущало. «Все деньги я заработал благодаря людям с Юга, белым и цветным, выступая для них. Что бы они ни имели в виду, они всегда принимали и принимают меня так, что я чувствую себя дома», — говорил он.
Лью Докстадер (1856–1924)
Лью Докстадер, урожденный Джордж Клэпп, был одним из последних заметных менестрелей Америки: его смерть совпала с упадком жанра как такового. Докстадер успешно сочетал должности солиста и импресарио большой труппы из 40 человек. В начале XX века блэкфейс использовался скорее как дань традиции менестрель-шоу, и сценки, которые разыгрывал Докстадер, не имели ничего общего с имитацией речи и поведения афроамериканцев.
Компания Primrose & Dockstader стала своего рода фабрикой звезд блэкфейса: в подчиненных были такие будущие звезды, как крестный отец американской эстрады певец Эл Джонсон (см. ниже) и мастер чечетки, любимец бродвейской публики Харланд Диксон. Однако по-настоящему их карьера сложилась за пределами труппы Лью: в 1910-х менестрели окончательно уступили место водевилям, а сам Докстадер забросил гуталин и алую помаду, переквалифицировавшись в киноактера и комика.
Пигмит Маркхэм (1904–1981)
Пигмит Маркхэм. 1935–1955 годы
Грузного и обаятельного Пигмита Маркхэма справедливо называют последним черным комиком, носившим блэкфейс: по словам самого артиста, он настолько привык к этой маске, что порой ловил себя на мысли о том, что ему страшно неудобно без нее. В понимании Маркхэма блэкфейс был своего рода клоунским гримом, который делал его не «чернее» или «белее», а смешнее.
В 1943 году Маркхэм в последний раз вышел на сцену в макияже, после чего темнокожие поклонники убедительно попросили его завершить эту практику. Отказ от блэкфейса негативно сказался на выступлениях: Маркхэм тушевался на сцене, быстро растерял контакты и с трудом сводил концы с концами. Один из немногих выходцев из погибающей индустрии менестрелей, Маркхэм все же смог пробить дорогу к экрану. С конца 1930-х годов он участвовал в малобюджетных фильмах, снятых афроамериканцами для афроамериканцев, а в 1960-е неожиданно снова стал популярен. В образе судьи он стал появляться в «Шоу Эда Салливана» и других телешоу, а его анахроничные шутки выпустили на двух десятках пластинок.
Эл Джолсон (1886–1950)
Из всех артистов, когда-либо носивших темный грим, Эл Джолсон достиг наибольшего успеха, воплотив идеал американской мечты. Эмигрант из глухого литовского местечка, сын раввина, не знающий даты своего рождения, на протяжении нескольких десятилетий он был самым известным артистом США.
«Эрнест, вам не кажется, что Христу далеко до Эла Джолсона?» — приводит Хэмингуэй слова Зельды Фицджеральд, жены Фрэнсиса Скотта Фицджеральда. И так думали многие.
Самая известная роль Джолсона — Яша Рабинович из фильма «Певец джаза», первой ласточки эры звукового кино. Скрывающий свое еврейское происхождение, Рабинович мажет лицо гуталином, чтобы исполнять джазовые песни. Другая знаменитая роль Джолсона — Эл Фуллер из «Мэмми» (1930), эта роль отчасти автобиографична и отражает доголливудскую карьеру менестреля.
Фильм исполнен ностальгии по американскому Югу и показывает настроения поздних менестрель-шоу, оплакивающих утраченный статус-кво.
Конен В. Дж. Третий пласт. Москва, 1994.; arzamas.academy Stockmann D., Dahlhaus С. Neues Handbuch der Musikwissenschaft / Volks- und Popularmusik in Europa. Laaber, 1997.
The New Penguin Dictionary of Music. London, 2006.
Музыка – это следы , по которым можно вернутся в разное время жизни. Если человек не человеколюбив, что он поймет в музыке. Все. Не так ли.)))
Hans Zimmer, Richard Clayderman, Paul Mauriat это души музыки и сердца.
Для меня-музыка, это поэзия, жизнь души, изложенная звуками, жизнь души, изложенная звуками. Они делают Наши Наши сердце сладчее и сильнее Нас. Не так ли.))).
Я разделяю Ваши искренние чувства и слова, милое МилоеСоздание...!
Музыку и поэзию обожаю и жить без них не могу! )))
Они помогают нам осознать, как прекрасен этот мир...и есть в нём то, во имя чего стоит жить!
__________________________________________________ __________________________________________________ ______________________________
Осень.... в стихах, в музыке и красках...
Унылая пора…
Унылая пора! Очей очарованье!
Приятна мне твоя прощальная краса —
Люблю я пышное природы увяданье,
В багрец и в золото одетые леса,
В их сенях ветра шум и свежее дыханье,
И мглой волнистою покрыты небеса,
И редкий солнца луч, и первые морозы,
И отдаленные седой зимы угрозы.
А.С.Пушкин
30.09.2014, 23:00
497 
1 октября – Всемирный день музыки!
Реконструкция (1941) танца и песенки Джима Кроу в том виде, в котором они исполнялись Томасом Дартмутом Райсом
